mamorro

ARENAS MOVEDIZAS 2010

Arenas Movedizas es un circuito de propuestas artísticas en espacios no

convencionales, comisariado por Fiumfoto, que nació hace 9 años asociado a

los Encuentros Internacionales de Juventud de Cabueñes y con el que se

pretende generar un espacio de convivencia, reflexión y creación mediante la

práctica artística.

Alojada desde hace tres ediciones en Laboral Ciudad de la Cultura este

proyecto busca también un diálogo con el edificio y los Encuentros que lo

albergan.

Se trata de instalaciones de artistas jóvenes, en la mayoría de los casos creada

específicamente para este proyecto y con una temática adaptada al espacio de

intervención, en esta edición las antiguas cocinas de la Universidad Laboral.

Instalaciones interactivas, arte sonoro, vídeos, ilustración, collage,

performances…darán  de nuevo vida a las antiguas cocinas de la Laboral

recuperado un espacio único.

--Inauguración: 9/ 09/ 2010 a partir de las 19.00 horas hasta las 23.00 h.

--Fechas: Del 9 de Septiembre al 24 de Octubre

--Horarios:

De L a V 12:30 a 14:30 y 17:30 a 20:30.

Fines de semana y festivos 12:30 a 14:30 y de 16:00 a 19:00.

Participantes

Daniel Romero/ Laramascoto/ Carlos Gispert/ Basurama/ Jose Luis Macías/

Cristina Busto/ Bonus Extra / Daniel Acevedo / LaModern Modern / Frigoexpo

2010 / MEM presenta Ciclo de vídeo Found footage: Pilar Baizán, François Rabet, Yves-Marie Mahe, Derek Woolfenden, Alberto González Vázquez //

www.arenasmovedizas.org  

www.facebook.com/arenasmovedizas

www.cabuenes.org  

www.laboralciudaddelacultura.com

-

-

    BASURAMA (Madrid)
    Chainwork (Trabajo en Cadena). 2009
    Video-instalación.

Chainwork es una video instalación que prentende poner en relación el consumo con el desecho. Todo lo que compramos, consumimos, poseemos, usamos, gastamos o infrautilizamos acaba tarde o temprano en la basura. Chainwork es una obra de Basurama en colaboración con Johan Stevenson.

Basurama es un colectivo dedicado a la investigación, la gestión y la producción cultural desde 2001, que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican y las posibilidades creativas que suscita esta coyuntura contemporánea. Nacido en la Escuela de Arquitectura de Madrid ha ido evolucionando y adoptando nuevas formas desde sus orígenes. Pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Detecta resquicios dentro de estos procesos de generación y consumo que no sólo plantean interrogantes sobre nuestra forma de explotar los recursos, sino también sobre nuestra forma de pensar, de trabajar, de percibir la realidad.
www.basurama.org
http://basurama.org/b09_chainwork.htm

-

-

    DANIEL ROMERO (Avilés, Asturias))
    Qlux Puba. Música para 200 brincadores. 2010
    Instalación sonora.

Qlux Puba es una instalación/performance/pieza musical  compuesta y dirigida por Daniel Romero e interpretada en directo por 200 “frijoles saltarines” de Sonora (México). Es una partitura viva ejecutada y re-interpretada por organismos vivos , que reinventan la propia pieza a partir de sus movimientos.

Daniel Romero es un músico avilesino, nacido en 1978. Lleva más de 10 años experimentando con la música electrónica y con el arte digital - multimedia. Ha editado varios discos bajo el nombre de “.tape.” y ha realizado instalaciones sonoras y performances audiovisuales por todo el mundo.
www.ambulatore.com/daniel_romero

-

-

    LARAMASCOTO (Gijón, Asturias))
    El antropófago. 2010
    Instalación.

“El antropófago” muestra una manera de vivir en el interior del aparato digestivo. Digerimos y somos digeridos, tragados y regurgitados, somos en definitiva consumidores consumidos, es una forma de canibalismo contemporáneo.
Existe una pulsión primitiva que nos proporciona una visión subjetiva de diferentes estadíos en el ente gástrico. Se trata de una imagen expresiva y directa del caníbal en la cocina.

Laramascoto es un colectivo formado por los artistas Santiago Lara y Beatriz Coto. Han llevado a cabo proyectos en Emergent 08 (Mostra de Creació audiovisual de Lleida), Foconorte, Instituto Cervantes de París, Galería Guillermina Caicoya, Galería Espacio Líquido (AlNorte), El Hervidero (Gijón), Arte Lisboa, Arte Santander, Kunstlerhaus GlogauAIR, Bethanien Kunstraum Kreuzberg (Berlín), Lumen_ex (Cáceres) y proyecto Circo de La Habana…
www.lara-coto.com
http://www.facebook.com/laramascoto

-

-

    DANIEL ACEVEDO (Gijón, Asturias)
    Gerris Lacustris. 2010
    Instalación

El zapatero (Gerris lacustris) es una especie de hemíptero heteróptero de la familia Gerridae, común en la superficie de las aguas dulces de Europa, incluyendo la Península Ibérica. Mide entre dos y tres centímetros de longitud. La cabeza tiene largas antenas y grandes ojos. Es posible verle sobre la superficie de las aguas dulces entre abril y noviembre. También es abundante en árboles y arbustos, y en una amplia gama de plantas herbáceas. Aunque prefiere las aguas quietas, es capaz de nadar con firmeza en corrientes poco importantes.
Se desliza sobre el agua apoyándose en su larguísimo segundo par de patas, mientras que el par posterior lo utiliza a modo de timón para ir en cualquier dirección; ambos pares poseen una almohadilla apical formada por pelos hidrófobos, que consiguen formar una minúscula bolsa de aire sobre la superficie, lo que la mantiene en flotación constante.

Daniel Acevedo es Titulado en Grabado y técnicas de estampación por la escuela de arte de Oviedo y auxiliar en diseño gráfico. Además es conocido como Donkeyboy en su faceta como músico.
http://www.flickr.com/photos/danidonkeyboy/

-

-

    CARLOS GISPERT - Icouldbeyou (MALLORCA)
    Risk/Reason/Reality. 2010
    Instalación

Dicen los expertos que el Mercado se autorregula, sabe lo que se tiene que hacer en cada momento y hay que respetarlo! Además se ha demostrado fehacientemente que nuestro Sistema es el mejor de los posibles. No vayamos ahora a echar al traste tanto progreso!
Por tanto hay que confiar en el sistema de representación política de nuestras grandes democracias, tolerantes y abiertas a críticas, si se tramitan en la oficina de reclamación. 
Presentamos aquí un experimento, una irónica extrapolación (explotación),  de cómo se puede vivir como un rey, sustentando nuestras comodidades en la jerarquía del orden global.

Ha realizado estudios en Camberwell College y Royall College de Londres. Co-fundador de la organización cultural Lacasadelcactus, trabaja desde Icouldbeyou en proyectos de instalación como Santa (Es Baluard), Retroprogres (CCCB), y colaboraciones con otros artistas (Susana Muñiz, Gabriella Solini, Tiago Borges o Blanca Escuin) en performances y videoarte.
www.icouldbeyou.org / www.lacasadelcactus.org

-

-

    CRISTINA BUSTO (Avilés, Asturias)
    Platos Calientes. 2010
    Instalación

La intervención recrea pequeños escenarios en el interior del mueble calientaplatos de la antigua cocina de la Laboral, donde se instalarán una serie de cámaras que muestran una parte de estos interiores. Al ver la maqueta, con sus dimensiones falseadas gracias a las cámaras, pasamos a formar parte de esa ficción como observadores de una pieza que busca crear una atmósfera, más que una imagen o una historia.

Artista multidisciplinar de origen asturiano. Su trabajo se interesa por una evolución en el uso de las técnicas, experimentando con las posibles combinaciones entre dibujo, vídeo e instalación; temáticamente busca cambiar el mensaje por la sensación, partiendo desde la narrativa hacia la abstracción. 
http://cristinabusto.blogspot.com

-

-

   LAMODERN MODERN (Gijón, Asturias)
    Accidente LABORAL. 2010
    Instalación

Accidente LABORAL narra un suceso puntual histórico ocurrido dentro de las cocinas de la LABORAL.
Un pequeño episodio acaecido con una freidora voladora, que un buen día despegó, llegando a impactar sobre la estructura de la chimenea de las cocinas. Una anécdota histórica contada y reinterpretada en el mismo espacio, en distinto tiempo. Un lenguaje gráfico y sonoro para reproducir la historia.

Héctor del Campo y Alejandro Mazuelas Kamiruaga vienen desarrollando actividades dentro del ámbito de la creación multidisciplinar realizando unitaria y paralelamente sus actividades, tanto en producción musical como en diseño, dentro de un abanico desdibujado de amplio espectro. Su ámbito es capaz de abordar desde instalaciones a patrones de costura, pasando por el diseño de producto o la creación de paisajes sonoros.

-

-

   JOSE LUÍS MACÍAS (Ponferrada, León)
   Inventario. 2010
   Instalación interactiva

”Inventario: registro documental de los bienes y demás cosas pertenecientes a una persona o comunidad, hecho con orden y precisión”. El espectador considerado como “activo corriente” que registrar. El espectador representado como bien material que pertenece a la obra. El espectador tratado como propiedad inherente al archivo. El espectador igualado a “objeto que se muestra”. 

Proyectos fotográficos que se formalizan como instalaciones. Instalaciones que se tornan interactivas. Incursiones en el ámbito de la literatura. Propuestas audiovisuales inconclusas. Actualmente trabaja como diseñador gráfico. Reside en Gijón desde 2006.
www.joseluismacias.com

-

-

    BONUS EXTRA (Asturias / Madrid / Berlín)
    Bonus Cuisine Vivant. 2010.
    Instalación

Cuisine Vivant ha sido una extensión de nuestro último proyecto Tableau Vivant. Ambos parten de la expresión francesa “tableau vivant” (pintura viviente), acuñado en el S.XIX, para definir la representación de un grupo de actores o modelos de una obra pictórica preexistente o inédita. En su momento, fue una forma de entretenimiento donde las personas usaban trajes y posaban como si se tratara de una pintura.
En Cuisine Vivant prepararemos un excelente guiso de verduras con ayuda de la cocinera.
Bonus-Extra (Alicia G. del Fresno, Blanca Nieto, Paco Vallejo, Alfonso Reverón, Viki Carranza), desde 2006.
Los proyectos de Bonus-Extra van desde cortos de ficción, animación y cómics, a carteles e instalación. Los miembros realizan trabajos artísticos independientemente; cuando crean como grupo buscan un proceso de creación  lúdica, de disfrute, y que el espectador se contagie de este espíritu creativo.
www.bonus-extra.com

      MEM PRESENTA:
      Ciclo “Video found footage” 
      Comisariado por Txema Agiriano

Ciclo de vídeos generados a partir de “archivos robados”. La selección ha sido elaborada por los organizadores del Festival MEM (Musica Ex Machina) de Bilbao, un festival que desde 2.002 se ha focalizado en las últimas tendencias de la música y el vídeo experimental.

Video found footage

Pilar Baizán “Tortilla Ferrán Adriá”

François Rabet “Desecrator”

Yves-Marie Mahe "Jeuness"

Derek Woolfenden “Que sera sera”

Alberto González Vázquez “2010”

"Cuando preparo está selección no pienso en un arte que surja de lo que cada artista encuentra sino que se encuentra en lo que cada artista le surja. Un arte rutilante e insolente que no aspira en encontrar en lo que halla una originalidad improbable sino que al encontrarse frente a lo que le precede la crea. ¡Un arte, en suma, que no se confunda con la pre-tecnología que nos enseñaban en la escuela!"

Pilar Baizán “Tortilla Ferrán Adriá”

La oferta de cine gastronómico nos permite viajar a través de las cocinas del mundo, disfrutar y casi sentir y degustar los platos.
Este video trata de dar una vuelta de tuerca a este tema, removiendo al espectador, activándolo para no dejarlo impasible ante la receta de imágenes presentada. Este trabajo también trata la relación entre arte y cocina que se ha impuesto en los últimos años entre los cocineros de la alta cocina. Esta pieza se cocina con ingredientes robados.

Pilar Baizán

Pilar Baizán es artista visual y sonora nacida en Gijón y residente en Bilbao. Ha realizado instalaciones sonoras específicas (Galleteras, Fabrica Galletas Artiach; Allende la Puente, Museo de Reproducciones) y ha mostrado su trabajo a nivel internacional (Kaleidoskop, Copenhague; K:ita, Berlin; Sonic Circuits, Washingtong DC; Issue Project Room, New York;…)  y estatal (Sonar, LEM, MEM, Experimentaclub, Museo Guggenheim Bilbao,..)

http://www.baselinenoise.com/

François Rabet “Desecrator”

Desecrator muestra una sesión de rehabilitación en un hospital a ritmo grindcore. Algo más que un videoclip para el grupo colombiano Desecrator.

http//www.autofuck.fr

François Rabet

“François Rabet es un fanático que utiliza el medio fotográfico como sistema para mostrar sus sentimientos que son íntimos, bastos y críticos. Todos sus films son de muy corta duración y poseen una increíble ternura impropia de nuestros tiempos de alta carga corrosiva y critica.”

Derek Woolfenden en Insert N°1-juin 2009

http//www.autofuck.fr

Yves-Marie Mahé "Jeuness"

"Jeuness" es la autobiografía de Nicolas Sarkozy

Yves-Marie Mahé

Nacido en Morlaix (Francia), Yves-Marie Mahé es fundador de la coopertiva de Super-8 "La Lueur Déchirée". De 2005 a 2006 fue presidente de la asociación cinematográfica "L’Etna". En 2007 fundó el colectivo de cineastas experimentales “Collectif Négatif".

http://negatif.mahe.free.fr/?cat=1

http://www.lightcone.org/en/filmmaker-202-yvesmarie-mahe.html

Derek Woolfenden “Que sera sera”

Un film cínico, casi misantropico que, a pesar de su aspecto infantil, se las arregla para enumerar y declinar algunas de las bestias histórico-mitológicas que han surgido del imaginario colectivo: los burros de Collodi, las ratas de Hamelin, cerdos de Circe, las ovejas de Panurgo, el perro de Pavlov. La televisión contemporánea se asemeja a una gigantesca granja; la tentación del éxito y la fama que ofrece es análoga a la experiencia de Pinocho cuando se le aseguró que él nunca habría de volver a trabajar (diversión de por vida) y se transformó en un burro! La individualidad no existe, Don Quijote no es el único en creer en los molinos de viento.

Derek Woolfenden

Derek Woolfenden es cineasta, investigador y teórico de cine, miembro de Collectif Négatif.

“Lo que nos une a Collectif Négatif es esta necesidad de desviar lo que se ve y reapropiarse de ello no en una lógica oportunista propia de agencia publicitaria, sino en una lógica afectiva desconsolada. Desembarazar el cine dominante de todo su discurso acostumbrado moral o político: transformar así el cine dominante en obra lúdica, nihilista, intimista y sexual.”

Alberto González Vázquez “2010”

Año 2010. Las corporaciones controlan el destino de una población en estado letárgico. Un hombre encuentra una moneda.

Alberto González Vázquez

Alberto González Vázquez, también conocido como “Querido Antonio” es un joven artista que trabaja dentro el mundo de la animación, el found footage y el cortometraje. Sus trabajos siempre cargados de una profunda ironía, se desenvuelven dentro del mundo del cine, la política y la vida cotidiana. Tras mostrar muchos de sus videos en youtube con gran éxito son sus  trabajos para “El intermedio” los que le han acercado al gran público.

http://www.queridoantonio.com/

Txema Agiriano

Txema Agiriano, Experto en Arte y Nuevas Tecnologías (UPV/EHU), es crítico, investigador y comisario de arte. Dirige el festival internacional de arte experimental MEM desde su creación en 2002.

En 2009 editó el libro “Found Footage, No clases de pretecnología” ISBN: 978-84-7821-738-0

http://mamorro.blogspot.com/

http://www.musicaexmachina.com/

http://mamorro.blogspot.com/
http://www.musicaexmachina.com/

-

-

      FRIGOEXPO 2010
      “When the Apes met….”
      Exposición colectiva internacional

Exposición organizada por el polifacético Juan Roller, artista asturiano afincado en Bilbao, que reúne el trabajo de 40 ilustradores de todo el mundo trabajando a partir de una temática común como es la película “El Planeta de los Simios” ubicada otro referente cultural. Simultáneamente a Arenas Movedizas se estará exhibiendo en Bilbao (Joker), y más adelante se trasladará a México (Galería Vértigo), Pamplona y León.
www.frigofingers.com
http://www.frigofingers.com/frigofingers.com/Frigo_Expo_2010.html#39

Etiquetas: arenas, movedizas, Pilar, Baizán, François, Rabet, Yves-Marie, Mahe, Derek, Woolfenden

BLV, POLO ARTISTICO EN EUSKAL HERRIA

El arte toma la calle

ROLAND TOPOR

 

El maestro de Pánico

Galeria Garabat (Calle Dos de mayo, 19 - Bilbao)

ROLAND TOPOR

obra gráfica

Hasta el 30 de Julio 2010

 

Hasta final de Julio en la Galería Garabat del barrio de San Francisco (Bilbao) tenemos la oportunidad de visitar una selección de obra gráfica del genial artista polifacético Roland Topor. Además se proyectarán algunas de sus películas. Desde 1997 Topor ya no está entre los vivos, pero su trabajo sigue resultando tan fresco y punzante como siempre.

 

Tuve el primer encuentro con la obra de Topor a través de su libro Mundo Inmundo (Colección La Nariz, -dirigida por Álvaro de la Iglesia- Editorial Planeta 1972). Cuando descubrí el libro en la biblioteca familiar no tendría yo aun doce años. Recuerdo con claridad aquella portada en la que aparecía una persona sin rostro sobre el que había una mosca. Dentro, 250 páginas con dibujos en tinta china que mezclaban la fantasía, el terror, el erotismo, la crueldad y el humor. Un auténtico descubrimiento como lo será para muchos ésta exposición.

 

Nacido en Paris en 1938 hijo de inmigrantes judíos polacos Roland Topor estudió Bellas Artes. Con veinte años ya publicaba en las revistas satíricas Bizarre y Hara Kiri y en 1961 publica su primer libro de ilustraciones con el título de Les Masochistes (Los Masoquistas) que fue premiado como mejor libro de humor negro de aquel año. Dibujos a plumilla de un universo onírico con la muerte y el sexo como dos obsesiones principales. Por entonces conoce al dramaturgo Fernando Arrabal y pronto al director de cine chileno Alejandro Jodorowski que eran habituales de las tertulias surrealistas de André Breton en el caféLa Promenade de Venus. En 1962 en una reunión con Topor en el Café de la Paix deciden crear su propio grupo: Panique (Pánico) un homenaje al dios Pan, generador de miedo, dionisiaco y de sexualidad desenfrenada. Pánico se definirá como un movimiento neo-Dadá y post-Surrealista que utilizó el humor negro como su principal arma. En los siguientes años Roland Topor trabajó en diferentes medios, sin dejar nunca el dibujo. En 1964 junto a René Laloux realizó el corto Les Temps morts (Los Tiempos Muertos) donde se combinan los dibujos de Topor con imágenes de archivo creando su particular “Los desastres de la guerra” goyescos. Al año siguiente con Les Escargots (Los caracoles)una fábula dibujada por Topor donde unos caracoles gigantes causan el pánico, son premiados en festivales cinematográficos en Mamala, Trieste, Prades y Cracovia. En 1973 ganan de nuevo un importante premio en el festival de ciencia ficción de Trieste y el premio especial del jurado en el Festival de Cannes con el largo de animación de marcado ambiente surrealista La Planète sauvage (El Planeta Salvaje). En 1988 junto a Henri Xhonneux realizará la película Marquis, basado en la vida del Marqués de Sade. En éste film de culto que combina diversas técnicas de animación con actores reales y donde uno de los protagonistas es el propio pene del marqués, todos los personajes aparecen representados con cabezas de animales. Auténticas maravillas de la animación para adultos.

