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El arte al servicio de la revolución

Tras agitar conciencias durante todo el verano neoyorkino, ésta misma semana se clausura en el modernísimo New Museum del Bowery la exposición Emory Douglas: Black Panther. Aproximadamente 165 obras, entre carteles, periódicos y grabados, realizadas entre 1967 y 1976, los años más activos del partido de los Panteras Negras. Arte al servicio de la política.

A pesar de tener 40 años, las obras de Emory Douglas siguen impresionando tanto como cuando se crearon. Al entrar en la galería del museo nos recibe un mural representando una joven mujer negra armada con un fusil voceando “The Black Panther”, el periódico semanal del partido Black Panther.

Cautivado por estas imágenes fue como Sam Durant, comisario de la muestra, contactó con Emory Douglas. Durant es artista y profesor del California Institute of the Arts (CalArts) una escuela de arte creada por Walt Disney con la idea wagneriana del Gesamtkunstwerk (obra de arte total) aglutinando música, teatro y artes visuales. Como artista la obra de Sam Durant investiga la utopía y su fracaso en relación con los movimientos contraculturales y de protesta en la historia política americana.

Emory Douglas nació en 1943 en Grand Rapids, Michigan y se transladó con su madre al área de la bahía de San Francisco con ocho años al serle diagnosticada una enfermedad pulmonar. Allí hizo carrera como delincuente juvenil lo que le llevó al reformatorio de Ontario (California) donde trabajó en la imprenta del centro. Al salir de allí, la asistencia social, en vista de que tenía cierta aptitud para el dibujo, le ofertó estudiar comunicación gráfica en el City College de San Francisco, por entonces uno de los mejores college en éste campo. En la universidad participó en la asociación de estudiantes negros para los que realizó carteles y flyers. Tras un mitin de los Black Panthers en su campus, Emory decidió unirse a ellos.

Por entonces los líderes Huey Newton y Bobby Seale manejaban la idea de crear un semanario del partido e intentaban reclutar buenos fotógrafos para la parte gráfica. En los años sesenta y setenta la comunidad negra no era una comunidad lectora, por tanto el periódico debía tener muchas imágenes. Un día, en el centro cultural de los Black Panther, Douglas encontró a  Bobby Seale intentando dibujar los titulares para el periódico. La incapacidad del líder para estas tareas era más que evidente, así que Emory se ofreció para hacerlo él. Al ver su trabajo le pusieron el título de “artista revolucionario” y decidieron que las ilustraciones de Douglas serían una parte importante del periódico. Al poco de comenzar a publicar el semanario, Emory fue nombrado ministro de cultura de los panteras negras, por tanto uno de los principales líderes y encargado, entre otras cosas, de toda la parte gráfica.

La publicación Black Panther con un tirada que llegó a los 400.000 ejemplares semanales, se distribuía por todo Estados Unidos y poco después también por buena parte del mundo a través de la OSPAAAL (Organización de Solidaridad de los Pueblos de África, Asia y América), organización internacional con base en La Habana. 

Los dibujos y collages de Douglas aparecían ilustrando las noticias del periódico y cada semana se publicaba también una obra suya a toda página como contraportada. El éxito de estas contraportadas, que los jóvenes reproducían muchas veces a modo de mural en las calles, hizo que también fueran impresas desde el propio partido como grabados, postres y postales. Son imágenes con fuerte carga política, con un lenguaje gráfico avanzado, creadas para cambiar el mundo y que aun hoy conmueven.

Aunque el trabajo de Emory Douglas nos sorprenda por lo directo él no fue el primero en practicar un arte crítico y dirigido a cambiar la sociedad del momento. El francés Honoré Daumier lo hizo en el periódico político satírico Le Charivari y fue encarcelado por una caricatura que realizó del entonces gobernante Luis Felipe I de Orleans.

El inglés William Hogarth, a principios del siglo XVIII, fue también un gran crítico de las costumbres y políticas de su época. La alemana Käthe Kollwitz fue una artista gráfica fuertemente comprometida con sus ideales antibelicistas.

Otro artista alemán, revolucionario y comprometido fue el dadaísta Georg Grosz. Tras luchar en la primera guerra mundial se hizo pacifista y dedicó su arte a la crítica de sociedad y gobierno, por lo que fue sancionado en repetidas ocasiones. Sus grotescas caricaturas con cerdos y ratas marcaron de forma notable a Emory Douglas.

El periodo de la republica de Waimar fue muy prolífico en lo que a artistas revolucionarios se refiere. El más influyentes para todos los que vinieron después fue el dadaísta John Heartfield. De nombre real Helmut Herzfeld cambió su nombre en protesta por ser alistado de forma obligatoria para combatir en la primer guerra mundial. Fundador junto con su hermano del partido comunista alemán, al acabar la segunda gran guerra vivió en la Republica Democrática Alemana. Es uno de los más importantes artistas del fotomontaje y dedicó la mayor parte de su obra a la revolución y a la crítica del nazismo.

Pero el paralelismo más impresionante no es el que une a Emory Douglas con estos artistas ni tampoco con afroamericanos como Elizabeth Catlett, Sargent Claude Johnson, Ruth Waddy o Charles White, sino el que le une al valenciano Joseph Renau. De familia humilde e ideas revolucionarios fue fotomontador, muralista y llegó a Director General de Bellas Artes en los años de la Guerra Civil. Un verdadero ideólogo, convencido del poder del arte para hacer política.

 Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 16 octubre 2009

NEW YORK BILBAO TOKIO BEIJING 

Malo Muy Malo, exposición, obra sobre papel. Galería Garabat y Librería Anti. Del 2 de octubre al 4 de noviembre de 2009

Un universo moderno de sucesos y tendencias se ha colado en la bilbaína galería Garabat a través de las historias del día a día contadas a través de irónicas, hirientes y colorísticas ilustraciones post-pop presentadas por la marca y plataforma artística de Julián Vallejo y Elena Ascarza. Historias que nacen en los años ochenta y avanzan en el siglo XXI.

Malo Muy Malo es hijo de la modernidad de los años 80. Del estudias o diseñas. Del artista postmoderno. De las luces y el glamour de la movida madrileña. De Ceesepe, de Victor Coyote y de La Edad de Oro de Paloma Chamorro. Del Madriz y de La Luna. De los nuevos artistas renacentistas, que lo mismo te pintan un cuadro, escriben una novela o te diseñan una camiseta. Del Bilbao sucio y gris de antes de las inundaciones y por supuesto antes de los efectos guggenheim. En la prehistoria de Malo Muy Malo encontramos el mítico fanzine punk bilbaino Sorbemocos del cual Julián Vallejo era uno de sus responsables. En aquellos años conocimos también la faceta del Julián pintor, muy cercano a la iconografía de la movida madrileña y participante destacado de la movida bilbaína.

Por entonces Antonio Huerga desde Ediciones Libertarias comienza a publicar a los literatos de la Movida. En éste contexto, en 1986 Julián Vallejo ve publicada su primera novela “Mano blanca o mano negra según el detergente que use tu suegra”. Después, en 1989, publicará “No me mires de soslayo que no soy un malayo”. En 2000 y ya en Malo Muy Malo “Comunión”, una paródica novela negra bilbaína donde drogas y ex jugadores del Athletic son protagonistas.