Topor fue también escritor, dramaturgo, realizó óperas e incluso fue actor. Su primera novela, Le Locataire chimérique de 1964, fue llevada al cine en 1976 por Roman Polanski como Le Locataire (El quimérico inquilino) y como actor trabajó entre otras producciones a las órdenes de Werner Herzog en Nosferatu.

Publicó más de 10 novelas y otras tantas antologías de dibujos reunidos por temáticas, ilustró obras de Arrabal, Lawrence Durrell, Tolstoi, Anatole France, el Pinocho de Collodi y también hizo carteles para el cine, como el famoso de El tambor de hojalata para Volker Schlöndorff. Con el editor Yves Rivière, realizó numerosos grabados y algunos de ellos son los que ahora podemos disfrutar en Garabat. Dos linograbados y 18 litografias –en color y blanco y negro-, todos ellos firmados, nos introducen en el universo de Topor.

El artista parisino gran conocedor de la mitología la utiliza como recurso para crear sus estampas, como en su representación de un Hércules despojándose de unas cadenas o su versión del mito de Lena donde el cisne ha sido substituido por un dodo. Crea un mundo surrealista donde aparecen magos masoquistas, mujeres poderosas y hombres dominados por sus deseos sexuales. En ocasiones Topor hace referencia a pintores de siglos pasados. El universo de Brueghel está siempre presente en esos personajes y situaciones que el crea con su dibujo. Delacroix es otra importante referencia y así lo vemos en una de las más cuidadas litografías de la exposición donde representa una lucha en la que los personajes utilizan el bello púbico como arma. Está presente también en la exposición su particular homenaje a la “La gallina ciega” de Goya. Topor no nos oculta su debilidad  por el aragonés, especialmente sus grabados, uno de sus influencias más claras. Fuera ya de la pintura, su otro gran maestro será Alfred Jarry.

 

Acercarse a ésta exposición supone una gran oportunidad para entrar a conocer un muy interesante artista del siglo XX. Además de admirar su obra gráfica, en Garabat se podrá disfrutar de algunas de sus películas. El día de la inauguración se pudo ver La Planète sauvage. El viernes 18 de junio, a las 20:30 h., podremos ver Le Locataire chimérique y el viernes 30 de julio, a las 20:30 h, para despedir la exposición, se proyectará Marquis.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 4 de Junio 2010

BECAS MONTEHERMOSO

 

 

OCHO PROYECTOS

Centro Cultural Montehermoso Kulturunea

Vitoria-Gasteiz

8 individuales

Arte e Investigación 2009

Del 21 de Mayo hasta el 29 de Agosto 2010

 

Hasta el 29 de Agosto el Centro Cultural Montehermoso Kulturunea de Vitoria-Gasteiz presenta en sus salas las exposiciones producto de la convocatoria “Arte e Investigación 2009”. Los artistas becados  fueron Leonor Antunes, Erika Arzt & Juan Linares, Nadia Barkate & Marion Cruza, Niamh O’Malley, Paloma Polo, Carissa Rodríguez, Jorge Satorre y Azucena Vieites.

Un jurado compuesto por Jon Mikel Euba (artista), Eva González-Sancho (Directora del FRAC de Bourgogne), Nuria Enguita (comisaria e investigadora del arte) y Xabier Arakistain (Montehermoso) fue el encargado de seleccionar los ocho proyectos becados.

El resultado es una exposición variada, como corresponde a ocho individuales que es lo que se presenta, donde destaca la presencia femenina y donde el video es uno de los medios más utilizados. Estas becas constituyen una gran oportunidad, ya que la selección se realiza a partir de un proyecto o un proyecto en proceso y para su consecución los artistas disponen de 3.000 € en concepto de honorarios y 7000 € para su producción.

La donostiarra Azucena Vieites sigue su línea conocida de dibujos a blanco y negro basados en fotografías predominando en ésta ocasión un collage de textos que ella a dibujado. Se trata de entrevistas a mujeres artistas de diferentes disciplinas aparecidos en revistas del ámbito queer, punk feminsta y post riot como GLU. Una reivindicación del “hazlo tu mismo” y el empoderamiento de la mujer.

Leonor Antunes, Beca Botín 2009, es una artista muy presente últimamente en diversas muestras colectivas. La escultora lisboeta afincada en Berlin, presenta una exposición con diversas piezas tridimensionales. Antunes gusta de revisar pequeños momentos o acontecimientos históricos, a los que hace protagonistas de su obra. Partiendo de un exámen de un elemento de la memoria colectiva que llama su atención, ella nos da su propia nueva visión.

La madrileña, residente en Amsterdam, Paloma Polo es una artista emergente con gran proyección. Recientemente ha sido Premio Injuve, ha obtenido la Beca de creación artística del MUSAC  y prepara una exposición en el MNCARS. “Enough Redundancy in the System”, la obra que nos muestra, toma como referente un programa del gobierno holandes para impedir las inundaciones mediante una complicada obra de ingeniería materializada en una barrera de alta tecnología. El sistema incluye un simulacro de actuación que se realiza de forma periódica para comprobar la eficacia del proyecto. Polo utiliza este plan como guión para su film de 30 minutos que presenta a modo de instalación audiovisual junto a otro video y una caja de luz.

La neoyorkina Carissa Rodríguez es además de artista, galerista y escritora. Para Gasteiz ha preparado una serie de esculturas/escritorios/muebles construidos a base de madera con melaninas impresas con nombres y trozos de imágenes de diversos artistas convirtiéndolas en piezas autobiográficas.

Para el proyecto de Montehermoso la irlandesa Niamh O’Malley ha filmado un video en el lago de Lough Derg (Irlanda). La artista, interesada en investigar las formas de ver y presentar, ha trabajado algunos años proyectando sus trabajos sobre lienzos pintados. En ésta ocasión proyecta sobre una tela negra consiguiendo un efecto de una calidad estética inusual. En sus últimas muestras utiliza cristales y espejos de doble cara sobre los que pinta con oleo y aquí podemos ver también una pequeña muestra. Extrañación a partir de la manera de ver.

Los afincados en Berlin, Erika Arzt & Juan Linares tratan la memoria colectiva resucitado por un día un viejo parque de atracciones del Berlín Oriental. Para sorpresa de viandantes y gracias a la beca de Montehermoso, los artistas pusieron a funcionar la noria, que llevaba ocho años parada, y que fue construida en 1989 para celebrar el cuarenta aniversario de la República Democrática Alemana. Aquel día en Berlin celebraban los veinte años de la caida del Muro. Fueron necesarios meses de trabajo, nuevos motores y la labor de ingenieros y mecánicos para conseguir su objetivo. En la exposición tienen además otros dos proyectos que siguen su línea de exploración e inclusión de las comunidades en el desarrollo de su obra.

El proyecto de las bilbaínas Nadia Barkate & Marion Cruza lleva por título “Red River / Rio Tinto” en referencia al mítico western de Howard Hawks donde se retrataba una odisea. Ellas también se embarcaron en una odisea realizando el film que presentan. Si en “Sing Sad Songs” comenzaron sus investigaciones fílmicas a la manera de un nuevo Dogma o una nueva Nouvelle Vogue en  “Red River / Rio Tinto” vuelven a crear un video saltándose las estructuras. El resultado es una atractiva película que sucede antes de la filmación de una película. La instalación se completa con unos fantásticos dibujos que forman parte de la escenografía del film.

El mexicano residente entre Paris y Barcelona Jorge Satorre ha focalizado el trabajo de sus últimos años en una revisión histórica in situ que el transalada a su experiencia personal muchas veces plasmándola en dibujo utilizado como documento narrativo y herramienta de recuperación de la memoria. Sus manera de aproximación con éstos lugares históricos está ligada al land art y aldocumental científico, pero no por ello dejando de ver el lado cómico o absurdo de la vida. Las diapositivas de lugares donde existieron formaciones megalíticas, hoy desparecidas, que presenta en Montehermoso vienen de un proyecto anterior llevado a cabo en Córcega donde comenzó a interesarse por estas formaciones y la escasa información que poseemos de ellas. El dolmen como un lugar cargado de significado pero del que sabemos realmente muy poco. Un espacio para todos y abierto a las más amplias interpretaciones.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 28 de Mayo de 2010

EXPOSICIONES DE GUERRILLA en ESPACIO ABISAL

 

 

BREVE

Espacio Abisal. Bilbao

Varios artistas

Durante todo el año

 

EXPOSICIONES DE GUERRILLA

La galería Espacio Abisal de Bilbao, en combinación con su programación habitual de exposiciones de tres semanas de duración, ha optado en el último año por un nuevo formato de exposición al que ha llamado “Breve”. El último sábado de cada mes los artistas seleccionados se comprometen a montar, inaugurar y desmontar una exposición que sólo dura ese día.

El tiempo dedicado a una exposición viene definido por sus posibilidades de rentabilización. ¿Cuánto cuesta? ¿Cuánto puedo vender? ¿Cuántos visitantes podemos atender? ¿A cuántos visitantes podemos atraer? Unos cálculos que todo organizador debe plantearse a la hora de definir estas duraciones. En los museos el periodo de exposición suele ser de varios meses, en las galerías privadas de un mes, las ferias de arte comerciales abarcan unos pocos días y otras manifestaciones artísticas como la Bienal de Venecia 6 meses y la Documenta de Kassel 100 días. Ha veces los tiempos de exposición resultan totalmente excesivos, como por ejemplo los cuatro meses que duran buena parte de las exposiciones de la Sala Rekalde de Bilbao. Haría falta un mayor flujo de visitantes para su rentabilización, pero no es tarea fácil. En ocasiones es la propia exposición la que no resulta atrayente para un público amplio. Muchos museos ven en las visitas guiadas y talleres para niños y jóvenes la solución a una baja afluencia de espectadores. En el caso de los escolares se consiguen cientos de visitantes cautivos. Una idea más interesante es la de realizar actividades complementarias como proyecciones, charlas o conciertos. La combinación de otros eventos en el propio espacio expositivo puede ser un buen sistema para acercar el público a la galería. Los galeristas barceloneses han tomado la iniciativa de organizar un ciclo de pequeños conciertos en sus espacios. Así, se asiste a ver la exposición y, a la vez, a escuchar unas piezas musicales que amenizan la visita, todo ello acompañado de una copa de cava por cortesía de la galería. Y si pusieramos jamón seguro que el número de visitantes aumenta.

El público asiste más al evento social que a la llamada del arte. Una adecuada forma de comunicar y presencia en medios junto con el boca-oreja pueden hacer que el flujo de visitantes continúe pero en la mayor parte de las ocasiones lo que ocurre es que la exposición languidece en su apacible espacio sin recibir más vistas que unas pocas puntuales.

¿Tiene sentido tener una exposición abierta durante un mes si nadie acuda a verla después del primer día? ¿Por qué hacer entonces exposiciones que duran semanas si nadie va a acudir después del día de la inauguración? ¿No resultará más eficaz poner todos los esfuerzos en un único día?

Un planteamiento de éste tipo es el que llevó a Eduardo Hurtado, uno de los comisarios y actuales directores de Abisal a plantear el proyecto que nos ocupa.

Breve, según su comisario, “pretende indagar en los ritmos de producción y exhibición de los procesos artísticos
contemporáneos”. Se propone a los artistas seleccionados una intervención en la galería que tendrá una duración de un día, donde se incluye el tiempo de montaje, inauguración, exhibición y desmontaje. Esto sucede el último sábado de cada mes y desde Enero han pasado por los breves de la galería de la calle Hernani Juan Aizpitarte y Oier Villar, Estitxu Losa, Usoa Areitio, e Ibai León y Sara Campillo. Para cada una de las exposiciones se publica una postal impresa en fotocopia que al final del proyecto se agruparan en forma de publicación. Los artistas reciben un pequeño presupuesto a modo de dieta del día. Una dinámica que sirve para dar la posibilidad de exponer a un mayor número de artistas, aunque solo sea un día, y a la vez un experimento donde los rítmos y el tiempo son protagonistas. Los resultados, como es de esperar, son muy variados y hay desde el artista que consigue una exposición al uso en un tiempo récord, hasta el que por la premura de tiempo sólo consigue abocetar sus ideas, pasando por el que intenta saltarse las normas del propio proyecto desvirtuándolo.

Breve es un proyecto que se podría agrupar con otros que tienen el trabajo en la galería y no en el estudio uno de sus parámetros principales. Así ocurre con el proyectoPraxis en el Artium donde en su primera edición los hermanos Roscubas restauraban una de sus piezas frente a los visitantes.  En Primer Proforma 2010 (MUSAC) Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego se encerraron junto a quince voluntarios en el museo para crear lo que luego se mostraría como exposición final.

En el caso de Abisal los artistas toman la decisión de si crearán en el propio espacio o se limitaran a colgar sus obras, todo depende de ellos, pero solo disponen de una mañana. Todo un reto con diversos resultados.

Esta inmediatez emparenta a Breve con el arte de guerrilla formando parte de su versión más light, la galerística exposición de guerrilla. Un genero expositivo cada día más en auge en un Bilbao donde supuestos galeristas hacen del alquiler de su espacio su modus vivendi, donde el público rara vez acude al espacio expositivo después del día de su inauguración y donde a los artistas, lejos de alcanzar derechos largamente reivindicados, se les sigue pidiendo todo a cambio de muy poco.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 7 de Mayo de 2010

ANDREA NACACH

 

 

“Revolver”

Andrea Nacach

Fotografía

Galería Vanguardia, Bilbao

Hasta el 20 de Mayo 2010

 

La memoria de Andrea

La Galería Vanguardia de Bilbao se suma por tercer año consecutivo al festival cántabro de fotografía y video Foconorte. Para ésta ocasión, la galerista, ha elegido el magnífico trabajo de la artista argentina residente en Barcelona Andrea Nacach (Buenos Aires, 1975). Una exposición que con el título de “Revolver” que nos acerca a los procesos de la memoria.

No nos asustemos, aunque Nacach comenzara su carrera artística en México, donde estudió fotografía y video, en ésta exposición no nos habla de las pistolas o revólveres que tanto aman en aquel país, sino de la acción de mezclar, mover, menear o enredar. En su interesante exposición Behavior en la Capella de Barcelona en enero 2008 dentro de la colectiva “Don’t Believe them” con mucho humor pero como si se tratara de un documental o un estudio etológico nos mostraba el comportamiento de diversos “animales”, incluyendo un hombre disfrazado de Scooby-Doo asediado por los niños o un elefante en el zoo de Barcelona comiendo los excrementos que un compañero acababa de expulsar. ¿Cómo se comportan los animales o como nos comportamos las personas? En ésta su nueva exposición individual Nacach sigue presentando sus estudios antropológicos. Ha decidido revolver en las personas y más concretamente en nuestros lóbulos occipitales. Ahí está nuestra llamada a la memoria y en esta exposición la artista ha decidido jugar con ella. No sabemos muy bien si con la suya o con la nuestra. Tal vez con la de todos.

A la pieza Revolver (Barcelona 2008), que en la Galería Vanguardia abre la exposición, Andrea Nacach lo llama objeto fotográfico. Se trata de una mesa llena de fotos de 10x15 cm, el tamaño de fotos al que más habitualmente se revelan las fotos de nuestras vacaciones, que luego van a parar a los álbumes familiares. Sobre la mesa hay también una pequeña urna de metacrilato llena de fotografías. Los negativos que se han utilizado para ser positivadas no se han realizado con una cámara fotográfica sino que proceden de películas de Super 8. Son series de imágenes de viajes alrededor del mundo realizadas en el pasado, a partir de los años setenta, cuando nació la artista. En estas fotos vemos una visita a un museo o estación espacial, un grupo de flamencos, el cambio de guardia del Palacio de Buckingham, un día de pesca en alta mar, una boda, un día de playa, o cualquier otra cosa… Se trata de una revisión de la memoria de alguien, tal vez de los padres de la propia artista o simplemente de un desconocido. Fragmentos de realidad y memoria puestos por la artista a nuestra disposición para que los observemos, los ordenemos, los desordenemos, los escondamos o los saquemos a la luz, los revolvamos o los archivemos en la urna de metacrilato allí dispuesta como si se tratara de nuestro disco duro cerebral. Una maqueta de una memoria lista para que realicemos nuestras propias sinapsis o incluso un posible proceso de reintegración a partir de la memoria de otro.

¡Ha llegado el paquete de New York!

.75 NYC-BCN es un libro-objeto fotográfico de 98 páginas impreso en papel vegetal translucido, realizado en Barcelona en 2008.

Curioso que Andrea se fije en el precio del envío para el título. Tal vez sea la imagen eidética que permaneció en el cerebro de la artista el día que recibió su paquete. Las fotos del libro son un acercamiento al paquete. Vemos el remitente y el destinatario, las características del envío, la bolsa, el cierre y la caja. Están todas las huellas y todas las marcas del paquete recibido que también es paquete enviado. Según vamos pasando hojas, con las manos sabiamente protegidas en guantes blancos de algodón para no dejar nuestro rastro, muchas preguntas nos asaltan la cabeza. Las que nos cuestionan sobre el contenido de la caja serán la principales y pronto obtendremos respuesta. Son pequeñas cosas de la artista, sus libros, sus exposiciones, Argentina, New York. Un travelling emocional. Un recorrido de su memoria pasando hojas. Pasando páginas como yendo hacia el olvido.  Entrevemos lo que hay debajo y a veces las páginas se pegan y algún recuerdo queda oculto. No siempre están ahí cuando los buscamos y aparecen cuando no queremos. Así son los recuerdos y así es esta otra memoria de Andrea.

La siguiente obra a la que nos acercamos en ésta muestra es un video. Lo vemos dentro de una caja blanca. En la filmación se nos presenta una mujer mayor en una playa. Pasea al lado de las olas. Tal vez se trate de la propia Andrea dentro de unos, bastantes, años. Como en un sueño nos avanza sus recuerdos no vividos.