Vallejo es también diseñador y junto a la experta en marketing Elena Ascarza en el año 2000 fundan Malo Muy Malo como plataforma artística a través de la cual dar salida a sus creaciones. El mundo de la moda está en pleno auge y Malo Muy Malo creará una línea de camisetas. Dicen las crónicas del momento que el objetivo era pagarse un viaje a su querido Tokio y que lo consiguieron. Lo que al final no pudieron conseguir fue la camiseta de Yoshitomo Nara. Se habían agotado. El éxito de sus creaciones en moda fue creciente. Como decía Julián, no todo el mundo puede permitirse un cuadro, pero si una camiseta. En 2004 comienzan sus colaboraciones en la revista Etecé, la revista de tendencias de Amasté. En 2006 a través de la plataforma Selección Lab, gestionada también por Amasté, exponen en la galería Espacio Marzana su por entonces última colección de moda. Antes de ésto también han dado imagen –en un par de ocasiones- al ya mítico bar Irrintxi de la calle Santa María del Casco Viejo bilbaino. Pintxos, diseño and friends. Recientemente han creado una sugerente línea de productos para el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Buscamos el artista total, el nuevo artista renacentista que se propugno en los 80 y que tenía en Andy Wahol el modelo a seguir. Cuando en enero de 1983 Warhol desembarcó en el Madrid de la movida de alguna manera le dio carta de reconocimiento. Los dibujos de Malo Muy Malo recuerdan los dibujos de zapatos que hacía Warhol a finales de los años cincuenta y primeros sesenta. Obsesión fetichista por los zapatos. El protegido de Warhol, Jean-Michel Basquiat y sus cuadros en los que se cuentan historias, será el otro gran referente.


“OJO X OJO Y DIENTE X DIENTE” es el título que Malo Muy Malo han elegido para su nueva exposición.  Treinta y un dibujos en Galería Garabat y dos en la Librería Anti. Para aquellos que no puedan ir a la exposición y especialmente para aquellos que disfruten del arte de Malo Muy Malo pero su condición económica no le permite llevarse los originales a casa, simultáneamente han editado un libro que recoge todos estas ilustraciones, y bastantes más, al módico precio de 15 €. Malo Muy Malo siempre pensando en todos.

Estas ilustraciones narrativas, con toques kitch y naif –atención a los estampados en las ropas de los personajes- nos inquietan con sus historias. A la vez  nos producen una pequeña sonrisa de complicidad. Cosas de la vida: no regales ropa jamás. Una narración dibujada de lo que acontece o pudiera acontecer en el universo moderno.

Un universo que miró en los ochenta a New York y miraba hasta hace nada al Tokio de Yoshitomo Nara. El, con sus ilustraciones bizarras, perversas y naif ha sido el artista de culto en el mundo pop.

Hasta hace pocos días disfrutábamos en Getxophoto de las historias fotografiadas de los jóvenes artistas chinos Liyu + Liubo. En ellas recrean la crónica de sucesos de los diarios de su país. Una crónica que por chocante muchas veces nos parece irreal. Ellos, como muchos otros artistas de su generación, nos muestran una nueva y moderna China. Desde que en el año 2000 el gobierno chino decidió apoyar y permitió salir del underground a los nuevos artistas, lo más cool, lo más nuevo y lo más interesante nos llega ahora de aquel lejano país. Jóvenes artistas cargados de humor e ironía abren un nuevo y fresco camino en el siglo XXI. Tokio fue el nuevo New York y hoy Beijing es el nuevo Tokio.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari. 9 Octubre 2009

 Maiana Agorrody: el dibujo como arma secreta

Dentro del panorama del arte vasco actual pocas veces tenemos la oportunidad de toparnos con trabajos tan frescos y con una iconografía tan actual. Perfectamente realizados, estéticamente muy interesantes y a la vez repletos de explícito contenido. Un trabajo de riesgo que se convierte en un auténtico grito en la galería.

La artista de iparralde Maiana Agorrody expone sus dibujos en la Galería Garabat (C/ 2 de Mayo, 19. Bilbao) hasta final de mes. Agorrody lleva viviendo en Bilbao desde 2006. Además de artista es también directora de la empresa de producción MY JOK WORLD S.L, productora y guionista del programa BURP! de ETB3 y diseñadora de su propia marca de camisetas MY JOK. Maiana, que también trabaja con el sobrenombre de Lady MY, en 2007 fue artista residente en BilbaoArte y en el verano de ése año, con una ayuda de Le Salon du Prêt á Porter de París y con motivo de las elecciones presidenciales francesas desarrolló el proyecto Vote Panda. Vote Panda era una reflexión cargada de ironía sobre las estrategias de comunicación de los políticos en formato de cárteles dibujados con tinta india negra, pintura acrílica de colores y papel de aluminio.

En aquella ocasión eligió un personaje, un oso panda que representaba un candidato a las elecciones presidenciales. En sus dibujos nos hablaba de corrupción política. Aquel proyecto se presentó en diversas galerías y espacios como Iguapop Gallery de Barcelona, Pantha Rhei de Madrid, en el Museo Guggenheim de Bilbao y en Le Salon du Prêt á Porter de París.

En su nueva exposición ésta provocadora amante del cómic underground sigue utilizando el humor y la ironía para lanzar su mensaje al espectador.

El grueso de la exposición lo conforman dibujos a tinta negra, realizados con pincel, y donde a modo de pan de oro incluye muchas veces trozos de papel de aluminio. En ésta exposición también ha incluido algún trabajo de otra serie y presenta también un dibujo realizado en la propia pared de la galería. Prácticamente todos los dibujos incluyen textos que hacen referencia a lo representado.

El tema elegido son las relaciones entre hombres y mujeres como una relación de poderes. Agorrody ha destapado un lado más duro. Referencias explicitas al sexo y a las relaciones de pareja y a las relaciones entre hombre y mujeres donde ella es protagonista y heroína y su oso panda y otros personajes como Mister T o Patxi Lopez comparten protagonismo. Siempre con un toque de humor, mucha ironía, pero no dejando por ello de insistir en lo que quiere decir. Si hasta ahora siempre había resultado amable aunque provocadora, ahora ha dejado la amabilidad de lado y opta por incomodar al espectador, algo a lo que los amantes del arte aun no acaban de acostumbrarse. Se autorretrata desnuda, haciendo con malicia una felación a su querido oso panda o como objeto de deseo del político o del personaje televisivo. En cuanto al estilo tampoco nos puede dejar indiferentes. Su línea en ésta exposición es muy cercana a los dibujos monocromos de Raymond Pettibon, a quienes los aficionados a la música reconocen por las portadas de los discos de Black Flag y Minutemen o especialmente por la carátula de Goo (1990) de Sonic Youth. Los aficionados a las artes visuales por exposiciones como la retrospectiva que el MACBA le dedicó  en 2002.

Lady My produce un programa gamberro pero amable para la televisión pública y hasta ahora había diseñado camisetas con un oso panda como protagonista que se venden en boutiques modernas y centros de arte. Un trabajo con gracia y más socarronería de la habitual en nuestra sociedad pero obra amable al fin y al cabo.

En ésta ocasión Maiana a arriesgado lo suficiente para poder permanecer en el underground para siempre o para despuntar como una nueva artista controvertida. El underground lo tenemos cerca y no parece que quienes manejan los hilos estén dispuestos a que salga de ahí aunque quiera. Aun hoy es el día que cuando el Plan Vasco de la Cultura analiza las galerías de arte bilbaínas no incluye en él las más cercanas al street art o al arte de la calle, como las tres con las que actualmente cuenta Bilbao –tres magníficas galerías con exposiciones de gran calidad en el barrio de San Francisco-. ¿Acaso no es arte contemporáneo lo que presentan?

Las cosas avanzan pero no igual de rápido en todas partes. En 1992 la exposición “Helter skelter” en el MOCA de Los Angeles llevó el arte que venía del underground y que tenía la provocación, el sexo y la política como bandera a la institución Museo. Así obtuvo su entrada en ésta institución el norteamericano Raymond Pettibon dibujante creador de portadas y carteles para los grupos del sello de punk de vanguardia californiano SST.

En 1992 nace en New York la Alleged Gallery, cuna del street art y que su promotor a hecho aun más famosa a través del film y exposición “Beatiful Losers” que ha girado por los principales centros de arte del mundo entero. A su historia se asocian artistas como Terry Richardson, Larry Clark o Shepard Fairey, más conocido como Obey y creador de la famosa camiseta utilizada en la campaña de Obama. Será la consolidación de éste arte con clara influencia del cómic y enraizado en el do it yourselve. Tal vez Warhol y algunos de su círculo como Keith Haring o Jean-Michel Basquiat abrieron años atrás cierta brecha, pero no es hasta los años noventa en Estados Unidos cuando empieza la verdadera aceptación de éstas obras como verdadero arte.

Aun hoy Pettibon no pude quitarse el sambenito de artista punk aunque nunca se ha considerado a si mismo como tal. Algún artista ha declarado que el street art es un souvenir para los museos. ¿Falta de estima o realidad? Espero que lo primero.

Txema Agiriano

Continúa el Ciclo de Cine y Memoria en Pulimentos del Norte

Tras el éxito del visionado la pasada semana de "El último bolchevique" de Chris Marker, el próximo Miércoles 30 de Septiembre a las 18,45 h podremos ver:

LAS VARIACIONES MARKER

Un ensayo en imágenes de Isaki Lacuesta y Sergi Dies con música original de Victor Nubla. España, 2007.

Cuenta Lacuesta:

"En Barcelona conocí al músico Víctor Nubla. En 1984 se encontró una pieza de puzzle en el suelo de la plaza Raspall, y la recogió. Hoy tiene una enorme colección de piezas encontradas, y su música, cada día, es más parecida a esa colección. Fue Nubla quien me enseñó que, según el diccionario, ‘componer’ significa, literalmente, ‘formar una unidad a partir de fragmentos diversos, reparar lo descompuesto, encajar piezas de un puzzle’. Nubla es un compositor de sonidos encontrados, sonidos que él saca de la radio cerrando los ojos, como si fueran las cartas del tarot. [...] Ahora pienso que quizá la mejor forma de hacer una nueva película de Chris Marker sea dejar que el ordenador haga honor a su nombre. De hecho, en los años 90, Marker inventó un programa que ordenaba sus planos al azar, y que, por tanto, creaba nuevas e infinitas películas de Marker. Hace rato que he pulsado la tecla random play para dejar que sea mi ordenador el que decida, que mezcle como quiera las piezas de este puzzle. Yo no he montado estas imágenes. Son un puro Chris Marker, hecho por Chris Marker."

 OPEN MEM

http://memoriatecnologica.blogspot.com/

PULIMENTOS DEL NORTE

OTOÑO CALIENTE EN BILBAOARTE

BilbaoArte (Urazurrutia, 32 - 48003 Bilbao) nos propone un otoño caliente cargado de todo tipo de actividades. Tras la magnífica exposición de Alain M. Urrutia -muy bueno su dispensador de paisaje, al final de la sala de exposición- abierta hasta el 26 de septiembre, el viernes 2 de Octubre  de 20 a 23 h  Aida Ulibarri (una de sus creaciones en la foto) presenta  una performance-pase de moda. 

Para el 9 de Octubre anuncian el intercambio con el KUNSTHAUS BREGENZ (AUSTRIA). También el 9 de Octubre y hasta final de mes, en la sala de exposiciones Sra Polaroiska presenta "The physical destruction. TOGETHER TO DESTROY".

Del 19 al 30 de Octubre seminario de pintura con Inés Medina.

Del 3 al 6 de Noviembre -dentro del festival MEM- un interesantísimo Workshop de Cine Experimental con el colectivo parisino Collectif Négatif. Ya está abierto el plazo para inscribirse. Plazas muy limitadas.

El 13 de Noviembre inauguración de la exposición del jóven pintor Albert Albor.

Del 25 al 27 de Noviembre -y también con motivo del festival MEM- el divertido y práctico Workshop e-pintxo con Gulalab (Marco Bellonzi y David Casacuberta de la Universidad Autónoma de Barcelona). Programación, cocina de vanguardia y pintxos. También nos podemos ir inscribiendo.

El 18 de Diciembre se inaugurará la ya clásica jornada de Puertas Abiertas.

Todo ello en BilbaoArte.

Los Trembleators, Amparo Badiola y Nick Burge

Estos días la pareja formada por la coreógrafa bilbaína Amparo Badiola y el músico londinense Nick Burge, también conocidos como “Entretenidos”, presentan en el Festival Internacional de Manchester (MIF), los cuatro nuevos instrumentos musicales que durante los últimos seis meses han estado inventando y fabricando artesanalmente en BilbaoArte.

A primero de Julio de 2008 en BilbaoArte, los noruegos Sindre Bjerga y Jan Morten impartieron un workshop en el que bajo el título de Home Crafted Sonics los alumnos participantes fabricaban objetos sonoros a partir del reciclaje y manipulación de todo tipo de artilugios. Allí, mientras soldábamos pequeñas chapitas de metal para crear nuestros propios micrófonos de contacto, conocí personalmente al artista sonoro y bailarín inglés Nick Burge y me habló de sus Trembleators.

Nick nació en Londres en 1954, allí estudió danza clásica y claqué en la escuela de Andrew Hardie para pasar a estudiar danza contemporánea a la London School of Contemporary Dance. Completará estudios en Estados Unidos donde bailará con el Houston Ballet y con el The Joffrey Concert Group, el grupo de danza creado para mostrar en gira por todo aquel país, el trabajo de los estudiantes más avanzados de la prestigiosa escuela neoyorkina Joffrey Ballet School. De vuelta en Gran Bretaña baila con Janet Smith & Dancers (la compañía de la desde 1997 directora del Scottish Dance Theatre) y con la compañía English Dance Theatre. Es a partir de 1989 cuando empieza a crear música electrónica para danza. Por entonces es también cuando conoce a Amparo Badiola –que había marchado a vivir a Londres-. Él le impartirá clases de claqué. Amparo Badiola además, ha estudiado danza jazz y danza contemporánea con el coreógrafo británico Mathew Hawkins, y por si fuera poco es médico, especializada en medicina deportiva. Bailan juntos desde entonces, hasta 1994, cuando deciden tener familia. Nick estudiará por aquel tiempo sonido en el London Collage of Printing y al poco comienza a trabajar en Sadlers Wells como técnico de sonido para teatro. En 2003 deciden venir a vivir a Bilbao y desde entonces vuelven a crear juntos diferentes coreografías.