Séptimo Piso, la serie fotográfica con la que se cierra la exposición fue realizada en Buenos Aires en 2006. Son fotografías donde predomina el color blanco, la luz. Algunas de ellas están sobreexpuestas y otras están tomadas a contraluz. Tienen un algo onírico o incluso fantasmal. Las imágenes muestran una vivienda que está siendo vaciada. Formalmente es la parte de la exposición que menos me ha llegado. Conceptualmente sigue la línea general de reflexión sobre el tiempo y el espacio. En éstas fotografías vemos como la casa de la abuela de la artista es desmantelada poco a poco. Se vacían armarios y se retiran baldas, apliques y lámparas. Las huellas permanecen en la casa, dejan la marca de quien vivió en ella aunque ya no esté allí.

En la exposición y a modo de complemento, también podemos ver un ejemplar de su libro Familia (2005). Fotos antiguas y nuevas atravesadas por un troquel en forma de cruz. Un álbum de familia en el que vuelve a hablar de la pérdida, la memoria, el olvido y el duelo.

¿Cómo funciona la memoria? Andrea Nacach nos da diversas maneras de entender éste proceso a través del arte.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 30 de Abril de 2010

JUAN HIDALGO en ARTIUM

 

Juan Hidalgo.

Desde Ayacata 1997-2009

ARTIUM

Desde el 27 de marzo hasta el 29 de agosto 2010

 

LAS VIEJAS FOTOS DE LA GÜELA

 

El Artium de Vitoría-Gasteiz acoge hasta final de agosto la exposición “Desde Ayacata. 1997-2009” del gran artista multidisciplinar canario Juan Hidalgo. En ésta muestra encontramos obras del activo octogenario Hidalgo producidas en los últimos años. Después de recorrer el mundo ha vuelto a su isla, a la población grancanaria de Ayacata.

Hidalgo, pianista y compositor, ya en los años cincuenta se relaciona con los más importantes experimentalistas y músicos de vanguardia a nivel mundial como fueron David Tudor y John Cage –sus grandes influencias- y también otros como Iannis Xenakis o Pierre Schaeffer. En 1956 conoce a Walter Marchetti con quien a partir de entonces formará equipo de trabajo e investigación. En 1961 Hidalgo y Marchetti abandonan la investigación musical de tipo tradicional para dedicarse al hecho musical como búsqueda de un lenguaje no exclusivamente sonoro. Se había abierto el camino para ZAJ. Él y Marchetti serán sus felices padres en 1964. El también músico Ramón Barce estará en el alumbramiento pero les abandonará más tarde. El escritor Juan Luis Castillejo fue también ZAJ durante algunos años. La performer donostiarra Esther Ferrer formarán asimismo parte de ésta versión española de Fluxus, una versión con personalidad propia y altísima calidad que sacudió las conciencias de la España franquista. Ésta España de Franco que intentó reírse de ellos a través del NO-DO y acabó prohibiendo sus comparecencias públicas aduciendo que incitaban al anarquismo.

Con ZAJ Hidalgo además de sus producciones sonoras comienza a realizar pequeñas acciones que quedarán plasmadas en forma de fotografías. Es también el momento de sus etcéteras, proposiciones de acciones en forma de texto, muchas veces enviadas por correo a modo de mail-art. Su obra tendrá a partir de entonces un marcado carácter poético. Poesía escrita en forma de etcéteras y poesía visual en forma de objetos o fotografías. La música por otro lado, jamás la ha abandonado.

La exposición que se nos muestra en Artium esta compuesta de objetos –a modo de poemas visuales- y fotografías –la mayor parte de ellas de objetos poemas-. También encontramos un video y algunas instalaciones. A la entrada, junto a un documental, podemos degustar un video donde se interpreta una de sus composiciones musicales, que vendrá bien para hacerse una idea de su obra a quien desconociera ésta muy importante faceta del artista. Aquellos familiarizados con la obra anterior de Hidalgo, al visitar ésta exposición, no verán un avance significativo respecto a etapas anteriores. La obra de Hidalgo sigue las pautas de su obra anterior y continúa series comenzadas años atrás. No nos encontramos con un nuevo artista o un nuevo tipo de obra. Es una continuación.

El título de la exposición, “Desde Ayacata, 1997-2009” nos informa que desde 1997 el artista reside en ésta población canaria. Un dato sólo biográfico pues no se presentan en la exposición únicamente obras realizadas en dicha población. Aunque el subtítulo de la exposición diga 1997-2009 no es ésta una referencia temporal exacta sobre los años de producción de la exposición, pues se han incluido algunas (pocas) obras anteriores. Tampoco tiene mayor importancia pues la clave tal vez la encontramos en que toda la exposición esta cargada de sentimientos y vivencias referidas a este periodo temporal y éste ámbito geográfico. No es que se hayan hecho allí y entonces. La labor de comisario la ha realizado quien mejor conoce a Hidalgo, su marido Carlos Astiárraga.

Las obras de Juan Hidalgo están cargadas de humor, de ironía, de sexo, de referencias homoeróticas masculinas y de recuerdos. El abuelo queer del arte español nos abre su mundo para que disfrutemos, sonriamos y pensemos con él. Podemos viajar a islas imaginarias llenas de palmeras, y si cerramos los ojos sentiremos la brisa marina en nuestra piel y la oiremos con nuestros oidos. La instalación ambientalScriabin dixit –homenaje al genial músico ruso- hace el milagro y nos cambia de humor. Unas sombrillas con flecos de rafia y unos ventiladores subidos sobre unas escaleras son los culpables.

Metafóricamente accedemos a su álbum de fotos en las series Memoriay Biografías. Viajes y recuerdos revisados en su compañía a modo de álbum familiar. Un viaje evocador de recuerdos propios y ajenos, reales y ficticios. Egipto, Chile, Cuba, Canarias, México y Egipto. Aeropuertos, gintonics, hospitales y sexo. Rosa Luxemburgo, Miguel Angel, Plutón,… El espectador analiza e imagina sus propias historias. ¿Qué sucedió? ¿Eran felices? ¿Fue bien el viaje? Alguna vez coincidiremos con la realidad de Hidalgo y otras probablemente no. Tampoco importa, es más valiosa esa incitación al pensamiento y a nuestra propia memoria. Su obra es íntima y privada, pero abierta totalmente al voyeur que hay en todo espectador, al que además le ofrece mucho sexo y humor. ¿Qué más puede pedir? Reflexión, contenido y estética; y aquí los hay en cantidad.

La serie Un algo más se compone de poemas visuales autobiográficos, acciones fotográficas en definitiva. Una suma y sigue de objetos, de personas y de experiencias. Un culo más, un peninsular más, una botella más, un sombrero más, un pan más, un macho más, un accidente más, un beso más. Su beso con Carlos.

La gran preocupación de hoy en día para Juan Hidalgo no es otra que la búsqueda de la calma y el bienestar. Por suerte goza de buena salud y disfruta de la vida, con lo que lo consigue. A pesar de ello, esto no impide a éste joven de 82 años hijo de John Cage y nieto de Marcel Duchamp seguir produciendo y militando.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari  el 16 de Abril de 2010

SONIC YOUTH: A SENSATIONAL FIX

 

 

Ejemplo sónico

 

Sonic Youth: A Sensational Fix

Varios artistas

CA2M. Móstoles

Hasta el 2 de Mayo de 2010

El CA2M presenta la exposición Sonic Youth: A Sensacional Fix. Obras de más de 150 artistas, representando el universo del grupo Sonic Youth a través del arte. Un recorrido entre interesantes obras de arte y documentos para fans que nos acercan al grupo nacido en Nueva York en 1981 formado por Thurston Moore, Kim Gordon, Lee Ranaldo y Steve Shelley.

En el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles la entrada se ha dedicado a una recopilación de material del grupo como carteles, fanzines, discos, CD’s, muñecos, pedales, guitarras, libretas de letras, amplis,… Una delicia para los fans del grupo que dejará frío a quien no lo sea. Es cuando accedemos a las otras dos plantas dedicadas a la exposición cuando en realidad nos sumergimos en el mundo de Sonic Youth y donde vemos las obras de muchos de sus amigos y colaboradores.

En la muestra se han reflejado también sus influencias y gustos y es por esto que encontramos piezas de los escritores Allen Ginsberg y William S. Burroughs, de los músicos Glenn Branca y John Cage, o de los miembros de fluxus George Maciunas y Dick Higgins. Pioneros, e inspiradores todos ellos, que abrieron camino a las expresiones más arriesgadas y alejadas de la ortodoxia, como algunas de las que podemos disfrutar en A Sensatonal Fix.

No faltan tampoco artistas de generaciones más jóvenes, con las que también se identifica el grupo, como la australiana Kathy Temin y su universo pop, las inquietantes niñas en actitud sexual de Rita Ackermann –quien realizó una portada para Moore- o Tacita Dean que presenta una obra destacable homenajeando a Cage y a Merce Cunningham.

El grueso de la exposición está compuesto por obras de artistas muy cercanos al grupo. Entre otros los como ellos también conocidos como músicos Alan Vega (Suicide), Marnie Weber –que graba para Ecstatic Peace! el sello de Thurston- o Mike Kelley (Destroy All Monsters). Como Sonic Youth también nacieron en el underground y prácticamente al unísono que ellos conocieron el éxito sus colaboradores el dibujante Raymond Pettibon o el fotógrafo y cineasta Richard Kern.

Christian Marclay es otro de los miembros del club sónico que presenta una pieza que no por conocida resulta menos llamativa. Una habitación repleta de vinilos dispuestos sobre el suelo con el fin de que el publico ande sobre ellos y los “modifique” de manera que la próxima vez que sean pinchados su sonido haya cambiado por la acción del espectador.

El debatido pintor y fotógrafo Richard Prince es otro de los grandes artistas cercanos al grupo del que podemos ver alguna obra.

Resultan muy interesantes las por aquí no muy conocidas videoinstalaciones y piezas colaborativas de la pareja formada por Lee Ranaldo y la artista canadiense Leah Singer, de quienes también vemos algunas de sus obras en solitario.

Aunque los cuadros y acuarelas de Kim Gordon puedan no ser del gusto de muchos, no cabe duda de la valía de la propuesta que presenta junto a Jutta Koether: “The Club In The Shadow”. Un espacio donde el público puede tocar (guitarra, bajo y batería) acompañando la voz de Gordon y grabar el resultado. El espacio en ésta ocasión fue creado por Kim siguiendo las líneas de la pieza original que fue diseñada para ellas por Vito Acconci en 2005.

Dan Graham que a finales de los 70 en Nueva York dirigía su propio espacio de arte abierto y realizaba grabaciones de los grupos de la época, les hizo protagonistas de algunas de sus obras videográficas. Para A Sensatonal Fix ha diseñado el espacio “Pabellón para el punk rock” donde poder escuchar y ver videos relacionados con el grupo.

De Tony Conrad podemos ver entre otras obras la película de 16 mm conservada en un frasco de pepinillos y la espectacular y divertida

“Cuarteto”. Un banco suspendido de unos cables a modo de cuerdas de guitarra que cambia de afinación según el peso de quienes se sienten en el banco y tañan estos cables.

Tony Oursler, que también formaba parte de éste grupo de creadores que él mismo retrataría años después en Synesthesia, además de éste muestra en la exposición varios videos que realizó con el grupo y la extraordinaria instalación audiovisual “Sound of disgressions in seven colors”. Siete músicos experimentales interpretan una pieza musical en perpetuo cambio. Cada uno de éstos músicos fue grabado en solitario, sabiendo que luego sería acompañado por los otros músicos, pero sin tener referencia de lo que harían. El resultado es más que sorprendente.

A finales de los años 70 en New York muchos artistas underground combinaban las artes visuales con las sonoras y estas últimas se reflejaban en forma de grupo musical post-punk. Era habitual que éstos grupos de la No Wave tocaran en galerías y museos. Sonic Youth nacieron en éste contexto. Kim Gordon, había estudiado arte en Los Angeles y comisariaba sus primeras exposiciones en New York. Lee Ranaldo tocaba en la orquesta de guitarras de Glenn Branca. Thurston Moore, que tocaba en diversas bandas organizó el Noise Festival (festival del ruido) en la galería alternativa White Columns que dirigía Gordon Matta-Clark. Luego comenzaría su carrera como grupo.

Esta exposición nos muestra un arte que con altas cotas de experimentación y nacido en lo marginal, a llegado al museo sin tener que pedir disculpas a nadie. Como estos artistas Sonic Youth ha alcanzado la fama. Aun así, y siendo además sus miembros felices padres de familia, ellos siguen formando parte de ese pequeño grupo de artistas que además de ocuparse de su propia carrera promueve y participa en experiencias artísticas experimentales y underground. No han perdido su conexión con las expresiones artísticas más vivas que suceden en el mundo. Un gran ejemplo a seguir.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 2 de Abril de 2010

Robert Rauschenberg: Gluts

 

Robert Rauschenberg

Titulo de la expo: Gluts

Artista: Robert Rauschenberg

Museo Guggenheim Bilbao

 

Retrato de una crisis

55 obras construidas a partir de chatarra metálica ensamblada constituyen la última serie de esculturas que el artista norteamericano Robert Rauschenberg realizó antes de caer definitivamente enfermo. Un recuerdo, con aire de road movie (película de carretera), para su Texas natal y una crítica a la sociedad del bienestar, del exceso y del excedente.

Robert (Bob) Rauschenberg nació en Texas en 1925 y falleció en Florida en 2008. Estudió en el Instituto de Arte de Kansas y en la Academia Julian en Paris. Allí descubrió que la época de los artistas de las primeras vanguardias había acabado –ya eran clásicos-. También encontró allí a la que fue su mujer y madre de su único hijo, la pintora Susan Weil. En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte, prestigiosa facultad de artes que impartía las clases con métodos revolucionarios por la que pasarán los principales artistas, músicos y coreógrafos más vanguardistas de aquella época. Su maestro de pintura allí será el artista de la Bauhaus Josef Albers quien le enseñó disciplina y a comprender el color.

Posteriormente Susan y Bob se irían a vivir a New York, donde continuaron estudios en la academia de arte Art Students League. Allí conocerán a Cy Twombly, por quien en 1953 Rauschenberg dejará a su esposa. Posteriormente Robert será pareja de Jasper Johns y en los últimos 25 años compartirá su vida con quien será primero su asistente, luego pareja y hoy uno de sus herederos y albacea testamentario Darryl Pottorf.

Rauschenberg es considerado un artista neo-dadaista, aunque siempre dijo que no entendía a los dadaístas ni a Duchamp. Utiliza el objeto encontrado y la fotografía y es uno de los primeros artistas en utilizar la serigrafía, hasta entonces reservada a trabajos de tipo comercial. Aunque a Rauschenberg, por orgullo, no le gustara citarlo -al contrario que a Warhol- durante sus primero años en NY combinó el trabajo como escaparatista con el artístico. Rauschenberg comprendió en éste trabajo, que los objetos sacados de su contexto adquieren nuevos significados. En los primeros años 50 Rauschenberg creará pinturas monocromáticas, fruto de sus clases con Albers. Su fama la debe a su siguiente etapa, los “Combine paintings” donde en sus cuadros junta objetos que encuentra en las calles de New York integrándolos en su pintura. Esta serie le llevará hasta 1962 aunque seguirá trabajando de esta manera –combinando objetos, fotografía, serigrafía y pintura- hasta el final de sus días. Rauschenberg no nos quiere emocionar ni producirnos ningún tipo de placer estético. Tampoco pretende que nos identifiquemos con él ni le preocupa si vemos en sus obras lo mismo que él ve. Su negativa a las explicaciones de tipo conceptual, unido a lo prolífico de su obra y lo cercana que ésta resulta ha hecho que no siempre fuera un artista comprendido como afirma la comisaria de la muestra.

A mediados de los 60 funda junto a dos ingenieros y el performer y fotógrafo Robert Whitman la asociación Experiments in Art and Technology (E.A.T). Serán así los precursores del uso y defensa de la utilización de la tecnología punta en el arte. También defendió y colaboró numerosas veces con el mundo de la danza contemporánea y la música experimental.

En 1985 viaja a Houston para su exposición con motivo del 150 aniversario de la independencia de Texas, en el Contemporary Arts Museum titulada Work from Four Series: A Sesquicentennial Exhibition. Rauschenberg, siempre se interesó en los mundos de la economía, la política o la ecología, y gustaba de incluir en sus obras las conclusiones que él sacaba de estos mundos. El paisaje rural tejano, antes floreciente y siempre salpicado de campos petrolíferos ahora se había visto transformado en un paisaje desolador de coches abandonados, gasolineras cerradas y barriles oxidados. El exceso en la producción de petróleo a nivel mundial y con él el exceso de oferta produjo consecuentemente una bajada de precios del crudo que hizo que la economía de aquel estado norteamericano se viera gravemente afectada. A Rauschenberg le sorprendió especialmente que el culpable de una grave crisis económica fuera un exceso. Esto le agitó y a la vez le dio energía. Éstos excesos (gluts) darán nombre e inspiración a la serie que ahora podemos ver en el museo bilbaino. A su regreso a Florida, su lugar de trabajo y residencia, comenzó a buscar en los desguaces piezas con las que reconstruir las imágenes que se había traído en su mente. Robert disfrutó mucho realizando ésta serie. “Bueno, me atraen los objetos abandonados, por eso trato de rescatarlos siempre que me es posible”.

Los primeros gluts tuvieron su continuación en Italia cuando el decorado de una producción de danza de su amiga la coreógrafa Trisha Brown no llegó a tiempo. Rauschenberg corrió a un desguace con el fin de crear uno nuevo. Estos decorados se convirtieron posteriormente en los Neapolitan Gluts que se muestran en esta exposición. Los gluts son obras brillantes y llenas de energía. Entre ellos hay muchos símbolos de movilidad como cuentaquilómetros, matriculas de coche, bicicletas, adornos de vehículos, carteles de gasolinera, bobinas de película, casi todos ellos “let as found” conservando sus colores y cualidades originales Los más pesimistas querrán ver en estas obras accidentes de automóvil o incluso la muerte –y Bob no se lo discutiría-, yo prefiero ver el residuo de una road movie que acabó en los ochentas.

“Es tiempo de excesos. La codicia es desenfrenada. Tan sólo la expongo, tratando de que la gente abra los ojos… Simplemente quiero que se enfrenten a sus ruinas. Les estoy ofreciendo souvenirs sin nostalgia.”

Txema Agiriano. Publicado originalmente en Mugalari el 5 de Marzo 2010

Un mundo más amable: Eduardo Alonso

 

 

Un mundo más amable: Eduardo Alonso

 

Eduardo Alonso

“Días futuros”

Galería Xanon. Bilbao

Hasta el 11 de Marzo 2010

 

"Días Futuros" es el título de la exposición que el santanderino, Eduardo Alonso, presenta en la galería Xanon. Premio a la investigación con nuevos materiales, por parte de la Junta de Castilla y León, muestra ahora sus resultados en la galería bilbaína. El artista, residente en Valladolid, ha realizado una larga serie de pequeñas esculturas a modo de maquetas hechas con metacrilato, vinilo y poliestireno, utilizando únicamente los colores rojo y blanco. Representan asépticos espacios arquitectónicos semiabiertos habitados por unas diminutas figuras solitarias que ha tallado con bisturí. En la exposición no se muestran sólo las maquetas, sino también las macrofotografías que el propio autor ha realizado de ellas. El resultado fotográfico se expone ampliado a diversos tamaños, grandes y pequeños, y también en formato de cajas de luz.