Volviendo al trembleator, Burge, su inventor explica que la idea parte de una cajas de resonancia creadas para bailar claqué sobre ellas. A estas cajas de resonancia decidió incorporarles micrófonos de contacto, con el fin de poder amplificar su sonido. Posteriormente les aplicó nuevos artilugios mecánicos que responden a los movimientos de los bailarines y que enriquecen sus sonidos. En ocasiones se trata de amplificar, en otras de transformar sus sonidos a partir de elementos electrónicos. La siguiente sería hacer que la caja se abra y pueda ser tocada como un nuevo instrumento de percusión.

Con sus dos primeros trembleators Badiola y Burge presentaron su pieza de danza “Entretenidos” en Bilbao. En Octubre de 2007 estuvieron en el BAD y en Enero de 2008 dentro del programa Zer(k)nias en La Fundición. En Junio de 2008 dentro del Festival Internacional de danza en paisajes urbanos y muestra de video Lekuzleku deciden convertirse por un día en trio. Burge llama al músico y compositor británico Craig Vear con quien colabora regularmente en el proyecto Stretch –una instalación interactiva que incluye escultura, danza, música y video- dirigida por la artista plástica Sophia Clist. Vear colaborará tocando los trembleators.

En su danza los dos personajes (Badiola y Burge) se sirven de estos instrumentos para embarcarse en una búsqueda de sonidos. Es una danza sonora. Mientras, se relacionan entre ellos. Ellos se buscan en el otro, anhelan su reflejo, evitan mirarse cuando se tocan. Pausas. Silencio. Sobre todo se escuchan. Y así se mantienen entretenidos.

Pero Amparo y Nick no querían acabar aquí con el tema de sus instrumentos inventados, así que solicitaron una beca de BilbaoArte –que les fue concedida- y en los últimos meses no han parado de trabajar en su taller. Allí la cosa ha ido más allá y los trembleators han evolucionado y han tenido familia. Se han convertido en esculturas sonoras. Les han incorporado patas, un banquito para sentarse, una piel artificial que los hace más glamourosos, luces, algunos juguetes electrónicos sonoros, una especie de theremin que parece funcionar con la luz,… Y ya de paso han inventado otro par de nuevos intrumentos y han añadido video a su presentación. Los trembleators han adquirido definitivamente la categoría de escultura sonora, naturalmente interactiva.

Según me comentaba Amparo, entre sus próximos proyectos está el de organizar workshops para enseñar a utilizar el trembleator. Se harían talleres para músicos, talleres para bailarines, talleres para niños. La improvisación resulta interesante, pero hay que aprender a improvisar primero. Los trembleators puden crear infinidad de sonidos, pero hay que conocerlos. A través de un pequeño aprendizaje, quienes participen de su performance o admiren sus esculturas sonoras, podrían utilizarlas a modo de instrumentos de una forma creativa aportando sus propias ideas.

Si aun no has visto los trembleators, no te preocupes, estate atento y seguro que tienes la oportunidad. De momento éste mes de Julio, que a pesar de la crisis, es tiempo de viajar, si te pasas por  Manchester, en su festival internacional (MIT), podrás encontrarte con el exquisito trabajo de Badiola y Burge, pero además podrás disfrutar con el debut operístico de Rufus Wainwright; un doble concierto con Kraftwerk y Steve Reich; una exposición de arte comisariada por Marina Abramovic, una procesión organizada por el artista Jeremy Deller y muchísimas otras cosas destinadas a un público inquieto.

Más información sobre el Festival en http://www.mif.co.uk

Txema Agiriano

SOFT POWER. Arte y tecnologías en la era del biopoder
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Soft Power es un programa de actividades sobre la interseccion entre arte, tecnología y biopolítica comisariado por Maria Ptqk para Proyecto Amarika.

Actividades de apertura: 10 y 11 de junio 2009 en Vitoria-Gasteiz
Programa completo: otoño 2009 en Vitoria-Gasteiz
Toda la información en: http://www.amarika.org/softpower/

// Actividades de apertura //

Performance “Food action. 1000 calorías: 1€” por Pierre Bongiovanni
Miércoles 10 de junio, 13h00
Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Sesión de masajes ayurvédicos por Pierre Bongiovanni
Miércoles 10 de junio de 19h00 a 22h00
Jueves 11 de junio de 10h a 14h00
Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Conferencia “Presente de la ciencia, futuro del arte” por Pierre Bongiovanni
Jueves 11 de junio, 19h00
Archivo del Territorio Histórico de Alava, Vitoria-Gasteiz 

Ertibil 2009

Desde fuera de la sala apreciamos los dibujos coloristas y simétricos de Usoa Fullaondo. Ha llenado la pared de arriba a abajo. En esa misma sala-escaparate está el óleo, deudor de la pintura de fotografía desenfocada de Richter, que Alain M. Urrutia ha dedicado a la gliptoteca de Munich. Urrutia parece no deparar que la forma de presentación de esa pintura -inclinada con unas piezas de metal- sea en realidad lo que más pueda llamar nuestra atención y lo que realmente demande unas líneas por parte del autor.

Muy cerca y en el suelo José Bilbao muestra un pequeño cubo recubierto en parte con algo que me recuerda, o tal vez sea, la cera de un panal –simbolismo en los materiales y realización pretendidamente mal acabada-. Sujeta a la pared la pequeña pieza “Gran Siglo” de Ibai Fernández-Valdés donde combina madera, metacrilato y fotografía.

Destaca en la sala, “Prometida” una potente pieza escultórica de Jon Otamendi –galardonada con el segundo premio-.

Al entrar en la sala principal llama la atención que prácticamente todas las obras de la pared derecha tengan el mismo tamaño aproximado 70 x 100 cm. Da un poco la sensación de las expos en mi colegio.

Daniel Mera presenta unas fotografías producto de una acción escultórica. La fotografía de Leire Ugalde, nos describe cómo y quien es ella. Interesante debut en las artes visuales. “Honey” de Gontzal Gutiérrez es una fotografía pixelada y desenfocada.

Como siempre, me han encantado los evocadores dibujos a tinta de Nadia Barkate.  Me ha gustado mucho también el dibujo –y el texto- de Sahatsa Jáuregui.

La manera como se ha colocado la obra de Oier Etxeberria –tercer premio- dificulta su lectura; aun así Etxeberria no defrauda y a partir de un texto de Josean Artze, Oier reflexiona, crea, investiga y juega. Sin duda de lo mejor del certamen.

Destaca plásticamente “Kezkaporta” la obra ganadora de la zarauztarra Zuhar Iruretagoiena, artista que desde su primer premio obtenido en el Generación 2008 de Caja Madrid está dando mucho que hablar, y aun dará más.

La dadaísta Alba Burgos ha pintado un retrato expresionista de su padre y le ha dado el toque con unos loros. También le veo un toque al pequeño cuadro de Marion Cruza Le Bihan.

Y siguiendo con artistas que gustan del arte con parte lúdica nos encontramos con la serigrafía sobre metacrilato, de Rosa Parma, otra de mis favoritas del certamen.

El vigués Kiko Pérez vuelve a mostrarnos unas de sus sugerentes pinturas sólo aparentemente minimalistas. Alaitz Arenzana reflexiona en su video a partir del film que narraba la historia de Karen Carpenter, se trata del trabajo que ya presentó el pasado año dentro de Talka Egin-Talking! en Zinebi.

El video de Khuruts Begoña (podemos verlo aquí: http://khube.wordpress.com/) le da unas vueltas al tema de la represión, el arte y las pajas mentales; a mi me ha gustado. ¿Contendrá el florero lo que dice contener, si es así, a ver lo que dura en la expo?

La piecita de Xavier M. Llavaneras la véo como un objeto de diseño “povera”. El video “The Searchers” de Ismael Iglesias el día de la inauguración juraría que tenía mal puesto el loop con lo que sólo repetía unos pocos segundos. Si no estoy equivocado me parece que éste tipo de cosas no deberían suceder.  Habrá que confirmar éste hecho.

 Ertibil estará en Bilbao (Sala Rekalde, Alda. Rekalde 30) hasta el 14 de junio, y finalizará en Igorre el 13 de diciembre.

copio de la página de Galeria Garabat:

http://garabat.wordpress.com/

Le dernier cri - Never is too much

Ya te puedes apuntar al workshop de baja tecnología que impartirán David Casacuberta (profesor de filosofía de la ciencia y la tecnología en la Universidad Autónoma de Barcelona) y Marco Bellonzi (artista y músico)

Workshop: Say it with Low Tech
Profesores: David Casacuberta y Marco Bellonzi Este curso presenta formas sencillas de "hazlo tú mismo" para poder incluir de forma sencilla y rápida, elementos de arte digital en nuestros propios proyectos. Introduce al alumno al low-tech (evitar buscar siempre la mejor tecnología y trabajar con sistemas a obsoletos, que facilitan un mayor control). En el workshop se ve como utilizar el error y los procesos aleatorios para obtener resultados inesperados que podamos aprovechar en nuestros propios proyectos. Muestra una vía paralela a la programación digital en arte, aprovechando errores, atajos, parásitos y otro tipo de técnicas simples que permiten trabajar directamente con la máquina sin necesidad de complejos conocimientos de programación.
http://www.santofile.org/

El workshop se impartirá los días 19, 20 y 21 de noviembre y es gratuito. Los ponentes recomiendan encarecidamente que los participantes lleven ordenador portatil. Si no tienes, coméntalo en tu email para poder solucionar el problema.
Si te van mejor los horarios de mañana puedes asistir al que imparten en la Facultad de Bellas Artes. Si te va mejor por la tarde al que imparten en Bilbaoarte.
Escribe ya un email con tus datos (incluyendo tlf. y preferencias mañana o tarde) a info@musicaexmachina.com
Las plazas son limitadas.

http://www.musicaexmachina.com

También está abierto el plazo para participar en el workshop de serigrafía artística experimental que Pakito Bolino del grupo artístico parisino-marsellés Le Dernier Cri impartirá en Tintamina los días 27 y 28 de Noviembre.
http://www.vinetasconaltura.com/vinetasconaltura/lederniercri.htm
http://www.papelcontinuo.net/210/le-dernier-cri/
http://www.lederniercri.org/
Plazas hiperlimitadas. Se creará lista de espera.
Apuntate (gratis) enviando un email con todos tus datos (no olvidar tlf y email) a info@musicaexmachina.com
Cuentaselo a quien le pueda interesar

Llega el MEM
El sábado 1 de Noviembre el MEM 08 tomó la salida en Catalogo General (Calle Santa María, Casco Viejo, Bilbao) con la inauguración de la espectacular instalación del artista Carsten Nicolai (aka Alba Noto)
y la videoinstalación de Daniel LLaría, Marión Cruza LeBihan, Kiko Pérez y Nadia Barkate (pásate con tiempo para degustar su video de 45 minutos de duración).
El domingo disfrutamos con la actuación de Lidia Damunt. En el siguiente link puedes leer la crónica del siempre punzante Oscar Cubillo 
http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20081103/cultura/hora-vermu-20081103.html
Y estos días además se estan regalando las camisetas del MEM 08
http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/ocio/gps/concursos/octubre-2008/concurso-mem-camisetas-bolsos.html

Aquí las cosas que el MEM nos ofrece para los próximos días
Ah! y en la performance del próximo sábado (Manuela Moscoso) participan parte de los Mamba Beat!

AZAROA / NOVIEMBRE

martes
Asteartea 4
19.00 · Catálogo General
Zine:
THE PHANTOM CARRIAGE de Victor Sjöström, banda sonora KTL
    
miercoles
Asteazkena 5
19.00· Catálogo General
Zine:
CROSSING THE BRIDGE: The sound of Istanbul
de Fatih Akin con la colaboración de Alexander Hacke
    
jueves
Osteguna 6
20.00 · Museo de Reproducciones
Inaugurazioa (hasta 28·XI):
DOMINGO SARREY
Performance:
ALEJANDRO PEÑA + cantaor Jorge Barroso "El niño de la muerta"
    
viernes
Ostirala 7
20.00 · Galería D-SPACIO
Inaugurazioa (hasta 28·XI):
GUY BEN-NER
    
sábado
Larunbata 8
13.30 · Catálogo General
Performance + Inaugurazioa:
MANUELA MOSCOSO

20.00 · L’Mono
Kontzertua + varios artistas:
MEM-FIM extravaganza:
PAIN JERK 
ONE MAN NATION
TECLA
Reyes Oteo
Alfredo Genovesi
Travis Flint
Sikoklouns
Aitziber Akerreta
Iagoba Moly

+ info actualizada cada día en
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El artista José Ramón Sainz Morquillas no hace llegar éste escrito en relación a su exposición
suspendida en el Museo de BBAA de Bilbao:

En Noviembre de 2007, tras suspender unilateralmente mi exposición el 4 de Julio, el
Museo de Bellas Artes de Bilbao presentó una demanda contra el artista Morquillas
alegando incumplimiento de los acuerdos contractuales. Sin ningún intento previo de
diálogo (incumpliendo otra más de las ocho cláusulas del Acuerdo) invocó
capciosamente un exceso presupuestario del 35%, tendente a justificar su acción
censora, al tiempo que reiteró su campaña de lapidación y difamación contra mi
persona e imagen. Posteriormente, pese a manifestar pública, repetida e
insistentemente que en los próximos días iba a mantener reuniones con el artista al
respecto, adujo que dichas conversaciones habían tenido lugar meses atrás (en fecha
y momento que pretendía la aprobación escrita de su censura y mi silencio);
infructuosas lógicamente, sin resultado positivo para sus intereses. Tras ello,
nuevamente, únicamente su censura y la ausencia de obligada provisión de materiales
han generado de nuevo retrasos y gastos, consecuencia directa y producto de su
actitud. El artista nunca ha pedido mas dinero, ni ha cobrado absolutamente nada por
su trabajo.