 

Su interés por la arquitectura ya nos lo adelantó en su anterior exposición en Xanon en 2007 titulada “Ramas severas, arquitectura miserable". Entonces criticaba el sistema de vivienda actual y nos recordaba las paredes enmohecidas y las ventanas cegadas de su taller, construido con tabiques de D.M., donde transcurre gran parte de su vida.

 

Para su actual muestra Alonso se ha inspirado en el ensayo Arquitectura de cristal (Glasarchitektur, 1914) del escritor alemán Paul Scheerbart. Éste fue un poeta, novelista, ensayista y dibujante visionario que en sus relatos describía ciudades de vidrio con casas rotatorias, edificios que pueden subir y bajar, ciudades sobre ruedas y estructuras que flotan. Atacó el funcionalismo por su falta de artisticidad y defendió la substitución del ladrillo por el vidrio en la construcción. Pretendía una nueva civilización donde las transparencias en la construcción modificarían las relaciones del hombre con el entorno y sus semejantes. Una sociedad purificada. Un futuro utópico con lugares luminosos y cristalinos. Siguiendo sus ideas el arquitecto, también alemán, Bruno Taut realizó en 1914 en Colonia el Pabellón de Cristal de la exposición de la Deutscher Werkbund -asociación de arquitectos, artistas e industriales, precursora de la Bauhaus, fundada en Munich en 1907-. Posteriormente y continuando también en la misma línea, diseño una utópica ciudad en los Alpes. Para Taut el vidrio era símbolo de la paz y la cooperación entre los pueblos.

 

Las construcciones de aire futurista y cierto toque oriental que conforman la delicada obra de Alonso muestran pilares blancos, suelos y techos enmoquetados en rojo y muchas líneas curvas. Pero para él como para aquellos visionarios alemanes, lo fundamental no es la búsqueda de una imagen estética sino la reflexión sobre la calidad de vida del ser humano.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 19 Febrero 2010 

“MICROCOSMOS” DE ANNA TARATIEL

La pincelada protagonista. Usoa Fullaondo

 

La pincelada protagonista. Usoa Fullaondo 

Los teatros de papel, motivo de juego y alegrías durante la infancia de nuestros abuelos, vuelven a la actualidad de la mano de la artista getxotarra Usoa Fullaondo. Ella ha sacado estos teatros del olvido y de las jugueterías, quitándoles el polvo y las telarañas, inscribiéndolos en el mundo del arte mediante un proceso conceptual.

Hasta el 29 de Enero la Galería Espacio Abisal sita en la calle Hernani de Bilbao, muestra la exposición Maneras Verticales de la artista Usoa Fullaondo. Fullaondo nace en Getxo en 1979 y estudia Bellas Artes en la UPV/EHU. En 2004 obtuvo una beca en BilbaoArte. Su proyecto de tesis “El azar en los procesos lúdicos de creación” fue en 2007 el germen de la exposición “Txiripa” y de un ciclo de conferencias y conciertos en aquella universidad que comisarió en colaboración con su director de tesis Fito Ramirez-Escudero. En aquella exposición, donde ella también participaba,  veíamos ya los primeros teatros de papel de Fullaondo. Estos mismos teatrillos fueron también motivo de la exposición que realizó en Montehermoso a través del programa NEXT de colaboración entre ésta institución y la Facultad de Bellas Artes, con el fin de que artistas emergentes accedan a éste espacio expositivo. En 2009 fue premiada con una ayuda a la creación por Injuve –lo que le ha supuesto exponer en el Círculo de Bellas Artes en Madrid- y fue seleccionada en la muestra itinerante Ertibil donde presentaba una colorista serie de sus mandarlas (unas figuras abstractas, decorativas y tal vez místicas).

Los teatrillos de cartón de Fullaondo a los que ella titulaPaintbrush Theatre o Teatro de la Brocha son recortables que ella diseña. Hace años, mientras trabajaba en la biblioteca de la Facultad de Bellas Artes descubrió por casualidad el libro Toy Theatres on the world de Peter Baldwin, un libro sobre teatros de papel de los siglos XIX y XX y a partir de entonces quedó prendada. Actualmente en países como Alemania, Francia e Inglaterra existe un movimiento de recuperación de este tipo de teatritos, creando incluso festivales donde se representan obras clásicas y otras de nueva creación. Años después de descubrir éste libro Usoa vió el catálogo de una exposición de la colección de teatros de la coleccionista Lucía Contreras. Usoa contactó con ella y conoció su interesante web,teatritos.com donde se puede ver parte de ésta colección. Más recientemente compró el teatro de cartón “Caperucita Azul” –editado durante la dictadura y de ahí que caperucita no fuera roja, sino azul y falangista- que le sirvió de guía para crear sus teatros.

En ésta exposición los encontramos en sus cajas de cartón, listos y numerados para su venta y también ya montados. La fachada del escenario representa un palacio y es una pieza fija. El resto de los elementos del teatro, tales como los diversos telones, fondos y muebles son móviles e intercambiables para permitir la participación del espectador.

El “juguete” se acompaña de unas descriptivas instrucciones de montaje y uso. Para su edición –limitada a 50 juegos- se ha utilizado la impresión digital. Los teatros ya montados los presenta sobre una tabla colocada sobre unos caballetes. A base de recubrir las paredes de la sala expositiva con un trasnochado papel pintado y unos cuadritos con mandarlas, enmarcados a modo de retratos de familia crea una nueva escenografía que nos remite a finales del siglo XIX o principios del XX, el momento mas esplendoroso del tipo de recortables que ella crea.

En otra pared proyecta la película, con aire de cine mudo, que ha realizado a partir de situar los elementos de su teatro de diferentes maneras.

La clave y diferencia entre su teatro y los comerciales está en los actores. Si en los otros teatrillos estos son representaciones humanas o personajes de cuento, en los de Fullaondo los actores son brochazos de pintura. De ésta manera la pincelada adquiere presencia como personaje real, es protagonista. Y es un protagonista máximo en todos los sentidos. Si la propia pintura es protagonista a partir de las primeras vanguardias y especialmente con el expresionismo y toma aun mayor protagonismo en el expresionismo abstracto y en el action painting, aquí se hace protagonista puro y duro como lo era en aquella serie de esculturas de Claes Oldenburgh titulada Brushstroke o en aquellas pinturas de Roy Lichtenstein del mismo título. Pero de nuevo encontramos una diferencia, ya que si en aquellas es representación, aquí se trata de presencia pura. Son los tics, los gestos y las maneras que Usoa utiliza al pintar y se repiten en sus obras pictóricas los propios protagonistas. No hay representación. Ella las ha clasificado y las ha hecho protagonistas de estos teatros de cartón.

En la obra de Usoa, esto no es nuevo. En algunas de las obras que realizó durante su estancia en BilbaoArte –que también presenta en Abisal- encontrábamos pinceladas colocadas en un escenario dentro de una cajita de madera. Otras de sus pinceladas trabajaron en un circo que la artista montó para ellas. En los collages que muestra en la exposición, las pinceladas se muestran sobre fondos estampados. Y en una serie de cuadros estos pequeños collages con pincelada fueron reproducidos, manualmente, a una escala mucho mayor.

Su obra más reciente, “Heaven Can Wait” que se puede ver en su flickr, son pequeños collages muy narrativos y con idea de exvoto, deudores del surrealismo y cercanos a Neo Rauch o a Jaime Baldridge. Su iconografía sigue dentro del mundo del espectáculo de principios del siglo XX, del circo y del freakshow.

La pincelada de Fullaondo, cargada de personalidad, es un nuevo John Merrick clamando: ¡Soy un hombre!

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 15 de enero 2010

Entrevista con Javier Soto

“Hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock.” Javi Soto, artista

Javi Soto (Suiza, 1975), desde los 5 años vivió con sus padres de origen gallego en Navia (Asturias). Probó a entrar en la Facultad de BBAA de Pontevedra, pero no le gustó y además quedaba muy lejos del mar, así que decidió cambiarla por la de la UPV/EHU en Leioa.

Sin formación artística previa ni antecedentes familiares Javier comenzó su carrera en Bilbao.

“Aquellos que venían con cierto curriculum y con la idea clara de ser artistas lo dejaron. Yo jugaba con ventaja, no sabia nada y no esperaba nada, así que todo estaba bien para mi.”

Pertenecistes al grupo artístico Inter-Medio. Cuéntanos tu experiencia.

“Era un grupo formado por Ismael Iglesias, Diego Movilla, Patricia López y yo. Nos juntamos con la idea de pintar el punk. Yo siempre digo que hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock. Es mi medio, mi necesidad, así que nosotros nos juntábamos y vomitábamos toda nuestra mierda sobre los lienzos. Combinábamos imágenes de consumo con escenas porno y cosas por el estilo, todo muy cáustico. Queríamos provocar porque sentíamos que la sociedad no nos hacia todo el caso que ansiábamos.”

¿Cómo artista como ves los centros de arte tipo Arteleku o BilbaoArte?

“Arteleku siempre fue un contenedor pero había una clara conciencia de grupo, una caldera de ideas, un punto de encuentro.”

“La tendencia últimamente de los artistas es vivir de esos espacios, como metidos en peceras y eso no es bueno. Hay que vivir la vida para no perder la perspectiva.” 

¿Como ves el asociacionismo artístico? En lugares como Catalunya tienen un importante centro de creación de arte como Hangar. ¿Crees que algo así podría ser transladable al Pais Vasco o a Asturias?

“Los artistas que hemos estado trabajando en asociaciones realizamos una labor fundamental en el desarrollo cultural. Artistas que trabajan para otros artistas, eso esta bien, no?”

“El País Vasco es un habitat perfecto para ello... Gobierno autonómico potente, dinero público para becas, ayudas a la producción y sobre todo mucha gente muy válida generando obra. Bilbao es una ciudad con potencial real.”

¿Cómo fue la experiencia como montador en el Museo Guggenheim?

“Trabajé por necesidad económica y porque me parecía muy interesante el hecho de conocer por dentro una estructura como aquella. Éste trabajo me ha dado una visión mucho mas realista del arte y el mercado del arte, un monstruo que necesita mucho pienso para alimentarse.”

En 2005 presentas en Madrid la exposición “Tres makeleles colgados del árbol de Gernika” que sirvió a El Mundo para escribir el siguiente titular: Del terror, arte. El 'conflicto vasco' y la violencia terrorista protagonizan por primera vez una exposición en la capital.

Algunos opinaron que no quedaba claro cuál es tu postura.

“No se lo que se publicó sobre esa exposición, pero se que se abrieron varios foros de opinión en torno a ella. Al ser comisariada por el colectivo El Perro lleva a pensar que mi obra quizás sea política o social. Yo la hice de una manera irónica. Es verdad que el tipo de obra era un poco ambigua, que mi posición no era tajante. Saco a la luz las cosas y las encuadro en mi manera estética, en mi pintura. Lo que me interesa es que la gente reaccione y me da igual que se ofenda o se alegre. Mi postura es la de hablar de lo que sea y cuando sea.”

En 2007 viajas a Los Angeles, California.

“El viaje a Los Ángeles fue un escape de Bilbao. Llevaba 15 años allí y me estaba agotando, así que ahorré dinero y me fui 6 meses por América y México. Los Angeles es una ciudad muy dura para llegar de nuevo y no tener un contacto allí, así que pasó un mes hasta que encontré el punto de partida para empezar a trabajar. La soledad es algo realmente importante en mi vida y estaba totalmente solo. Fue una experiencia de madurez tremenda, trabajar sin referentes en un nuevo proceso de trabajo todo muy mental. Imágenes que venían de un mundo de pesadillas asociado al infierno tropical que representa aquella ciudad.”

Parte de su trabajo en Los Angeles se puede ver hasta fin de Enero en la Sala Rekalde en la exposición Euforias y Demonias. ¿Cómo ves las condiciones para exponer que has encontrado aquí y en otros sitios?

“No se realmente el dinero que haría falta de verdad para hacer un proyecto de este calado, pero yo soy pintor, es decir mis expos están mas o menos cerradas, en cuanto a producción se refiere, cuando recibo las ofertas. No soy de ese tipo de artista que espera que el dinero venga por delante.”

¿Crees que a los artistas se les facilitan condiciones adecuadas?

“En general deja bastante que desear sobre todo en el contexto comercial donde el artista es el último mono. Las galerías tienen la misión principal de vender y los artistas muchas veces nos olvidamos de ese detalle y exigimos cosas que no vienen a cuento. Lo que debo exigir es que haga todo lo posible por vender mi obra, porque ese es su trabajo. Se trata de un negocio al 50%, si un galerista me exige calidad en mi trabajo yo se la doy y el me tiene que vender. Llamar a los clientes y enseñar mi trabajo, que de cobrar la mitad de cada obra vendida ya se encargan bien.”

A tu vuelta de Los Angeles y después de 15 años en Bilbao te has ido a vivir a Navia, tu pueblo de infancia. La exposición incluye también cuadros pintados allí.

“Esas piezas hablan de mi, de la idea del triunfo, el éxito social y los miedos. Los iconos de aves disecadas son puntos frívolos, irónicos, de movimiento estático, con actitud altiva pero muertos y secados como chorizos. Los trofeos hablan de mi pasado de ciclista, años durante los cuales gane muchos premios. Algunos salen representados en lo cuadros de manera fiel y convivo con ellos en el salón de mi casa, así que se podría decir que son temáticas autorreferenciales. Lo de los fantasmas tiene que ver con el reconocimiento por mi parte de todos mis miedos.”

En la exposición un  mural ocupa la pared de la derecha por completo.

“Me puse a pintarlo allí en directo y todo salió. Cuestión de dejarse llevar y de confiar en uno mismo. Si uno tiene talento lo de pensar, a veces, es simplemente inútil.”

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 8 de Enero 2010

La memoria de las víctimas

Teresa Margolles

Del 18 de Septiembre 2009 al 3 de Enero 2010

Montehermoso. Vitoria-Gasteiz

La mexicana Teresa Margolles presenta en Montehermoso en Vitoria-Gasteiz la instalación sonora titulada “Los sonidos de la muerte”. Una llamada dolorosa a la memoria y un homenaje a tantas mujeres asesinadas y olvidadas por una sociedad violenta y cínica, que ha convertido las muertes de los débiles y de los indefensos en meros datos estadísticos.

Teresa Margolles se dio a conocer como parte del grupo de artistas SEMEFO. Este es el nombre real de los Servicios Médicos Forenses Mexicanos, donde se practican autopsias y donde los familiares de los finados acuden a identificar los cuerpos. Actualmente ésta identificación se realiza también a través de las fotografías de los cadáveres que los SEMEFO de las diferentes localidades mexicanas tiene colgadas en sus webs.

El grupo artístico SEMEFO (integrado por Margolles, Carlos López y Arturo Angulo) se decía influenciado por Bataille,  El Bosco, Bacon, Lautréamont, Bourroughs, Cioran, Artaud, y Tarkovsky. A finales de los ochenta ocuparon el Hospital de la Floresta en Tlalpan (barrio de Mexico D.F.). Se trataba de un centro para enfermos mentales de familias adineradas, por entonces ya en ruinas, que por cierto aparece en el film Los Olvidados de Luis Buñuel.

“Recorríamos las celdas vacías tropezando con cascajo, restos de camillas, aparatos para electroshocks, material quirúrgico… leyendo ávidamente los expedientes de los internos, imaginando sucesos: vivíamos los gritos que aún rebotaban en las paredes...” Los universitarios , México, noviembre 1990-1991.

Este espacio marco la trayectoria del grupo, siempre trabajando en torno al recuerdo y a la muerte (más exactamente el cadáver) haciéndola siempre presente, muchas veces de forma repugnante, en sus performances, videos e instalaciones. Para ello utilizaban vísceras, cadáveres de animales, sangre y excrementos. Teresa, licenciada en Ciencias de la Comunicación, se diplomó en Medicina Forense y así comenzaron a utilizar tanto fotografías como también fragmentos y fluidos de cadáveres humanos. El espectador se ve enfrentado ya no a una simulación o una representación sino a una sinécdoque del cadáver real. Pelo, grasa, sangre,… El objetivo es mostrar la poca importancia que se da a esas víctimas anónimas, en una sociedad donde el control policial no lucha por erradicar la violencia, sino únicamente por marginarla.

Aunque el grupo se disolvió a finales de los años 90 la obra de Margolles a continuado en ésta línea de trabajo. Así en la reciente 53 Bienal de Venecia la artista colgaba como bandera en la fachada del Palacio Rota-Ivancich, una tela impregnada en sangre de personas asesinadas. En las salas, a modo de tapices, telas con sangre ésta vez bordadas en hilo de oro. Los suelos del palacio fueron fregados diariamente con una mezcla de agua y sangre de personas asesinadas. La macabra fina capa de fluidos fue creciendo día a día oscureciendo el pavimento.

En Vitoria-Gasteiz la mexicana presenta la instalación sonora titulada “Los sonidos de la muerte”. Aunque los contenidos y la intención sean los mismos, en ésta ocasión Margolles presenta una obra limpia y que resulta menos macabra. La pieza consiste en veinticuatro altavoces perfecta y asépticamente colocados en las paredes a razón de 6 altavoces por tramo, en las rampas, poco iluminadas, que descienden desde el claustro hasta la entrada al antiguo depósito de aguas. En ellos escuchamos sonido ambiental: el tráfico, grillos, el viento,… en realidad nada especial. Se podría tratar de sonidos recogidos en cualquier lugar. No son tétricos o tenebrosos, no son estridentes, no son exagerados en ningún sentido. No se trata de sonidos idílicos pero tampoco de ninguna manera son especiales. No escuchamos tampoco ninguna voz humana. No ocurre nada, ni se produce ningún tipo de sensación. La escucha de éstos sonidos no nos informa de nada ni nos transmite ninguna información. La clave de la pieza no está por tanto en el sonido aunque se trate de una instalación sonora. La clave está en el cartel informativo que encontramos al final de las rampas. Ahí se nos informa que estas grabaciones fueron realizadas en veinticuatro lugares de Ciudad Juárez (México) donde se hallaron los cadáveres de veinticuatro mujeres asesinadas. Esta es una ciudad fronteriza al norte de México, frente a El Paso, en Texas, donde el narcotráfico campa a sus anchas y donde diariamente mueren personas de forma violenta. En Ciudad Juárez, de cada diez personas asesinadas cuatro son mujeres, una cifra muy por encima de la de cualquier otra ciudad en el mundo.  Muchas de éstas victimas han sido además violadas.

Esta instalación revindica la memoria de las víctimas mediante la voz de los lugares dónde fueron abandonadas. Habla del dolor de las personas que han perdido a sus seres queridos y del vacío que deja un asesinado en una familia. No se trata de números, sino de personas con nombre y apellido. Pero estas personas, salvo por sus allegados, han sido hoy olvidadas. La violencia continúa y cada día hay nuevas victimas que el Estado se limita a contabilizar. Teresa nos ayuda a reflexionar y nos trae el recuerdo de aquellas mujeres anónimas.

La instalación que presenta en Monthermoso es cercana en concepto a las pinturas aeropostales del chileno Eugenio Dittborn donde homenajeaba a personajes anónimos desparecidos durante la dictadura. También existe un paralelismo con la colombiana Doris Salcedo y su deseo de impedir que una amnesia colectiva olvide la violencia que impera en su país. Su modus operandi parte de la investigación teórica situándose en el lugar donde fallecieron las víctimas, para invitar luego a su evocación a través de la obra artística.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari. 18 de Diciembre 2009

Nadia Barkate

Después de la presentación en Noviembre pasado en Santander en Espacio Alexandra de su libro de ilustración, KO – Necesito Me Hipnoticen, el próximo viernes 8 de Enero de 2010,  Barkate lo presenta en Bilbao en Galería Garabat. Además de presentar el libro en Garabat se podrán ver los dibujos más personales que esta artista ha ido recogiendo en sus cuadernos entre el 2006 y el 2009. En ellos se muestra entre salvaje e inocente, recogiendo toda la fuerza que da el primer trazo, utilizando materiales bastardos, más propios de un todo a 100 que de una tienda de bellas artes (rotuladores, bolígrafos, hojas cuadriculadas, espirógrafos...) pero que le otorgan la libertad necesaria para crear escenas a veces inquietantes otras llenas de humor negro. La frontera entre el boceto y la obra finalizada se diluye. Seguramente si Nadia siguiera llevando sus cuadernos consigo algunos dibujos crecerían y otros acabarían desapareciendo por el paso del tiempo o por la inquietud de su mano que los llenaría de nuevos garabatos.

Nadia Barkate, ha participado en exposiciones colectivas en Carreras Múgica y Windsor Kulturgintza. Junto a Marión Cruza LeBihan, Kiko Pérez y Daniel Llaría presentó un video instalación en el festival MEM 2008. También ha mostrado su obra en GetxoArte y en importantes muestras como Ertibil y los premios Gure Artea. En Garabat se lanza a exponer su obra de manera individual, recogiendo series de dibujos nunca expuestas antes. De este modo tendremos oportunidad de ver una muestra más completa de su investigación artística. Además de la obra original contaremos también con algunas reproducciones seriadas en alta calidad de los dibujos de sus cuadernos que han conformado su nuevo libro. Una oportunidad para hacerse con ellas que de otro modo sería imposible. Hasta el 3 de Marzo en Galería Garabat.

Galería Garabat

C/ 2 de Mayo, nº 19

48003 Bilbao

El arte al servicio de la revolución

Tras agitar conciencias durante todo el verano neoyorkino, ésta misma semana se clausura en el modernísimo New Museum del Bowery la exposición Emory Douglas: Black Panther. Aproximadamente 165 obras, entre carteles, periódicos y grabados, realizadas entre 1967 y 1976, los años más activos del partido de los Panteras Negras. Arte al servicio de la política.

A pesar de tener 40 años, las obras de Emory Douglas siguen impresionando tanto como cuando se crearon. Al entrar en la galería del museo nos recibe un mural representando una joven mujer negra armada con un fusil voceando “The Black Panther”, el periódico semanal del partido Black Panther.

Cautivado por estas imágenes fue como Sam Durant, comisario de la muestra, contactó con Emory Douglas. Durant es artista y profesor del California Institute of the Arts (CalArts) una escuela de arte creada por Walt Disney con la idea wagneriana del Gesamtkunstwerk (obra de arte total) aglutinando música, teatro y artes visuales. Como artista la obra de Sam Durant investiga la utopía y su fracaso en relación con los movimientos contraculturales y de protesta en la historia política americana.

Emory Douglas nació en 1943 en Grand Rapids, Michigan y se transladó con su madre al área de la bahía de San Francisco con ocho años al serle diagnosticada una enfermedad pulmonar. Allí hizo carrera como delincuente juvenil lo que le llevó al reformatorio de Ontario (California) donde trabajó en la imprenta del centro. Al salir de allí, la asistencia social, en vista de que tenía cierta aptitud para el dibujo, le ofertó estudiar comunicación gráfica en el City College de San Francisco, por entonces uno de los mejores college en éste campo. En la universidad participó en la asociación de estudiantes negros para los que realizó carteles y flyers. Tras un mitin de los Black Panthers en su campus, Emory decidió unirse a ellos.

Por entonces los líderes Huey Newton y Bobby Seale manejaban la idea de crear un semanario del partido e intentaban reclutar buenos fotógrafos para la parte gráfica. En los años sesenta y setenta la comunidad negra no era una comunidad lectora, por tanto el periódico debía tener muchas imágenes. Un día, en el centro cultural de los Black Panther, Douglas encontró a  Bobby Seale intentando dibujar los titulares para el periódico. La incapacidad del líder para estas tareas era más que evidente, así que Emory se ofreció para hacerlo él. Al ver su trabajo le pusieron el título de “artista revolucionario” y decidieron que las ilustraciones de Douglas serían una parte importante del periódico. Al poco de comenzar a publicar el semanario, Emory fue nombrado ministro de cultura de los panteras negras, por tanto uno de los principales líderes y encargado, entre otras cosas, de toda la parte gráfica.

La publicación Black Panther con un tirada que llegó a los 400.000 ejemplares semanales, se distribuía por todo Estados Unidos y poco después también por buena parte del mundo a través de la OSPAAAL (Organización de Solidaridad de los Pueblos de África, Asia y América), organización internacional con base en La Habana. 

Los dibujos y collages de Douglas aparecían ilustrando las noticias del periódico y cada semana se publicaba también una obra suya a toda página como contraportada. El éxito de estas contraportadas, que los jóvenes reproducían muchas veces a modo de mural en las calles, hizo que también fueran impresas desde el propio partido como grabados, postres y postales. Son imágenes con fuerte carga política, con un lenguaje gráfico avanzado, creadas para cambiar el mundo y que aun hoy conmueven.

Aunque el trabajo de Emory Douglas nos sorprenda por lo directo él no fue el primero en practicar un arte crítico y dirigido a cambiar la sociedad del momento. El francés Honoré Daumier lo hizo en el periódico político satírico Le Charivari y fue encarcelado por una caricatura que realizó del entonces gobernante Luis Felipe I de Orleans.

El inglés William Hogarth, a principios del siglo XVIII, fue también un gran crítico de las costumbres y políticas de su época. La alemana Käthe Kollwitz fue una artista gráfica fuertemente comprometida con sus ideales antibelicistas.

Otro artista alemán, revolucionario y comprometido fue el dadaísta Georg Grosz. Tras luchar en la primera guerra mundial se hizo pacifista y dedicó su arte a la crítica de sociedad y gobierno, por lo que fue sancionado en repetidas ocasiones. Sus grotescas caricaturas con cerdos y ratas marcaron de forma notable a Emory Douglas.

El periodo de la republica de Waimar fue muy prolífico en lo que a artistas revolucionarios se refiere. El más influyentes para todos los que vinieron después fue el dadaísta John Heartfield. De nombre real Helmut Herzfeld cambió su nombre en protesta por ser alistado de forma obligatoria para combatir en la primer guerra mundial. Fundador junto con su hermano del partido comunista alemán, al acabar la segunda gran guerra vivió en la Republica Democrática Alemana. Es uno de los más importantes artistas del fotomontaje y dedicó la mayor parte de su obra a la revolución y a la crítica del nazismo.

Pero el paralelismo más impresionante no es el que une a Emory Douglas con estos artistas ni tampoco con afroamericanos como Elizabeth Catlett, Sargent Claude Johnson, Ruth Waddy o Charles White, sino el que le une al valenciano Joseph Renau. De familia humilde e ideas revolucionarios fue fotomontador, muralista y llegó a Director General de Bellas Artes en los años de la Guerra Civil. Un verdadero ideólogo, convencido del poder del arte para hacer política.

 Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 16 octubre 2009

NEW YORK BILBAO TOKIO BEIJING 

Malo Muy Malo, exposición, obra sobre papel. Galería Garabat y Librería Anti. Del 2 de octubre al 4 de noviembre de 2009

Un universo moderno de sucesos y tendencias se ha colado en la bilbaína galería Garabat a través de las historias del día a día contadas a través de irónicas, hirientes y colorísticas ilustraciones post-pop presentadas por la marca y plataforma artística de Julián Vallejo y Elena Ascarza. Historias que nacen en los años ochenta y avanzan en el siglo XXI.

Malo Muy Malo es hijo de la modernidad de los años 80. Del estudias o diseñas. Del artista postmoderno. De las luces y el glamour de la movida madrileña. De Ceesepe, de Victor Coyote y de La Edad de Oro de Paloma Chamorro. Del Madriz y de La Luna. De los nuevos artistas renacentistas, que lo mismo te pintan un cuadro, escriben una novela o te diseñan una camiseta. Del Bilbao sucio y gris de antes de las inundaciones y por supuesto antes de los efectos guggenheim. En la prehistoria de Malo Muy Malo encontramos el mítico fanzine punk bilbaino Sorbemocos del cual Julián Vallejo era uno de sus responsables. En aquellos años conocimos también la faceta del Julián pintor, muy cercano a la iconografía de la movida madrileña y participante destacado de la movida bilbaína.

Por entonces Antonio Huerga desde Ediciones Libertarias comienza a publicar a los literatos de la Movida. En éste contexto, en 1986 Julián Vallejo ve publicada su primera novela “Mano blanca o mano negra según el detergente que use tu suegra”. Después, en 1989, publicará “No me mires de soslayo que no soy un malayo”. En 2000 y ya en Malo Muy Malo “Comunión”, una paródica novela negra bilbaína donde drogas y ex jugadores del Athletic son protagonistas.

Vallejo es también diseñador y junto a la experta en marketing Elena Ascarza en el año 2000 fundan Malo Muy Malo como plataforma artística a través de la cual dar salida a sus creaciones. El mundo de la moda está en pleno auge y Malo Muy Malo creará una línea de camisetas. Dicen las crónicas del momento que el objetivo era pagarse un viaje a su querido Tokio y que lo consiguieron. Lo que al final no pudieron conseguir fue la camiseta de Yoshitomo Nara. Se habían agotado. El éxito de sus creaciones en moda fue creciente. Como decía Julián, no todo el mundo puede permitirse un cuadro, pero si una camiseta. En 2004 comienzan sus colaboraciones en la revista Etecé, la revista de tendencias de Amasté. En 2006 a través de la plataforma Selección Lab, gestionada también por Amasté, exponen en la galería Espacio Marzana su por entonces última colección de moda. Antes de ésto también han dado imagen –en un par de ocasiones- al ya mítico bar Irrintxi de la calle Santa María del Casco Viejo bilbaino. Pintxos, diseño and friends. Recientemente han creado una sugerente línea de productos para el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Buscamos el artista total, el nuevo artista renacentista que se propugno en los 80 y que tenía en Andy Wahol el modelo a seguir. Cuando en enero de 1983 Warhol desembarcó en el Madrid de la movida de alguna manera le dio carta de reconocimiento. Los dibujos de Malo Muy Malo recuerdan los dibujos de zapatos que hacía Warhol a finales de los años cincuenta y primeros sesenta. Obsesión fetichista por los zapatos. El protegido de Warhol, Jean-Michel Basquiat y sus cuadros en los que se cuentan historias, será el otro gran referente.


“OJO X OJO Y DIENTE X DIENTE” es el título que Malo Muy Malo han elegido para su nueva exposición.  Treinta y un dibujos en Galería Garabat y dos en la Librería Anti. Para aquellos que no puedan ir a la exposición y especialmente para aquellos que disfruten del arte de Malo Muy Malo pero su condición económica no le permite llevarse los originales a casa, simultáneamente han editado un libro que recoge todos estas ilustraciones, y bastantes más, al módico precio de 15 €. Malo Muy Malo siempre pensando en todos.

Estas ilustraciones narrativas, con toques kitch y naif –atención a los estampados en las ropas de los personajes- nos inquietan con sus historias. A la vez  nos producen una pequeña sonrisa de complicidad. Cosas de la vida: no regales ropa jamás. Una narración dibujada de lo que acontece o pudiera acontecer en el universo moderno.

Un universo que miró en los ochenta a New York y miraba hasta hace nada al Tokio de Yoshitomo Nara. El, con sus ilustraciones bizarras, perversas y naif ha sido el artista de culto en el mundo pop.

Hasta hace pocos días disfrutábamos en Getxophoto de las historias fotografiadas de los jóvenes artistas chinos Liyu + Liubo. En ellas recrean la crónica de sucesos de los diarios de su país. Una crónica que por chocante muchas veces nos parece irreal. Ellos, como muchos otros artistas de su generación, nos muestran una nueva y moderna China. Desde que en el año 2000 el gobierno chino decidió apoyar y permitió salir del underground a los nuevos artistas, lo más cool, lo más nuevo y lo más interesante nos llega ahora de aquel lejano país. Jóvenes artistas cargados de humor e ironía abren un nuevo y fresco camino en el siglo XXI. Tokio fue el nuevo New York y hoy Beijing es el nuevo Tokio.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari. 9 Octubre 2009

 Maiana Agorrody: el dibujo como arma secreta

Dentro del panorama del arte vasco actual pocas veces tenemos la oportunidad de toparnos con trabajos tan frescos y con una iconografía tan actual. Perfectamente realizados, estéticamente muy interesantes y a la vez repletos de explícito contenido. Un trabajo de riesgo que se convierte en un auténtico grito en la galería.

La artista de iparralde Maiana Agorrody expone sus dibujos en la Galería Garabat (C/ 2 de Mayo, 19. Bilbao) hasta final de mes. Agorrody lleva viviendo en Bilbao desde 2006. Además de artista es también directora de la empresa de producción MY JOK WORLD S.L, productora y guionista del programa BURP! de ETB3 y diseñadora de su propia marca de camisetas MY JOK. Maiana, que también trabaja con el sobrenombre de Lady MY, en 2007 fue artista residente en BilbaoArte y en el verano de ése año, con una ayuda de Le Salon du Prêt á Porter de París y con motivo de las elecciones presidenciales francesas desarrolló el proyecto Vote Panda. Vote Panda era una reflexión cargada de ironía sobre las estrategias de comunicación de los políticos en formato de cárteles dibujados con tinta india negra, pintura acrílica de colores y papel de aluminio.

En aquella ocasión eligió un personaje, un oso panda que representaba un candidato a las elecciones presidenciales. En sus dibujos nos hablaba de corrupción política. Aquel proyecto se presentó en diversas galerías y espacios como Iguapop Gallery de Barcelona, Pantha Rhei de Madrid, en el Museo Guggenheim de Bilbao y en Le Salon du Prêt á Porter de París.

En su nueva exposición ésta provocadora amante del cómic underground sigue utilizando el humor y la ironía para lanzar su mensaje al espectador.

El grueso de la exposición lo conforman dibujos a tinta negra, realizados con pincel, y donde a modo de pan de oro incluye muchas veces trozos de papel de aluminio. En ésta exposición también ha incluido algún trabajo de otra serie y presenta también un dibujo realizado en la propia pared de la galería. Prácticamente todos los dibujos incluyen textos que hacen referencia a lo representado.

El tema elegido son las relaciones entre hombres y mujeres como una relación de poderes. Agorrody ha destapado un lado más duro. Referencias explicitas al sexo y a las relaciones de pareja y a las relaciones entre hombre y mujeres donde ella es protagonista y heroína y su oso panda y otros personajes como Mister T o Patxi Lopez comparten protagonismo. Siempre con un toque de humor, mucha ironía, pero no dejando por ello de insistir en lo que quiere decir. Si hasta ahora siempre había resultado amable aunque provocadora, ahora ha dejado la amabilidad de lado y opta por incomodar al espectador, algo a lo que los amantes del arte aun no acaban de acostumbrarse. Se autorretrata desnuda, haciendo con malicia una felación a su querido oso panda o como objeto de deseo del político o del personaje televisivo. En cuanto al estilo tampoco nos puede dejar indiferentes. Su línea en ésta exposición es muy cercana a los dibujos monocromos de Raymond Pettibon, a quienes los aficionados a la música reconocen por las portadas de los discos de Black Flag y Minutemen o especialmente por la carátula de Goo (1990) de Sonic Youth. Los aficionados a las artes visuales por exposiciones como la retrospectiva que el MACBA le dedicó  en 2002.

Lady My produce un programa gamberro pero amable para la televisión pública y hasta ahora había diseñado camisetas con un oso panda como protagonista que se venden en boutiques modernas y centros de arte. Un trabajo con gracia y más socarronería de la habitual en nuestra sociedad pero obra amable al fin y al cabo.

En ésta ocasión Maiana a arriesgado lo suficiente para poder permanecer en el underground para siempre o para despuntar como una nueva artista controvertida. El underground lo tenemos cerca y no parece que quienes manejan los hilos estén dispuestos a que salga de ahí aunque quiera. Aun hoy es el día que cuando el Plan Vasco de la Cultura analiza las galerías de arte bilbaínas no incluye en él las más cercanas al street art o al arte de la calle, como las tres con las que actualmente cuenta Bilbao –tres magníficas galerías con exposiciones de gran calidad en el barrio de San Francisco-. ¿Acaso no es arte contemporáneo lo que presentan?

Las cosas avanzan pero no igual de rápido en todas partes. En 1992 la exposición “Helter skelter” en el MOCA de Los Angeles llevó el arte que venía del underground y que tenía la provocación, el sexo y la política como bandera a la institución Museo. Así obtuvo su entrada en ésta institución el norteamericano Raymond Pettibon dibujante creador de portadas y carteles para los grupos del sello de punk de vanguardia californiano SST.

En 1992 nace en New York la Alleged Gallery, cuna del street art y que su promotor a hecho aun más famosa a través del film y exposición “Beatiful Losers” que ha girado por los principales centros de arte del mundo entero. A su historia se asocian artistas como Terry Richardson, Larry Clark o Shepard Fairey, más conocido como Obey y creador de la famosa camiseta utilizada en la campaña de Obama. Será la consolidación de éste arte con clara influencia del cómic y enraizado en el do it yourselve. Tal vez Warhol y algunos de su círculo como Keith Haring o Jean-Michel Basquiat abrieron años atrás cierta brecha, pero no es hasta los años noventa en Estados Unidos cuando empieza la verdadera aceptación de éstas obras como verdadero arte.

Aun hoy Pettibon no pude quitarse el sambenito de artista punk aunque nunca se ha considerado a si mismo como tal. Algún artista ha declarado que el street art es un souvenir para los museos. ¿Falta de estima o realidad? Espero que lo primero.

Txema Agiriano

Continúa el Ciclo de Cine y Memoria en Pulimentos del Norte

Tras el éxito del visionado la pasada semana de "El último bolchevique" de Chris Marker, el próximo Miércoles 30 de Septiembre a las 18,45 h podremos ver:

LAS VARIACIONES MARKER

Un ensayo en imágenes de Isaki Lacuesta y Sergi Dies con música original de Victor Nubla. España, 2007.