Se ha informado de esto y otros hechos delictivos a la Consejería de Cultura del
Gobierno Vasco, la cual ha tenido a bien no responder. Tras ello se ha notificado, a
la Diputada de lo mismo y al Concejal similar (los tres miembros del patronato del
Museo), además de a diversos representantes políticos. Escéptico, aun hoy espero de
ellos, análisis y respuesta sobre estos graves hechos que afectan a nuestros
derechos y libertades y a las propias leyes que aprueban y dicen defender. Actitud
similar podría encontrar justificación perversa en asuntos privados, pero no y nunca
en los públicos.

Un país es su gente, no su geografía o el impuesto ejercicio autoritario de sus
grupos de poder. Nada cambiará en mí, ninguna opción semejante alterará mi trabajo.
Estos tiempos, al igual que a favor de cualquier artista libre, trabajan a mi favor;
nos informan claramente de las variables pretendidas democráticas que componen
nuestro horizonte, de los ingredientes y porcentajes capitalistas, fascistas y
socialistas que los gobiernos colocan en nuestro cielo: In Hoc Signo Vinces.

Se le llena la glotis al político en ocasión de seguro corifeo: "La sociedad no va a
permitir..." "El estado será implacable contra los que vulneran..." "Quedará mas
claro que nunca, si es que había alguien en este país que tuviera alguna duda al
respecto, que estamos ante un juicio por motivos claramente políticos", gritaba
paradójica y autodefensivamente nuestra Consejera de Cultura en relación al
conflicto de derechos del plan Ibarretxe. Siquiera conflicto de derechos se aprecia
con relación a mi exposición. Que gigantesca y siniestra oscuridad se usa como
bandera de reafirmación del interesado si para ocultar la doblez del no. ¡Que
invalidez total incorporan las consignas!. No seré yo quien vote ahora a mi opresor.
¡Maldito uso espurio de su democracia!.

En fechas actuales, hemos respondido a su demanda de Noviembre, exigiendo el
cumplimiento inmediato del contrato y la automática presentación de la exposición.

Con ocasión de nuestra respuesta, y correspondiendo a la Institución, que al tiempo
de la presentación de su demanda, facilitó a los medios falsos e intencionados
argumentos con el único objetivo de destruir mi persona e imagen; te comunico
diversas puntualizaciones para defender mi imagen pública ante la sociedad y frente
a las difamaciones divulgadas por el Museo. Te adjunto mi respuesta ante esos hechos
y copia de la carta enviada a la Consejera de Cultura. Te agradecería la divulgación
de los mismos.:

El silencio de los pastores y el mutismo de las ovejas
 
El extenso tiempo inesperado de hibernación, ha propiciado, mas que permitir, la
redacción quinta o sexta de este nuevo neoeufemismo que doy temporalmente en llamar
queja, aunque resulte a los ojos atónita religión social de estructura
desamparadamente cierta. Cada nuevo conjunto pergeñado atiende cuestión diferente
que en el papel no acierta sino a ser similar, pese al adorno diverso que disfraza
la frontal muralla y el trasero redil. En ese aprisco-exposición se apreciarán en
galería los variados panfletos amarrados debidamente a sus estacas. No es ello
intención propia, sino trampa ajena proveniente de atávico afecto por la estúpida
oveja.

Esta ocasión, entre diversas y temporales ideas provenientes de acervo común e
incluso doctrinario, se acerca desde y tras conocimiento de reunión del
representante gubernamental del museo con la prensa. Aquel, tras sus primeros
informes tendentes a destruir el reflejo de mi imagen, se acomodó nuevamente con
esta, para transferir nueva información que presumo vieja debido a la inexistencia
de realidades posteriores. Estos cotilleos referidos, no referentes, así lo son
sólo, pues solicitó a los diarios no publicar lo que fue publicitado. La silente
orden de obediencia debida que yo rechacé -obteniendo por ello el premio de la
suspensión- y que los medios respetaron, debe apuntar pues a la inexistencia de
rotundos materiales, equilibrados escasamente en diversas metáforas o variaciones
estilísticas. La ávida balanza de los medios -no todos utilizan el mismo hierro-
permaneció inmóvil. Presumo pues, que nada nuevo debe ser presumido. Infiero que más
allá de lo dicho nada debo contestar a ello.

Cuando nada nuevo aparece en escena, mas allá de reforzar la vejez del espectáculo
añoso, que se pretende eterno si puede aparentar rendimiento o redención, brotan
ante la mirada activa el buey, el arado y el rústico pagado que por tonto y tanto
por ciento cosecha miles. Abandonemos al aleatorio y permutable actor, pues se
aprecia en su virtud necesaria, relegación de su necesidad al interior del surco
saturado en satrapía. Hablemos pues del buey que nos lleva, abandonando el
sustituible forzado al sudor y al cuervo, y el mellado acero al oxidado departamento
de reposiciones. Hablemos pues -si es permitido debido a su justa pertinencia- del
buey que nos arrastra.

Hay una borrasca básica general y común a diferentes ejemplos y proyectos: el
silencio, reforzado por afonía en atonía, manta formal y artesanal consensuada. Los
recientes asuntos padecidos -en o por, vaya usted a saber- en el museo Guggenheim
pertenecen a similar o paralelo despropósito. Así señalé en pasada entrevista el
mutismo de la falsa oposición institucional ante la obediencia debida refrendada por
el gobierno y la acordada supresión general de auditorias por aparente oposición
(¿disposición?). Ley vasca de museos, Plan vasco de cultura... relatan paralelismos
con Coslada; Tras los adornos de ambiciones varias, cruentas e incruentas, se
aprecia al perseverante funcionario o aun más allá, al culpable de la necesidad de
nuevos planes, reciclándolos en aparente actualidad para resultar y confirmar lo
mismo y mismos. Varios de los desaparecidos (estilo Rubén) cientos de textos que
incluía en el catálogo de la rechazada exposición y en la propia muestra, mas acá de
otros diversos asuntos sobre aguas mayores, señalaban con precisión y solución
tramas de similar oportunidad: Quizás por ello se necesitó de lectura visual
eliminada. Si los medios, por ignorancia, pérdida palatal o cogestión, no ofrecen
relatos que señalen esos recorridos, estéril es hacerlo en estas líneas, que por
anteriores intentos de emersión presumo nuevamente submarinas. Doy por tanto todo lo
anterior por cierto, sólido, evidente y descriptivo, como haría cualquier ciudadano
honrado que tras el opaco muro institucional, sueña y vive.

¿Dónde está el dinero público? ¿Dónde las ideas? ¿Dónde la honradez? ¿La sensatez?
¿Son acaso, por necesidades inherentes a beneficiosas estrategias de cualquier
obediencia debida, incompatibles con el sueldo? ¿Por qué se crece hacia abajo? ¿Por
qué las instituciones se defienden con la ley frente a la Justicia? Cierto
ostracismo ejecutado sobre mi persona es justo de coartada: se corresponde con el
profundo desprecio que ha tiempo abono para obtener ganancia que justifique un
futuro. Coincido con el elegante Gianni cuando señalaba que actualmente una obra que
no contiene violencia dice poco. Pero no se alarmen, contrariamente a lo que
intencionadamente señalaba cierta prensa, y pese a valorar el lanzamiento de
esculturas por la borda en esperanza cierta de encontrar nadando desnudos políticos
rezagados o torpes, no utilizo metralleta, salvo armas afines a las interrogaciones
previas, que la evidencia y la historia demuestran molestar a nuestros
representantes mas que las automáticas: ¿Dónde está el dinero público? ¿Está oculto
al interior de nuestros políticos?