Cuenta Lacuesta:

"En Barcelona conocí al músico Víctor Nubla. En 1984 se encontró una pieza de puzzle en el suelo de la plaza Raspall, y la recogió. Hoy tiene una enorme colección de piezas encontradas, y su música, cada día, es más parecida a esa colección. Fue Nubla quien me enseñó que, según el diccionario, ‘componer’ significa, literalmente, ‘formar una unidad a partir de fragmentos diversos, reparar lo descompuesto, encajar piezas de un puzzle’. Nubla es un compositor de sonidos encontrados, sonidos que él saca de la radio cerrando los ojos, como si fueran las cartas del tarot. [...] Ahora pienso que quizá la mejor forma de hacer una nueva película de Chris Marker sea dejar que el ordenador haga honor a su nombre. De hecho, en los años 90, Marker inventó un programa que ordenaba sus planos al azar, y que, por tanto, creaba nuevas e infinitas películas de Marker. Hace rato que he pulsado la tecla random play para dejar que sea mi ordenador el que decida, que mezcle como quiera las piezas de este puzzle. Yo no he montado estas imágenes. Son un puro Chris Marker, hecho por Chris Marker."

 OPEN MEM

http://memoriatecnologica.blogspot.com/

PULIMENTOS DEL NORTE

OTOÑO CALIENTE EN BILBAOARTE

BilbaoArte (Urazurrutia, 32 - 48003 Bilbao) nos propone un otoño caliente cargado de todo tipo de actividades. Tras la magnífica exposición de Alain M. Urrutia -muy bueno su dispensador de paisaje, al final de la sala de exposición- abierta hasta el 26 de septiembre, el viernes 2 de Octubre  de 20 a 23 h  Aida Ulibarri (una de sus creaciones en la foto) presenta  una performance-pase de moda. 

Para el 9 de Octubre anuncian el intercambio con el KUNSTHAUS BREGENZ (AUSTRIA). También el 9 de Octubre y hasta final de mes, en la sala de exposiciones Sra Polaroiska presenta "The physical destruction. TOGETHER TO DESTROY".

Del 19 al 30 de Octubre seminario de pintura con Inés Medina.

Del 3 al 6 de Noviembre -dentro del festival MEM- un interesantísimo Workshop de Cine Experimental con el colectivo parisino Collectif Négatif. Ya está abierto el plazo para inscribirse. Plazas muy limitadas.

El 13 de Noviembre inauguración de la exposición del jóven pintor Albert Albor.

Del 25 al 27 de Noviembre -y también con motivo del festival MEM- el divertido y práctico Workshop e-pintxo con Gulalab (Marco Bellonzi y David Casacuberta de la Universidad Autónoma de Barcelona). Programación, cocina de vanguardia y pintxos. También nos podemos ir inscribiendo.

El 18 de Diciembre se inaugurará la ya clásica jornada de Puertas Abiertas.

Todo ello en BilbaoArte.

Los Trembleators, Amparo Badiola y Nick Burge

Estos días la pareja formada por la coreógrafa bilbaína Amparo Badiola y el músico londinense Nick Burge, también conocidos como “Entretenidos”, presentan en el Festival Internacional de Manchester (MIF), los cuatro nuevos instrumentos musicales que durante los últimos seis meses han estado inventando y fabricando artesanalmente en BilbaoArte.

A primero de Julio de 2008 en BilbaoArte, los noruegos Sindre Bjerga y Jan Morten impartieron un workshop en el que bajo el título de Home Crafted Sonics los alumnos participantes fabricaban objetos sonoros a partir del reciclaje y manipulación de todo tipo de artilugios. Allí, mientras soldábamos pequeñas chapitas de metal para crear nuestros propios micrófonos de contacto, conocí personalmente al artista sonoro y bailarín inglés Nick Burge y me habló de sus Trembleators.

Nick nació en Londres en 1954, allí estudió danza clásica y claqué en la escuela de Andrew Hardie para pasar a estudiar danza contemporánea a la London School of Contemporary Dance. Completará estudios en Estados Unidos donde bailará con el Houston Ballet y con el The Joffrey Concert Group, el grupo de danza creado para mostrar en gira por todo aquel país, el trabajo de los estudiantes más avanzados de la prestigiosa escuela neoyorkina Joffrey Ballet School. De vuelta en Gran Bretaña baila con Janet Smith & Dancers (la compañía de la desde 1997 directora del Scottish Dance Theatre) y con la compañía English Dance Theatre. Es a partir de 1989 cuando empieza a crear música electrónica para danza. Por entonces es también cuando conoce a Amparo Badiola –que había marchado a vivir a Londres-. Él le impartirá clases de claqué. Amparo Badiola además, ha estudiado danza jazz y danza contemporánea con el coreógrafo británico Mathew Hawkins, y por si fuera poco es médico, especializada en medicina deportiva. Bailan juntos desde entonces, hasta 1994, cuando deciden tener familia. Nick estudiará por aquel tiempo sonido en el London Collage of Printing y al poco comienza a trabajar en Sadlers Wells como técnico de sonido para teatro. En 2003 deciden venir a vivir a Bilbao y desde entonces vuelven a crear juntos diferentes coreografías.

Volviendo al trembleator, Burge, su inventor explica que la idea parte de una cajas de resonancia creadas para bailar claqué sobre ellas. A estas cajas de resonancia decidió incorporarles micrófonos de contacto, con el fin de poder amplificar su sonido. Posteriormente les aplicó nuevos artilugios mecánicos que responden a los movimientos de los bailarines y que enriquecen sus sonidos. En ocasiones se trata de amplificar, en otras de transformar sus sonidos a partir de elementos electrónicos. La siguiente sería hacer que la caja se abra y pueda ser tocada como un nuevo instrumento de percusión.

Con sus dos primeros trembleators Badiola y Burge presentaron su pieza de danza “Entretenidos” en Bilbao. En Octubre de 2007 estuvieron en el BAD y en Enero de 2008 dentro del programa Zer(k)nias en La Fundición. En Junio de 2008 dentro del Festival Internacional de danza en paisajes urbanos y muestra de video Lekuzleku deciden convertirse por un día en trio. Burge llama al músico y compositor británico Craig Vear con quien colabora regularmente en el proyecto Stretch –una instalación interactiva que incluye escultura, danza, música y video- dirigida por la artista plástica Sophia Clist. Vear colaborará tocando los trembleators.

En su danza los dos personajes (Badiola y Burge) se sirven de estos instrumentos para embarcarse en una búsqueda de sonidos. Es una danza sonora. Mientras, se relacionan entre ellos. Ellos se buscan en el otro, anhelan su reflejo, evitan mirarse cuando se tocan. Pausas. Silencio. Sobre todo se escuchan. Y así se mantienen entretenidos.

Pero Amparo y Nick no querían acabar aquí con el tema de sus instrumentos inventados, así que solicitaron una beca de BilbaoArte –que les fue concedida- y en los últimos meses no han parado de trabajar en su taller. Allí la cosa ha ido más allá y los trembleators han evolucionado y han tenido familia. Se han convertido en esculturas sonoras. Les han incorporado patas, un banquito para sentarse, una piel artificial que los hace más glamourosos, luces, algunos juguetes electrónicos sonoros, una especie de theremin que parece funcionar con la luz,… Y ya de paso han inventado otro par de nuevos intrumentos y han añadido video a su presentación. Los trembleators han adquirido definitivamente la categoría de escultura sonora, naturalmente interactiva.

Según me comentaba Amparo, entre sus próximos proyectos está el de organizar workshops para enseñar a utilizar el trembleator. Se harían talleres para músicos, talleres para bailarines, talleres para niños. La improvisación resulta interesante, pero hay que aprender a improvisar primero. Los trembleators puden crear infinidad de sonidos, pero hay que conocerlos. A través de un pequeño aprendizaje, quienes participen de su performance o admiren sus esculturas sonoras, podrían utilizarlas a modo de instrumentos de una forma creativa aportando sus propias ideas.

Si aun no has visto los trembleators, no te preocupes, estate atento y seguro que tienes la oportunidad. De momento éste mes de Julio, que a pesar de la crisis, es tiempo de viajar, si te pasas por  Manchester, en su festival internacional (MIT), podrás encontrarte con el exquisito trabajo de Badiola y Burge, pero además podrás disfrutar con el debut operístico de Rufus Wainwright; un doble concierto con Kraftwerk y Steve Reich; una exposición de arte comisariada por Marina Abramovic, una procesión organizada por el artista Jeremy Deller y muchísimas otras cosas destinadas a un público inquieto.

Más información sobre el Festival en http://www.mif.co.uk

Txema Agiriano

SOFT POWER. Arte y tecnologías en la era del biopoder
///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Soft Power es un programa de actividades sobre la interseccion entre arte, tecnología y biopolítica comisariado por Maria Ptqk para Proyecto Amarika.

Actividades de apertura: 10 y 11 de junio 2009 en Vitoria-Gasteiz
Programa completo: otoño 2009 en Vitoria-Gasteiz
Toda la información en: http://www.amarika.org/softpower/

// Actividades de apertura //

Performance “Food action. 1000 calorías: 1€” por Pierre Bongiovanni
Miércoles 10 de junio, 13h00
Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Sesión de masajes ayurvédicos por Pierre Bongiovanni
Miércoles 10 de junio de 19h00 a 22h00
Jueves 11 de junio de 10h a 14h00
Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Conferencia “Presente de la ciencia, futuro del arte” por Pierre Bongiovanni
Jueves 11 de junio, 19h00
Archivo del Territorio Histórico de Alava, Vitoria-Gasteiz 

Ertibil 2009

Desde fuera de la sala apreciamos los dibujos coloristas y simétricos de Usoa Fullaondo. Ha llenado la pared de arriba a abajo. En esa misma sala-escaparate está el óleo, deudor de la pintura de fotografía desenfocada de Richter, que Alain M. Urrutia ha dedicado a la gliptoteca de Munich. Urrutia parece no deparar que la forma de presentación de esa pintura -inclinada con unas piezas de metal- sea en realidad lo que más pueda llamar nuestra atención y lo que realmente demande unas líneas por parte del autor.

Muy cerca y en el suelo José Bilbao muestra un pequeño cubo recubierto en parte con algo que me recuerda, o tal vez sea, la cera de un panal –simbolismo en los materiales y realización pretendidamente mal acabada-. Sujeta a la pared la pequeña pieza “Gran Siglo” de Ibai Fernández-Valdés donde combina madera, metacrilato y fotografía.

Destaca en la sala, “Prometida” una potente pieza escultórica de Jon Otamendi –galardonada con el segundo premio-.

Al entrar en la sala principal llama la atención que prácticamente todas las obras de la pared derecha tengan el mismo tamaño aproximado 70 x 100 cm. Da un poco la sensación de las expos en mi colegio.

Daniel Mera presenta unas fotografías producto de una acción escultórica. La fotografía de Leire Ugalde, nos describe cómo y quien es ella. Interesante debut en las artes visuales. “Honey” de Gontzal Gutiérrez es una fotografía pixelada y desenfocada.

Como siempre, me han encantado los evocadores dibujos a tinta de Nadia Barkate.  Me ha gustado mucho también el dibujo –y el texto- de Sahatsa Jáuregui.

La manera como se ha colocado la obra de Oier Etxeberria –tercer premio- dificulta su lectura; aun así Etxeberria no defrauda y a partir de un texto de Josean Artze, Oier reflexiona, crea, investiga y juega. Sin duda de lo mejor del certamen.

Destaca plásticamente “Kezkaporta” la obra ganadora de la zarauztarra Zuhar Iruretagoiena, artista que desde su primer premio obtenido en el Generación 2008 de Caja Madrid está dando mucho que hablar, y aun dará más.

La dadaísta Alba Burgos ha pintado un retrato expresionista de su padre y le ha dado el toque con unos loros. También le veo un toque al pequeño cuadro de Marion Cruza Le Bihan.

Y siguiendo con artistas que gustan del arte con parte lúdica nos encontramos con la serigrafía sobre metacrilato, de Rosa Parma, otra de mis favoritas del certamen.

El vigués Kiko Pérez vuelve a mostrarnos unas de sus sugerentes pinturas sólo aparentemente minimalistas. Alaitz Arenzana reflexiona en su video a partir del film que narraba la historia de Karen Carpenter, se trata del trabajo que ya presentó el pasado año dentro de Talka Egin-Talking! en Zinebi.

El video de Khuruts Begoña (podemos verlo aquí: http://khube.wordpress.com/) le da unas vueltas al tema de la represión, el arte y las pajas mentales; a mi me ha gustado. ¿Contendrá el florero lo que dice contener, si es así, a ver lo que dura en la expo?

La piecita de Xavier M. Llavaneras la véo como un objeto de diseño “povera”. El video “The Searchers” de Ismael Iglesias el día de la inauguración juraría que tenía mal puesto el loop con lo que sólo repetía unos pocos segundos. Si no estoy equivocado me parece que éste tipo de cosas no deberían suceder.  Habrá que confirmar éste hecho.

 Ertibil estará en Bilbao (Sala Rekalde, Alda. Rekalde 30) hasta el 14 de junio, y finalizará en Igorre el 13 de diciembre.

copio de la página de Galeria Garabat:

http://garabat.wordpress.com/

Le dernier cri - Never is too much

Ya te puedes apuntar al workshop de baja tecnología que impartirán David Casacuberta (profesor de filosofía de la ciencia y la tecnología en la Universidad Autónoma de Barcelona) y Marco Bellonzi (artista y músico)

Workshop: Say it with Low Tech
Profesores: David Casacuberta y Marco Bellonzi Este curso presenta formas sencillas de "hazlo tú mismo" para poder incluir de forma sencilla y rápida, elementos de arte digital en nuestros propios proyectos. Introduce al alumno al low-tech (evitar buscar siempre la mejor tecnología y trabajar con sistemas a obsoletos, que facilitan un mayor control). En el workshop se ve como utilizar el error y los procesos aleatorios para obtener resultados inesperados que podamos aprovechar en nuestros propios proyectos. Muestra una vía paralela a la programación digital en arte, aprovechando errores, atajos, parásitos y otro tipo de técnicas simples que permiten trabajar directamente con la máquina sin necesidad de complejos conocimientos de programación.
http://www.santofile.org/

El workshop se impartirá los días 19, 20 y 21 de noviembre y es gratuito. Los ponentes recomiendan encarecidamente que los participantes lleven ordenador portatil. Si no tienes, coméntalo en tu email para poder solucionar el problema.
Si te van mejor los horarios de mañana puedes asistir al que imparten en la Facultad de Bellas Artes. Si te va mejor por la tarde al que imparten en Bilbaoarte.
Escribe ya un email con tus datos (incluyendo tlf. y preferencias mañana o tarde) a info@musicaexmachina.com
Las plazas son limitadas.

http://www.musicaexmachina.com

También está abierto el plazo para participar en el workshop de serigrafía artística experimental que Pakito Bolino del grupo artístico parisino-marsellés Le Dernier Cri impartirá en Tintamina los días 27 y 28 de Noviembre.
http://www.vinetasconaltura.com/vinetasconaltura/lederniercri.htm
http://www.papelcontinuo.net/210/le-dernier-cri/
http://www.lederniercri.org/
Plazas hiperlimitadas. Se creará lista de espera.
Apuntate (gratis) enviando un email con todos tus datos (no olvidar tlf y email) a info@musicaexmachina.com
Cuentaselo a quien le pueda interesar

Llega el MEM
El sábado 1 de Noviembre el MEM 08 tomó la salida en Catalogo General (Calle Santa María, Casco Viejo, Bilbao) con la inauguración de la espectacular instalación del artista Carsten Nicolai (aka Alba Noto)
y la videoinstalación de Daniel LLaría, Marión Cruza LeBihan, Kiko Pérez y Nadia Barkate (pásate con tiempo para degustar su video de 45 minutos de duración).
El domingo disfrutamos con la actuación de Lidia Damunt. En el siguiente link puedes leer la crónica del siempre punzante Oscar Cubillo 
http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20081103/cultura/hora-vermu-20081103.html
Y estos días además se estan regalando las camisetas del MEM 08
http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/ocio/gps/concursos/octubre-2008/concurso-mem-camisetas-bolsos.html

Aquí las cosas que el MEM nos ofrece para los próximos días
Ah! y en la performance del próximo sábado (Manuela Moscoso) participan parte de los Mamba Beat!

AZAROA / NOVIEMBRE

martes
Asteartea 4
19.00 · Catálogo General
Zine:
THE PHANTOM CARRIAGE de Victor Sjöström, banda sonora KTL
    
miercoles
Asteazkena 5
19.00· Catálogo General
Zine:
CROSSING THE BRIDGE: The sound of Istanbul
de Fatih Akin con la colaboración de Alexander Hacke
    
jueves
Osteguna 6
20.00 · Museo de Reproducciones
Inaugurazioa (hasta 28·XI):
DOMINGO SARREY
Performance:
ALEJANDRO PEÑA + cantaor Jorge Barroso "El niño de la muerta"
    
viernes
Ostirala 7
20.00 · Galería D-SPACIO
Inaugurazioa (hasta 28·XI):
GUY BEN-NER
    
sábado
Larunbata 8
13.30 · Catálogo General
Performance + Inaugurazioa:
MANUELA MOSCOSO

20.00 · L’Mono
Kontzertua + varios artistas:
MEM-FIM extravaganza:
PAIN JERK 
ONE MAN NATION
TECLA
Reyes Oteo
Alfredo Genovesi
Travis Flint
Sikoklouns
Aitziber Akerreta
Iagoba Moly

+ info actualizada cada día en
http://www.musicaexmachina.com

El artista José Ramón Sainz Morquillas no hace llegar éste escrito en relación a su exposición
suspendida en el Museo de BBAA de Bilbao:

En Noviembre de 2007, tras suspender unilateralmente mi exposición el 4 de Julio, el
Museo de Bellas Artes de Bilbao presentó una demanda contra el artista Morquillas
alegando incumplimiento de los acuerdos contractuales. Sin ningún intento previo de
diálogo (incumpliendo otra más de las ocho cláusulas del Acuerdo) invocó
capciosamente un exceso presupuestario del 35%, tendente a justificar su acción
censora, al tiempo que reiteró su campaña de lapidación y difamación contra mi
persona e imagen. Posteriormente, pese a manifestar pública, repetida e
insistentemente que en los próximos días iba a mantener reuniones con el artista al
respecto, adujo que dichas conversaciones habían tenido lugar meses atrás (en fecha
y momento que pretendía la aprobación escrita de su censura y mi silencio);
infructuosas lógicamente, sin resultado positivo para sus intereses. Tras ello,
nuevamente, únicamente su censura y la ausencia de obligada provisión de materiales
han generado de nuevo retrasos y gastos, consecuencia directa y producto de su
actitud. El artista nunca ha pedido mas dinero, ni ha cobrado absolutamente nada por
su trabajo.

Se ha informado de esto y otros hechos delictivos a la Consejería de Cultura del
Gobierno Vasco, la cual ha tenido a bien no responder. Tras ello se ha notificado, a
la Diputada de lo mismo y al Concejal similar (los tres miembros del patronato del
Museo), además de a diversos representantes políticos. Escéptico, aun hoy espero de
ellos, análisis y respuesta sobre estos graves hechos que afectan a nuestros
derechos y libertades y a las propias leyes que aprueban y dicen defender. Actitud
similar podría encontrar justificación perversa en asuntos privados, pero no y nunca
en los públicos.