El muerto al hoyo y el vivo al pollo. O a la polla, para prevenir acusaciones
sexistas. El rústico, el muerto, el pollo o la polla, serán sustituidos, todos, tras
la turca disfrazada en informe incierto y farragoso, precisamente por el proveedor
partido cómplice -un delantero buey- quien mejor que nadie conoce la dotación del
botellero, quien imprime la etiqueta y señala contenidos adecuados... Mi dosis,
siempre la misma y sin doblez, carece de ingredientes que perturben la verdad. Les
informo en siguiente párrafo de las dosis que la institución y su gobierno pretenden
contener. Notifico también los contenidos -cuando lean esto, nuestros políticos
habrán recibido comunicado puntual de los hechos-, a cualquier oposición e incluso a
algún posible ingenuo (ingenuidad básica, de diccionario: buena fe, verdad en lo que
se hace o dice) del partido; garantizo que analizar o auditar será en ello tiempo
desagradablemente divertido.

La dosis, el cóctel ofrecido por el gobierno a través de su representante político
en el museo, posee inequívocamente título viejo: El ejercicio de los derechos no
puede restringirse mediante ningún tipo de censura previa. La objetividad con que
los políticos me han obsequiado es la siguiente: Pintura de los techos del museo,
catálogos de otras exposiciones, montajes ajenos a mi exposición, materiales de
intendencia del museo que nada tienen que ver con la muestra, multiplicación
aleatoria e interesada del coste de mis necesidades, inclusión del importe de
supuestas y falsas necesidades futuras, cuantía de su destrucción posterior de
obras, falsificación de argumentos y de documentos susceptible de fraude procesal...
Ese vaso aparente de nula transparencia, donde con burbujas SuperFairy se pretende
alcanzar el borde adornado de exceso con 35% de exuberancia, no es sino mera espuma
saponaria, golpe escenográfico, raudo y violento en espumoso de baja graduación
(apenas 5%) que alcanzó precisamente ese nivel escaso, única y estrictamente, debido
a impedimentos, retrasos y nula profesionalidad del servidor. Una de las guindas
decoradas se refleja en su agradecimiento escrito al aceptar yo verbalmente una de
sus inexplicadas suspensiones de la exposición. La aceituna es hangar para
dirigibles y aviones ofrecido por el museo, transformado por mí en escasa nave para
obtener ajustado alojamiento posible previo al contenedor opaco. El limón -hubiese
preferido naranja- es la inclusión de transportes necesitados, ordenados y
realizados por el museo. El borde edulcorado consiste en añadir los gastos
pertinentes a su incomprensible destrucción de numerosas obras, ornato unilateral,
sin sentido y posterior a la suspensión, que desgraciadamente clarifica una
intencionalidad que va mas allá de sus obligaciones fundamentales como garante de
obras de arte. Mas adornos, palillos y cítricos ácidos podría señalar, pero es
suficiente por ahora para prevenir que la crueldad me agravie.

De todo ello se pretendió y pretende ingesta. Esta es la indigesta bebida servida
por el camarero gubernamental tras agitación oportuna e interesada, por expresar mi
intención y convicción de no tragar su infame liquido, de no silenciar mi palabra de
por vida, como autoritariamente y quizás inconstitucionalmente se me exigió firmar.
Cualquier bebedor (incluso abstemios) puede observar que la bebida es y será
repugnante por sus excesos en dinero, futuro e imagen; salvo el político incólume,
que siempre advierte que sólo se baraja dinero público, irrelevante por tanto para
quien no desvíe su carrera, no ensucie su dorsal homologado, ni descuide su mirada
atenta y cuidadosa sobre quien se aproxima cabalgando en los vientos temporales.

Podríamos entender actitud similar en cuestión privada, pero cuando es el
representante o delegado del gobierno quien utiliza sistemáticamente la mentira para
defenderse del ciudadano, cabe preguntarse: ¿Qué actitudes y hechos debemos ejecutar
para defendernos de nuestros representantes? ¿De que armas disponemos? Continuando
con el cinismo que la autoridad torna irreversible, finalizo con nueva cuestión
extraña de lógica ingenua: ¿Si el representante político del gobierno en el museo de
Bellas Artes de Bilbao, se permite intencionadas censuras, arbitrariedades, mentiras
y anomalías merced a que el dinero manejado no es suyo sino público, no debiera
exigírsele por ignota indisimulada autoridad que responda de ello con su propio
patrimonio? Desgraciadamente, en nuestro sistema parece asunto imposible, pues
vivimos en democracia, y en la oportunidad irresponsable, el ciudadano, el político
especialmente -dice Blades, en ’Buscando Euzkadi’-, está viendo la telenovela: por
eso nadie mira pa fuera.

Tras numerosos años, impedido de trabajar debido a la retención del museo de la
totalidad del taller y sus pertenencias y obras de mi propiedad -además de cientos
de miles de materiales gráficos imprescindibles para realizar mi obra, recogidos y
seleccionados a lo largo de mas de treinta años-, continuo en la misma situación:
sin poder trabajar, sin su disponibilidad, sin conocer su estado pese a solicitar
garantías con posterioridad a su suspensión unilateral. Actualmente, ignoro sí han
sido arruinadas más de las 10 obras de las que inauditamente se me exige el pago de
su destrucción a fin de alcanzar la desviación que describen.

No quisiera terminar sin disponer ración de pienso para ovejas disponibles:
¿Encontraremos el arte antes de que se nos muera dentro? ¿Seguiremos huyendo al
lugar donde nos maquillan el temor en fuerza?


Sra. Doña Miren Azkarate
Consejera de Cultura

Gobierno Vasco

Bilbao, martes 15 de Julio. 2008
 
Estimada Señora Consejera de Cultura:

Con el debido respeto, me dirijo a usted para informarle y advertirle de diversas
circunstancias anómalas sobre las que, ingenuamente, supongo no posee la información
adecuada, justa y eficaz, debido quizás al oportuno silencio de diferentes personas
que disciplinadamente no se permiten molestarla con cuestiones tan intrascendentes
como robos, arbitrariedades, censuras y apropiaciones indebidas.

En primer lugar le hago notar que pese a tratarse únicamente de Cultura, acepto
normativamente su anterior silencio al respecto, pues pese a mantener esta, relación
con conceptos asimilables a Libertades y Derechos, son cuestiones estas muy
marginales y tangenciales a su excelente actividad política, la cual en ningún
momento quisiera perturbar en exceso con nimiedades semejantes.

Siento que sus ocupaciones le hayan impedido responder a mi demanda sobre la
utilización fraudulenta por ETB de mi rostro y obra como cortinilla publicitaria de
uno de sus programas durante cientos de días. Supongo que debo entender, y así lo
comprendo, que aprecio erróneamente la necesaria subordinación de la cultura a fines
mas elevados, solución que presumo objetivo prioritario y primordial para su
conserjería de Cultura.