Un país es su gente, no su geografía o el impuesto ejercicio autoritario de sus
grupos de poder. Nada cambiará en mí, ninguna opción semejante alterará mi trabajo.
Estos tiempos, al igual que a favor de cualquier artista libre, trabajan a mi favor;
nos informan claramente de las variables pretendidas democráticas que componen
nuestro horizonte, de los ingredientes y porcentajes capitalistas, fascistas y
socialistas que los gobiernos colocan en nuestro cielo: In Hoc Signo Vinces.

Se le llena la glotis al político en ocasión de seguro corifeo: "La sociedad no va a
permitir..." "El estado será implacable contra los que vulneran..." "Quedará mas
claro que nunca, si es que había alguien en este país que tuviera alguna duda al
respecto, que estamos ante un juicio por motivos claramente políticos", gritaba
paradójica y autodefensivamente nuestra Consejera de Cultura en relación al
conflicto de derechos del plan Ibarretxe. Siquiera conflicto de derechos se aprecia
con relación a mi exposición. Que gigantesca y siniestra oscuridad se usa como
bandera de reafirmación del interesado si para ocultar la doblez del no. ¡Que
invalidez total incorporan las consignas!. No seré yo quien vote ahora a mi opresor.
¡Maldito uso espurio de su democracia!.

En fechas actuales, hemos respondido a su demanda de Noviembre, exigiendo el
cumplimiento inmediato del contrato y la automática presentación de la exposición.

Con ocasión de nuestra respuesta, y correspondiendo a la Institución, que al tiempo
de la presentación de su demanda, facilitó a los medios falsos e intencionados
argumentos con el único objetivo de destruir mi persona e imagen; te comunico
diversas puntualizaciones para defender mi imagen pública ante la sociedad y frente
a las difamaciones divulgadas por el Museo. Te adjunto mi respuesta ante esos hechos
y copia de la carta enviada a la Consejera de Cultura. Te agradecería la divulgación
de los mismos.:

El silencio de los pastores y el mutismo de las ovejas
 
El extenso tiempo inesperado de hibernación, ha propiciado, mas que permitir, la
redacción quinta o sexta de este nuevo neoeufemismo que doy temporalmente en llamar
queja, aunque resulte a los ojos atónita religión social de estructura
desamparadamente cierta. Cada nuevo conjunto pergeñado atiende cuestión diferente
que en el papel no acierta sino a ser similar, pese al adorno diverso que disfraza
la frontal muralla y el trasero redil. En ese aprisco-exposición se apreciarán en
galería los variados panfletos amarrados debidamente a sus estacas. No es ello
intención propia, sino trampa ajena proveniente de atávico afecto por la estúpida
oveja.

Esta ocasión, entre diversas y temporales ideas provenientes de acervo común e
incluso doctrinario, se acerca desde y tras conocimiento de reunión del
representante gubernamental del museo con la prensa. Aquel, tras sus primeros
informes tendentes a destruir el reflejo de mi imagen, se acomodó nuevamente con
esta, para transferir nueva información que presumo vieja debido a la inexistencia
de realidades posteriores. Estos cotilleos referidos, no referentes, así lo son
sólo, pues solicitó a los diarios no publicar lo que fue publicitado. La silente
orden de obediencia debida que yo rechacé -obteniendo por ello el premio de la
suspensión- y que los medios respetaron, debe apuntar pues a la inexistencia de
rotundos materiales, equilibrados escasamente en diversas metáforas o variaciones
estilísticas. La ávida balanza de los medios -no todos utilizan el mismo hierro-
permaneció inmóvil. Presumo pues, que nada nuevo debe ser presumido. Infiero que más
allá de lo dicho nada debo contestar a ello.

Cuando nada nuevo aparece en escena, mas allá de reforzar la vejez del espectáculo
añoso, que se pretende eterno si puede aparentar rendimiento o redención, brotan
ante la mirada activa el buey, el arado y el rústico pagado que por tonto y tanto
por ciento cosecha miles. Abandonemos al aleatorio y permutable actor, pues se
aprecia en su virtud necesaria, relegación de su necesidad al interior del surco
saturado en satrapía. Hablemos pues del buey que nos lleva, abandonando el
sustituible forzado al sudor y al cuervo, y el mellado acero al oxidado departamento
de reposiciones. Hablemos pues -si es permitido debido a su justa pertinencia- del
buey que nos arrastra.

Hay una borrasca básica general y común a diferentes ejemplos y proyectos: el
silencio, reforzado por afonía en atonía, manta formal y artesanal consensuada. Los
recientes asuntos padecidos -en o por, vaya usted a saber- en el museo Guggenheim
pertenecen a similar o paralelo despropósito. Así señalé en pasada entrevista el
mutismo de la falsa oposición institucional ante la obediencia debida refrendada por
el gobierno y la acordada supresión general de auditorias por aparente oposición
(¿disposición?). Ley vasca de museos, Plan vasco de cultura... relatan paralelismos
con Coslada; Tras los adornos de ambiciones varias, cruentas e incruentas, se
aprecia al perseverante funcionario o aun más allá, al culpable de la necesidad de
nuevos planes, reciclándolos en aparente actualidad para resultar y confirmar lo
mismo y mismos. Varios de los desaparecidos (estilo Rubén) cientos de textos que
incluía en el catálogo de la rechazada exposición y en la propia muestra, mas acá de
otros diversos asuntos sobre aguas mayores, señalaban con precisión y solución
tramas de similar oportunidad: Quizás por ello se necesitó de lectura visual
eliminada. Si los medios, por ignorancia, pérdida palatal o cogestión, no ofrecen
relatos que señalen esos recorridos, estéril es hacerlo en estas líneas, que por
anteriores intentos de emersión presumo nuevamente submarinas. Doy por tanto todo lo
anterior por cierto, sólido, evidente y descriptivo, como haría cualquier ciudadano
honrado que tras el opaco muro institucional, sueña y vive.

¿Dónde está el dinero público? ¿Dónde las ideas? ¿Dónde la honradez? ¿La sensatez?
¿Son acaso, por necesidades inherentes a beneficiosas estrategias de cualquier
obediencia debida, incompatibles con el sueldo? ¿Por qué se crece hacia abajo? ¿Por
qué las instituciones se defienden con la ley frente a la Justicia? Cierto
ostracismo ejecutado sobre mi persona es justo de coartada: se corresponde con el
profundo desprecio que ha tiempo abono para obtener ganancia que justifique un
futuro. Coincido con el elegante Gianni cuando señalaba que actualmente una obra que
no contiene violencia dice poco. Pero no se alarmen, contrariamente a lo que
intencionadamente señalaba cierta prensa, y pese a valorar el lanzamiento de
esculturas por la borda en esperanza cierta de encontrar nadando desnudos políticos
rezagados o torpes, no utilizo metralleta, salvo armas afines a las interrogaciones
previas, que la evidencia y la historia demuestran molestar a nuestros
representantes mas que las automáticas: ¿Dónde está el dinero público? ¿Está oculto
al interior de nuestros políticos?

El muerto al hoyo y el vivo al pollo. O a la polla, para prevenir acusaciones
sexistas. El rústico, el muerto, el pollo o la polla, serán sustituidos, todos, tras
la turca disfrazada en informe incierto y farragoso, precisamente por el proveedor
partido cómplice -un delantero buey- quien mejor que nadie conoce la dotación del
botellero, quien imprime la etiqueta y señala contenidos adecuados... Mi dosis,
siempre la misma y sin doblez, carece de ingredientes que perturben la verdad. Les
informo en siguiente párrafo de las dosis que la institución y su gobierno pretenden
contener. Notifico también los contenidos -cuando lean esto, nuestros políticos
habrán recibido comunicado puntual de los hechos-, a cualquier oposición e incluso a
algún posible ingenuo (ingenuidad básica, de diccionario: buena fe, verdad en lo que
se hace o dice) del partido; garantizo que analizar o auditar será en ello tiempo
desagradablemente divertido.

La dosis, el cóctel ofrecido por el gobierno a través de su representante político
en el museo, posee inequívocamente título viejo: El ejercicio de los derechos no
puede restringirse mediante ningún tipo de censura previa. La objetividad con que
los políticos me han obsequiado es la siguiente: Pintura de los techos del museo,
catálogos de otras exposiciones, montajes ajenos a mi exposición, materiales de
intendencia del museo que nada tienen que ver con la muestra, multiplicación
aleatoria e interesada del coste de mis necesidades, inclusión del importe de
supuestas y falsas necesidades futuras, cuantía de su destrucción posterior de
obras, falsificación de argumentos y de documentos susceptible de fraude procesal...
Ese vaso aparente de nula transparencia, donde con burbujas SuperFairy se pretende
alcanzar el borde adornado de exceso con 35% de exuberancia, no es sino mera espuma
saponaria, golpe escenográfico, raudo y violento en espumoso de baja graduación
(apenas 5%) que alcanzó precisamente ese nivel escaso, única y estrictamente, debido
a impedimentos, retrasos y nula profesionalidad del servidor. Una de las guindas
decoradas se refleja en su agradecimiento escrito al aceptar yo verbalmente una de
sus inexplicadas suspensiones de la exposición. La aceituna es hangar para
dirigibles y aviones ofrecido por el museo, transformado por mí en escasa nave para
obtener ajustado alojamiento posible previo al contenedor opaco. El limón -hubiese
preferido naranja- es la inclusión de transportes necesitados, ordenados y
realizados por el museo. El borde edulcorado consiste en añadir los gastos
pertinentes a su incomprensible destrucción de numerosas obras, ornato unilateral,
sin sentido y posterior a la suspensión, que desgraciadamente clarifica una
intencionalidad que va mas allá de sus obligaciones fundamentales como garante de
obras de arte. Mas adornos, palillos y cítricos ácidos podría señalar, pero es
suficiente por ahora para prevenir que la crueldad me agravie.

De todo ello se pretendió y pretende ingesta. Esta es la indigesta bebida servida
por el camarero gubernamental tras agitación oportuna e interesada, por expresar mi
intención y convicción de no tragar su infame liquido, de no silenciar mi palabra de
por vida, como autoritariamente y quizás inconstitucionalmente se me exigió firmar.
Cualquier bebedor (incluso abstemios) puede observar que la bebida es y será
repugnante por sus excesos en dinero, futuro e imagen; salvo el político incólume,
que siempre advierte que sólo se baraja dinero público, irrelevante por tanto para
quien no desvíe su carrera, no ensucie su dorsal homologado, ni descuide su mirada
atenta y cuidadosa sobre quien se aproxima cabalgando en los vientos temporales.

Podríamos entender actitud similar en cuestión privada, pero cuando es el
representante o delegado del gobierno quien utiliza sistemáticamente la mentira para
defenderse del ciudadano, cabe preguntarse: ¿Qué actitudes y hechos debemos ejecutar
para defendernos de nuestros representantes? ¿De que armas disponemos? Continuando
con el cinismo que la autoridad torna irreversible, finalizo con nueva cuestión
extraña de lógica ingenua: ¿Si el representante político del gobierno en el museo de
Bellas Artes de Bilbao, se permite intencionadas censuras, arbitrariedades, mentiras
y anomalías merced a que el dinero manejado no es suyo sino público, no debiera
exigírsele por ignota indisimulada autoridad que responda de ello con su propio
patrimonio? Desgraciadamente, en nuestro sistema parece asunto imposible, pues
vivimos en democracia, y en la oportunidad irresponsable, el ciudadano, el político
especialmente -dice Blades, en ’Buscando Euzkadi’-, está viendo la telenovela: por
eso nadie mira pa fuera.

Tras numerosos años, impedido de trabajar debido a la retención del museo de la
totalidad del taller y sus pertenencias y obras de mi propiedad -además de cientos
de miles de materiales gráficos imprescindibles para realizar mi obra, recogidos y
seleccionados a lo largo de mas de treinta años-, continuo en la misma situación:
sin poder trabajar, sin su disponibilidad, sin conocer su estado pese a solicitar
garantías con posterioridad a su suspensión unilateral. Actualmente, ignoro sí han
sido arruinadas más de las 10 obras de las que inauditamente se me exige el pago de
su destrucción a fin de alcanzar la desviación que describen.

No quisiera terminar sin disponer ración de pienso para ovejas disponibles:
¿Encontraremos el arte antes de que se nos muera dentro? ¿Seguiremos huyendo al
lugar donde nos maquillan el temor en fuerza?


Sra. Doña Miren Azkarate
Consejera de Cultura

Gobierno Vasco

Bilbao, martes 15 de Julio. 2008
 
Estimada Señora Consejera de Cultura:

Con el debido respeto, me dirijo a usted para informarle y advertirle de diversas
circunstancias anómalas sobre las que, ingenuamente, supongo no posee la información
adecuada, justa y eficaz, debido quizás al oportuno silencio de diferentes personas
que disciplinadamente no se permiten molestarla con cuestiones tan intrascendentes
como robos, arbitrariedades, censuras y apropiaciones indebidas.

En primer lugar le hago notar que pese a tratarse únicamente de Cultura, acepto
normativamente su anterior silencio al respecto, pues pese a mantener esta, relación
con conceptos asimilables a Libertades y Derechos, son cuestiones estas muy
marginales y tangenciales a su excelente actividad política, la cual en ningún
momento quisiera perturbar en exceso con nimiedades semejantes.

Siento que sus ocupaciones le hayan impedido responder a mi demanda sobre la
utilización fraudulenta por ETB de mi rostro y obra como cortinilla publicitaria de
uno de sus programas durante cientos de días. Supongo que debo entender, y así lo
comprendo, que aprecio erróneamente la necesaria subordinación de la cultura a fines
mas elevados, solución que presumo objetivo prioritario y primordial para su
conserjería de Cultura.

En segundo lugar quisiera informarle de un hecho que usted conocerá por su
publicación en diferentes medios. Mi proyectada exposición, encargada por el Museo
de Bellas Artes de Bilbao, fue suspendida unilateralmente por su representante
político en el mismo, debido a mi terca y empecinada negativa a la firma de un
documento presentado por el museo, en el cual se exigía silencio total sobre la
gestión museística durante toda mi vida y delegar en el museo el control de
contenidos, imagen y representación. Podría usted interpretar esto como subjetividad
personal, pero una mínima auditoria del proceso y especialmente lo concerniente a la
variedad de los contenidos y soportes de las demandas interpuestas por el museo y el
artista, le permitiría apreciar -preventivamente- la existencia de Cearsolos listos,
como en ocasión disímil pero no divergente, señaló alguno de su oposición. (En
prevención de que sus ocupaciones le impidan el cotejo de dichos documentos, le
adjunto como posdata uno de los once párrafos -no el más descriptivo u oportuno para
mi evitación- contenidos en uno de los comunicados que para evitar daños a mi imagen
y honor, divulgaré a Personas, Partidos, Prensa y Medios sobre tan absurdo
despropósito). Esperando no encontrar en usted enemigo incomprensible, le garantizo
que esas lecturas, ademas de aportarle múltiples y numerosas claves definitivas para
la justa apreciación de lo descrito, le harán disfrutar tristemente de sensaciones
divertidas.

En tercera posición, aunque no última cuantitativamente, le comunico que su
representante en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, quizás correctamente entendido
para bien de la cultura vasca y sus posesiones patrimoniales, sin consentimiento ni
autorización, ha reproducido, publicado y hecho figurar como suya, una obra de mi
propiedad, cuya posesión, como sabe o debiera saber -dado que me han presentado al
día de hoy tres documentos tendentes a su donación, alguno con su firma o de
apoderado- está condicionada al desenlace final de la exposición suspendida
unilateralmente por el museo. Tras informar por burofax a su representante
museístico de tal torpeza -en mi humilde opinión personal-, al día de hoy, la
publicación, lejos de ser retirada e informar públicamente de los daños del desliz,
se expende en el museo con los errores legales y de forma y fondo de los que debo
suponerla informada. Comprendiendo que los nimios vínculos arriba señalados,
asociables desgraciadamente a las obras de arte, no deben perjudicar los altos
asuntos y objetivos del museo -salvo que usted tenga opinión contraria-, someto
también a su disposición -sea palabra o silencio- la consideración del hecho.

Interpretando correctamente que nuestras instituciones culturales, tienen
obligaciones y devociones más perentorias que las relatadas, sean estas Derechos o
Propiedad Intelectual, aceptaré respetuosamente su protocolaria resolución o elipsis
sobre las cuestiones señaladas en párrafos anteriores. No obstante, si es de su
interés clarificar cualquier duda o matiz al respecto, abro las puertas de mi
estudio a su persona y representación.

Siga contando con mi consideración y voto. Le saluda atentamente:

José Ramón Sainz Morquillas

IDEATOMICS es el nuevo proyecto de la artista Saioa Olmo. Puedes visitar su web y conocer mejor su proyecto aquí:

http://www.ideatomics.com

¿Qué es Ideatomics?

IDEATOMICS
Ideas que se convierten en proyectos, proyectos que se convierten en mejoras.

IDEATOMICS es una estructura de creación y producción artística que genera ideas creativas para ser aplicadas a diversos campos, tales como el propio arte, el diseño, la acción social, la ecología, las problemáticas de género, la ciencia, la economía, el consumo o la comunicación.

IDEATOMICS es una iniciativa de la artista Saioa Olmo que dependiendo de las características de cada proyecto concreto busca los cómplices y recursos necesarios para llevarlo acabo.

IDEATOMICS realiza proyectos por iniciativa propia, colabora en proyectos promovidos por otros agentes, así como trabaja con premisas de terceros.

Así es cómo se definiría IDEATOMICS:

Ideatomics es expansiva. Igual que una bomba atómica, busca obtener el mayor radio de influencia posible para cada objetivo. Es una partícula básica de dinámicas de contagio.

Ideatomics es transversal y altamente conectable. Pone en relación distintas áreas de conocimiento y se asocia con agentes especializados en áreas concretas.

Ideatomics es micro y es macro. Actúa en pequeña escala pero de maneras extensibles a una escala mayor.

Ideatomics es versátil, se configura de muchas y muy diversas maneras. Desde un laboratorio de diseño, a una campaña comunicativa de divulgación de trabajos científicos, una exposición sobre interpretaciones económicas, un proyecto específico para una asociación de comerciantes, un libro sobre identidad en el País Vasco o un evento lúdico para una festividad concreta.

Ideatomics es fácilmente identificable, el cambio y el eclecticismo son sus señas de identidad, la creatividad su bandera.

Ideatomics crea riqueza para la propia estructura y para quienes la rodean. Energía positiva en el campo ideológico, creativo y económico.

Ideatomics es cualitativo y cuantitavo. No se conforma con producir inputs sino que mide cualitativa y cuantitativamente su resultado.

Ideatomics, igual que un ecosistema, es sostenible. Asigna y consigue los recursos necesarios a cada uno de sus proyectos.

Ideatomics ya existía, existe y existirá, porque las ideas están por todas partes, pero nadie se había puesto a estructurarlas de esta manera.

Nos llega ésta más que triste noticia desde "El Ojo Atómico":

 El Ojo Atómico cierra

        Tras cinco largos y apasionantes años de trabajo en la nave de la calle
Mantuano, hemos decidido cerrar el local y emprender una nueva etapa del Ojo
Atómico.

        La hostilidad del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, una encubierta y la
otra abierta, pero igual de implacables, y la ausencia de diálogo con el
Ministerio de Cultura, nos empujan al cierre, al igual que a otros espacios
independientes, desaparecidos en los últimos meses. Podríamos resistir, pero
ya hemos entrado en una fase de desgaste, y creemos más prudente un cambio
de estrategia que el enrocamiento en posturas insostenibles a medio plazo.
Han ganado ellos, al menos esta batalla que se inició en 2002 con la
apertura de 29 Enchufes. Por primera vez llegó a haber una escena
alternativa de arte en Madrid, caracterizada sobre todo por el afán de
apertura al exterior. Basta ver los programas que han realizado 29 Enchufes,
Liquidación Total y el Ojo Atómico, entre otros, para constatar la
internacionalización que hemos llegado a alcanzar, y que sólo puede tener
continuidad en nuestros previsibles, o ya consumados, exilios.

        No voy a disimular el mal sabor de boca que siento, porque seremos otra
generación perdida, y como dije hace un año, para mí es la última. Mi edad,
45, y mis aspiraciones me empujan a centrarme en proyectos más
institucionales, donde pueda disponer de los recursos que hasta ahora no he
tenido. Dejamos atrás un excelente trabajo que ya está siendo olvidado. Hace
una semana oía decir a un conocido historiador de arte que la escena de arte
político de Madrid acabó en 2001. ¿Debo responder algo? ¿Explicar a estas
alturas qué es arte y qué es política? ¡Qué nos olviden! Madrid no parece
necesitar arte, sino obras públicas, munipas y olimpiadas.

        Uno de nuestros objetivos fracasados en esta etapa ha sido conseguir un
marco legal de apoyo a la creación en Madrid. En el frustrado Manifiesto de
los Agentes Artísticos de Madrid (
www.ojoatomico.com/comunicados/documento4.html ) describimos con todo
detalle la situación que viven los creadores y los gestores independientes
de esta ciudad. El texto era tan acertado que una esbirra de Carlos Baztán
me llamó al móvil para pedirme que no publicaramos más manifiestos. si es
que queríamos mantener el "diálogo". Fue ese el día que decidí,
personalmente, tirar la toalla, y renunciar a un "diálogo" imposible. Y de
la CAM para qué hablar; yo, por eso del quid pro quo, les he puesto en mi
lista negra. Es significatico que sólo AVAM y la Unión escribiesen un texto
de apoyo a nuestra pretensión básica, un marco legal que regule el apoyo al
arte con dinero público, y que tanto ADACE como el Consejo de la Crítica ni
se dignasen a contestar. Quizás pensaron que esto es mezclar arte con
política, o, como me dijo una alta carga del Matadero, que los que estamos
fuera de las instituciones tenemos que "aprender a conformarnos".

        Es todavía más lamentable que hoy, como en 1991, cuando abrí mi primera sala
de exposiciones, el único lugar de Madrid adonde un artista puede dirigirse
para empezar una carrera coherente sea la terminal de salidas
internacionales de Barajas. Pero ahora el mundo es mucho más pequeño, y nada
puede ocultar el ridículo de sus políticas culturales, de las noches en
blanco, los mataderos, los madriles abiertos, los homenajes a la movida y de
tantos centros de arte desorientados, sin contenidos y ahítos de buen
rollito parroquial.

        Nosotros cerramos, contentos de lo mucho que hemos podido dar, y de lo mucho
que hemos recibido. Gracias a los que de una u otra manera habéis estado con
nosotros y a los artistas que desinteresadamente han venido de diferentes
partes del mundo a colaborar con este proyecto.

        El viernes 21 consumamos el cierre, a partir de las 20 horas. Os invitamos a
participar en una acción con Javier Pérez Aranda, que transformará en un
mueble la conocida instalación que ha ocupado el altillo durante los últimos
años, para después depositarla en los lugares indicados por el ayuntamiento
para tal fin, y aprovechando que el 21 es el día designado para esto en
Prosperidad. Regalaremos lo que nos sobre, pero no habrá bar, así que el que
quiera puede traerse su propia bebida (bueno, nos quedan unas cajas de
tequila). Se recomienda ropa de abrigo.

        www.ojoatomico.com
     

--------------------------------------------------------------------------
     
        El Ojo Atómico
        ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
        C/. Mantuano 25, local
        28002 Madrid
        tel: 91 415 22 91
        www.ojoatomico.com

El artista Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) ha ganado hoy el , concedido por el Ministerio de Cultura y dotado con 30.000 euros.
El Premio Nacional de las Artes Plásticas, que se instauró en 1980, supone el reconocimiento de la sociedad a la meritoria labor de los galardonados, que con su creación artística contribuyen al enriquecimiento del patrimonio cultural de España.

http://www.fundaciotapies.org/site/rubrique.php3?id_rubrique=237

Ir y venir de Valcárcel Medina
La obra de Isidoro Valcárcel Medina, generada en el momento del declive del informalismo, se cuestionó desde un principio el estatus de la obra de arte así como su valor estetizante. En las obras del periodo 1968-1969, tras un breve periodo dedicado a la pintura, se hace patente la utilización del espacio como elemento condicionador de las variables de una obra.

De hecho, en estas piezas ya se adivina lo que será una constante de su trabajo posterior: por un lado, la concepción de la obra como estructura en la que se manifiestan dimensiones de la realidad -consideración del lugar y del momento concretos-; y por otro, la preocupación por su función social -entendida en un sentido amplio, no en el sentido excluyente de "denuncia" o "compromiso"-, es decir, la preocupación por la consecución de lo que él llama un "arte habitable" o un "arte para ser vivido".

A partir de los años setenta, Valcárcel Medina abandona progresivamente el lenguaje plástico para adentrarse en toda una serie de prácticas que van desde la poesía experimental, la música y el mail art hasta el cine, la performance, las instalaciones y la cinta magnetofónica, que irá desarrollando durante los años siguientes. Su obra nunca se había limitado al esteticismo formal, pero en este momento, coherente con su trayectoria, pretende desmantelar las contradicciones inherentes a la simbología de los espacios comisariales y la institucionalización del hecho artístico.

Durante los años ochenta y noventa, Isidoro Valcárcel Medina ha seguido trabajando en su proyecto artístico sin desmentir sus posiciones de los años setenta. Su obra ha ido evolucionando desde propuestas objetuales susceptibles de llegar a ser mercancías artísticas hasta una desmaterialización que favorece la aparición de una actitud que transforma la conciencia de la percepción no tanto en obra de arte sino en experiencia de arte. Esta actitud es la que le permite interrelacionar la vida con el arte, y el arte con una reflexión crítica y provocadora de la realidad.

Esta exposición permite la catalogación y puesta a punto de una producción artística en gran medida desconocida por el público y silenciada por la crítica a través de una publicación exhaustiva sobre su obra y un ciclo de conferencias. Con motivo de esta muestra, se editará el libro de artista Rendición de la hora.

Ir y venir de Valcárcel Medina pretende dar a conocer la obra de este artista (Murcia, 1937), uno de los artistas conceptuales españoles de mayor importancia, no tan sólo históricamente, sino también como referente artístico de una nueva generación de jóvenes creadores. El proyecto de la Fundació Antoni Tàpies se articula en torno a tres ficheros convencionales de grandes dimensiones que recogen diferentes tipos de documentos, a través de los cuales se desarrollarán varios "argumentos".

Ir y venir

Durante algún tiempo anduve intentando convencer a Valcárcel de que hiciéramos juntos una exposición antológica sobre su trabajo. Desde un principio manifestó su desacuerdo con la idea de reunir en una sola muestra obras ya realizadas. Cosas viejas, fueron sus palabras exactas. Para él, como ocurre de una manera tácita con todo el arte heredero de la vanguardia, sus obras no son tanto depositarias de un sentido como portadoras de una función, meros documentos de algo que ellas no son. El problema, en esta ocasión, radicaba en el hecho de que habiendo dedicado todo su empeño en hacer un arte del sentido común, no alcanzaba a comprender, sin contradecirse, el valor de repetir lo que ya había cumplido su función. Así las cosas, le propuse realizar una obra nueva que nos permitiera hacer una publicación en la que, aquí sí, se hiciera una memoria documentada de toda su trayectoria. Ahora el único requisito sería que asumiera como tema la idea de un arte de la gente y la idea de viaje, dos conceptos de siempre centrales en su obra. [...] La obra en cuestión, Ir y venir, cumple de manera precisa, aunque inesperada, con aquello que se le demandaba. De una parte, la propia muestra, concebida como una exposición en tránsito, se traslada de lugar y pasa por tres estaciones: Barcelona, Murcia y Granada. Lo hace, además, sin repetirse, constituyendo cada una de sus paradas un momento distinto, pero a su vez final, de un mismo trayecto. De otra, la instalación, constituida por tres ficheros en hilera de 5,5 metros suspendidos del techo, exige del usuario un traslado corporal para su manejo. Como ocurre en todos los sistemas de archivo tradicionales, aquí también el desplazamiento espacial apela a un movimiento de otro orden, el que nos transporta por el tiempo y dibuja las trazas de nuestra memoria. Un desplazarse, pues, que es a su vez un viajar a través de esos almacenes del olvido que son nuestros sistemas de registro. [...] Memoria común dispuesta para un uso privado y memoria privada, la del artista sobre su obra, ofrecida para el uso común. [...] Este Ir y venir sería un ejemplo más de ese fugarse en el tiempo, de ese dejarse llevar para no moverse que caracteriza su obra, sólo que en este caso ha sido su propio trasiego el que ha pasado a convertirse en tema.[...]

Extractos del texto de José Díaz Cuyás, "Ir y venir", Ir y venir de Valcárcel Medina (Barcelona: Fundació Antoni Tàpies; Murcia: Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, Dirección de Proyectos e Iniciativas Culturales; Granada: Centro José Guerrero de la Diputación de Granada): 8-9.

http://cultural.abc.es/historico/semana-146/fijas/arte/exposiciones_012.asp

 Muy recomendable esta entrevista y texto:

http://www.uclm.es/cdce/sin/sin1/s1valc.htm 

"Allende La Puente" exposición fotográfica, videográfica y arte sonoro. Comisariada por Txema Agiriano y coordinada por MEM, presenta la obra de los artistas Txema Franco, Jaime Gartzia, Ignacio Saez, Felipe Uribarri, Baseline y Rinus van Alebeek.
Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao (San Francisco, 14. Iglesia del Corazón de Maria) Desde el 2 hasta el 21 de octubre. Inauguración el martes 2 a las 20 horas. Estais todos invitados.

Esta exposición se enmarca dentro de los actos que bajo el nombre de Bilbao La Vieja, Puente a la Cultura, el Ayuntamiento a organizado con el fin de dar a conocer el barrio de Bilbao La Vieja, San Francisco desde un punto de vista cultural. del día 3 al 5 de octubre DK muralismo se encargará de realizar 3 murales (Muelle de la Merced, La Merced y Plaza del corazón de Mª). El 13 en Bilborock actuación de Smile. El día 8 conferencia "origenes de San Francisco". Día 10 conferencia "Los puentes"... El 18 actuación de Lethargy en el Museoa las 21 h.y mucho más...

El MEM se presenta éste año en Washington DC (E.E.U.U.)

El festival de arte, música y nuevas expresiones de vanguardia MEM de
Bilbao ha sido invitado a participar en el festival Sonic Circuits de
Washington DC, que tendrá lugar entre el día 7 y el día 23 de Septiembre
de 2007 en diversas salas y centros de arte de Washington DC

El MEM viajará a Washington con los artistas Xedh, Baseline, Oier
Etxeberria y Ramón Churruca. También habrá una proyección de videos y una
conferencia a cargo de Txema Agiriano analizando el arte sonoro en Euskal
Herria

http://dc-soniccircuits.org

El pasado día 5 de Julio 2007 nos sorprendió la noticia en los periódicos donde se anunciaba la suspensión de la exposición de Morquillas en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, programada para ser inaugurada en Octubre.

José Ramón Sainz Morquillas (Barakaldo, 1947) artista polifacético de obra experimental ha sido además crítico de arte en los diarios Egin, Deia y Punto y Hora. También ha impartido cursos sobre Arte y Política en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, diseñado catálogos, carteles y libros y ha publicado poemas. Uno de los agitadores culturales más importantes desde finales de la década de los años sesenta que alcanzó en los ochenta una significación muy acusada. Por entonces dirigió la sala de exposiciones de la CAMB de Elcano de muy grato recuerdo. Sus obras son montajes (escultóricos o en forma de collage) que tienen como tema principal el hombre y su entorno. Por otro lado, intenta plasmar con su labor artística las complejas relaciones existentes entre la política y el arte. En muchas de sus creaciones existen referencias a Beuys, Duchamp y Picabia. La exposición programada “L’air du temps”  en el Museo de Bellas Artes resume con obras especialmente creadas para la ocasión, su trabajo más logrado en el campo de la crítica social, política y cultural, así como la relación que el artista establece entre arte y política.

Hoy recibimos el siguiente comunicado por parte del artista:
Supongo que la pasada semana os habréis sorprendido por un comunicado del museo de BBAA de Bilbao aparecido el día 5 en diferentes periódicos (Correo, Deia, Mundo, País...), suspendiendo mi exposición unilateralmente por el señor Viar -director del
museo- por motivos inexistentes, absurdos y peregrinos. Se ha pretendido maliciosamente asociar este asunto por él, a una petición de dinero por mi parte, cuando la única realidad -como describo en la nota- es que ni cobro ni he cobrado un duro por realizarla.

Estas cuestiones y dichos que pretenden dañar mi imagen, persona y exposición son rotunda y completamente falsas. Te adjunto el comunicado con que he respondido ante la prensa. Te agradecería su divulgación.

Espero que podamos vernos en la inauguración.

Suerte.

Comunicado a la prensa:

Se ha solicitado al museo en numerosas ocasiones, a tenor de los acuerdos firmados el 15 de Noviembre de 2004, que proporcione los medios y recursos económicos que se comprometió a aportar para sufragar el coste de la muestra. Por razones desconocidas
los ha negado, impidiendo y dificultando la entrega de diversos materiales imprescindibles para la realización de la exposición. Todos ellos estaban incluidos en las cantidades que el museo se obligó a aportar y no añadían incremento alguno a su debida aportación. Dicha actitud, al margen de intenciones ocultas, no es otra cosa que un incumplimiento de sus obligaciones contractuales.

Pese a estas dificultades y reticencias continuas que han impedido la realización de los trabajos que componían la exposición, siempre ha sido nuestra intención superar los problemas e inconvenientes que la impericia del museo ha situado frente a ella.
Así, se ha continuado trabajando en la misma, en la esperanza de que cumpliese sus compromisos. Nuestras esperanzas se han visto defraudadas.

Las persistentes dificultades han ido en aumento hasta el extremo que al día de hoy, 7 de las 10 esculturas que se integran en la muestra no han podido realizarse debido única y estrictamente a la negativa, retención e inmovilización que el museo ha ejecutado. Requerido continuamente para que explicase los motivos, nunca se ha dignado responder (Es significativo al respecto -especialmente para una exposición de producción propia- que durante los cinco años de trabajos, la comunicación y el
contacto personal con el Sr. Viar se remitan única y literalmente a dos iniciales minutos protocolarios).

Con la manifiesta voluntad de realizar la exposición pese a todos los inconvenientes descritos, el comisario Iñigo Sarriugarte y yo mismo mantuvimos una reunión con José Julián Bakedano, subdirector del museo, pues la fecha de alquiler del estudio proporcionado por el museo vencía improrrogablemente, y los materiales no habían sido suministrados por el mismo impidiendo la realización de las obras. La única solución consistía en la entrega inmediata de los materiales necesarios para realizar las obras y que tras ello, dispusiese un nuevo local de trabajo para dar
continuidad y futuro a la exposición en la fecha prevista. Dado que la situación se había originado por la falta de provisión del museo, a este deberían corresponder los gastos. Tanto el Sr. Bakedano, como el comisario Sr. Sarriugarte, yo mismo y otras personas buscamos un nuevo espacio de trabajo y montaje que permitiese además fotografiar las obras para su reproducción en catálogo. El museo recogió y depositó transitoriamente las obras en un almacén, a la espera de su traslado al taller definitivo. Mientras, el Sr. Bakedano sometía la propuesta al Sr. Viar para su aprobación.

A partir de aquí, todo es conocido. La respuesta del Sr. Viar -de la que soy informado por prensa- suspendiendo unilateralmente la exposición, alegando que era una exigencia injustificable, un interés mío por el dinero y otros etcéteras aparecidos en los periódicos, de escasa y difícil justificación ética, moral y personal, es asunto que solo posee la virtud de situar con extrema precisión a la persona que la otorga.

Nada de lo vertido en los diarios es cierto, ni admitimos la suspensión. Mi interés y obligación es la de continuar con el proyecto de exposición. Ni se ha pedido más dinero, ni se ha pedido más financiación, salvo los gastos imputables u originados por la supresora gestión y su falta de provisión. Nunca. Tampoco se ha sobrepasado el presupuesto aprobado en ningún modo o manera. Nunca se ha cobrado nada por mi trabajo, ni han sido abonados los gastos personales y de materiales, aprobados, autorizados y contemplados en la dotación económica obligada y prevista. Todo lo publicado es completamente falso y no tiene otro propósito que dañar y destruir mi imagen, mi persona y los contenidos de la propia exposición y el catálogo.

Por el contrario, esta extraña e ilógica respuesta con disfraz intransigente, acompañada de numerosas interferencias y cuestionamientos vertidos sobre la tipología y la intencionalidad de las obras, cerriles e incultas, impropias de un museo de arte que contrariamente debiera educar sobre estas cuestiones y propósitos, solo encubre un ejercicio censor puro y duro, motivado por mi negativa a firmar un documento de autocensura que por una parte pretendía exigir el silencio de mis palabras e ideas tanto antes como después de la exposición, y por otra anular
expresamente mi control sobre la imagen de la misma. Rechazado tajantemente este, se me volvió a reenviar para su firma, incluyendo nuevamente la exigencia de ambas renuncias, a mi palabra -conseguir mi silencio perpetuo- y al control de mi exposición y los cientos de textos que la integran- permitir la exclusión de obras o literatura 'molestas'-. Mi negativa a tal despropósito ha sido la espoleta que ha puesto en marcha toda esta operación de acoso y derribo de mi persona y de la exposición. Recuérdese, que mi exposición es proyecto de Mikel Zugaza y no de Javier Viar y que este último no es la primera vez que se asocia a la censura; vuélvase a recordar que en anterior muestra, donde él ejercía de comisario, se censuró la obra
con que participé. Obviamente, el objetivo de todo este proceso no es otro que impedir y ocultar los contenidos de la exposición y esconder la visión de una gestión absurda y deficitaria.

Sr. Viar:

No admitimos la suspensión. Frente a su decisión unilateral de interrumpir la exposición justificada en causas inexistentes o peregrinas, instamos al museo que cumpla sus obligaciones contractuales y proporcione de una vez por todas los medios materiales a los que está obligado por contrato para poder dar continuidad a la misma.