En segundo lugar quisiera informarle de un hecho que usted conocerá por su
publicación en diferentes medios. Mi proyectada exposición, encargada por el Museo
de Bellas Artes de Bilbao, fue suspendida unilateralmente por su representante
político en el mismo, debido a mi terca y empecinada negativa a la firma de un
documento presentado por el museo, en el cual se exigía silencio total sobre la
gestión museística durante toda mi vida y delegar en el museo el control de
contenidos, imagen y representación. Podría usted interpretar esto como subjetividad
personal, pero una mínima auditoria del proceso y especialmente lo concerniente a la
variedad de los contenidos y soportes de las demandas interpuestas por el museo y el
artista, le permitiría apreciar -preventivamente- la existencia de Cearsolos listos,
como en ocasión disímil pero no divergente, señaló alguno de su oposición. (En
prevención de que sus ocupaciones le impidan el cotejo de dichos documentos, le
adjunto como posdata uno de los once párrafos -no el más descriptivo u oportuno para
mi evitación- contenidos en uno de los comunicados que para evitar daños a mi imagen
y honor, divulgaré a Personas, Partidos, Prensa y Medios sobre tan absurdo
despropósito). Esperando no encontrar en usted enemigo incomprensible, le garantizo
que esas lecturas, ademas de aportarle múltiples y numerosas claves definitivas para
la justa apreciación de lo descrito, le harán disfrutar tristemente de sensaciones
divertidas.

En tercera posición, aunque no última cuantitativamente, le comunico que su
representante en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, quizás correctamente entendido
para bien de la cultura vasca y sus posesiones patrimoniales, sin consentimiento ni
autorización, ha reproducido, publicado y hecho figurar como suya, una obra de mi
propiedad, cuya posesión, como sabe o debiera saber -dado que me han presentado al
día de hoy tres documentos tendentes a su donación, alguno con su firma o de
apoderado- está condicionada al desenlace final de la exposición suspendida
unilateralmente por el museo. Tras informar por burofax a su representante
museístico de tal torpeza -en mi humilde opinión personal-, al día de hoy, la
publicación, lejos de ser retirada e informar públicamente de los daños del desliz,
se expende en el museo con los errores legales y de forma y fondo de los que debo
suponerla informada. Comprendiendo que los nimios vínculos arriba señalados,
asociables desgraciadamente a las obras de arte, no deben perjudicar los altos
asuntos y objetivos del museo -salvo que usted tenga opinión contraria-, someto
también a su disposición -sea palabra o silencio- la consideración del hecho.

Interpretando correctamente que nuestras instituciones culturales, tienen
obligaciones y devociones más perentorias que las relatadas, sean estas Derechos o
Propiedad Intelectual, aceptaré respetuosamente su protocolaria resolución o elipsis
sobre las cuestiones señaladas en párrafos anteriores. No obstante, si es de su
interés clarificar cualquier duda o matiz al respecto, abro las puertas de mi
estudio a su persona y representación.

Siga contando con mi consideración y voto. Le saluda atentamente:

José Ramón Sainz Morquillas

IDEATOMICS es el nuevo proyecto de la artista Saioa Olmo. Puedes visitar su web y conocer mejor su proyecto aquí:

http://www.ideatomics.com

¿Qué es Ideatomics?

IDEATOMICS
Ideas que se convierten en proyectos, proyectos que se convierten en mejoras.

IDEATOMICS es una estructura de creación y producción artística que genera ideas creativas para ser aplicadas a diversos campos, tales como el propio arte, el diseño, la acción social, la ecología, las problemáticas de género, la ciencia, la economía, el consumo o la comunicación.

IDEATOMICS es una iniciativa de la artista Saioa Olmo que dependiendo de las características de cada proyecto concreto busca los cómplices y recursos necesarios para llevarlo acabo.

IDEATOMICS realiza proyectos por iniciativa propia, colabora en proyectos promovidos por otros agentes, así como trabaja con premisas de terceros.

Así es cómo se definiría IDEATOMICS:

Ideatomics es expansiva. Igual que una bomba atómica, busca obtener el mayor radio de influencia posible para cada objetivo. Es una partícula básica de dinámicas de contagio.

Ideatomics es transversal y altamente conectable. Pone en relación distintas áreas de conocimiento y se asocia con agentes especializados en áreas concretas.

Ideatomics es micro y es macro. Actúa en pequeña escala pero de maneras extensibles a una escala mayor.

Ideatomics es versátil, se configura de muchas y muy diversas maneras. Desde un laboratorio de diseño, a una campaña comunicativa de divulgación de trabajos científicos, una exposición sobre interpretaciones económicas, un proyecto específico para una asociación de comerciantes, un libro sobre identidad en el País Vasco o un evento lúdico para una festividad concreta.

Ideatomics es fácilmente identificable, el cambio y el eclecticismo son sus señas de identidad, la creatividad su bandera.

Ideatomics crea riqueza para la propia estructura y para quienes la rodean. Energía positiva en el campo ideológico, creativo y económico.

Ideatomics es cualitativo y cuantitavo. No se conforma con producir inputs sino que mide cualitativa y cuantitativamente su resultado.

Ideatomics, igual que un ecosistema, es sostenible. Asigna y consigue los recursos necesarios a cada uno de sus proyectos.

Ideatomics ya existía, existe y existirá, porque las ideas están por todas partes, pero nadie se había puesto a estructurarlas de esta manera.

Nos llega ésta más que triste noticia desde "El Ojo Atómico":

 El Ojo Atómico cierra

        Tras cinco largos y apasionantes años de trabajo en la nave de la calle
Mantuano, hemos decidido cerrar el local y emprender una nueva etapa del Ojo
Atómico.

        La hostilidad del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, una encubierta y la
otra abierta, pero igual de implacables, y la ausencia de diálogo con el
Ministerio de Cultura, nos empujan al cierre, al igual que a otros espacios
independientes, desaparecidos en los últimos meses. Podríamos resistir, pero
ya hemos entrado en una fase de desgaste, y creemos más prudente un cambio
de estrategia que el enrocamiento en posturas insostenibles a medio plazo.
Han ganado ellos, al menos esta batalla que se inició en 2002 con la
apertura de 29 Enchufes. Por primera vez llegó a haber una escena
alternativa de arte en Madrid, caracterizada sobre todo por el afán de
apertura al exterior. Basta ver los programas que han realizado 29 Enchufes,
Liquidación Total y el Ojo Atómico, entre otros, para constatar la
internacionalización que hemos llegado a alcanzar, y que sólo puede tener
continuidad en nuestros previsibles, o ya consumados, exilios.

        No voy a disimular el mal sabor de boca que siento, porque seremos otra
generación perdida, y como dije hace un año, para mí es la última. Mi edad,
45, y mis aspiraciones me empujan a centrarme en proyectos más
institucionales, donde pueda disponer de los recursos que hasta ahora no he
tenido. Dejamos atrás un excelente trabajo que ya está siendo olvidado. Hace
una semana oía decir a un conocido historiador de arte que la escena de arte
político de Madrid acabó en 2001. ¿Debo responder algo? ¿Explicar a estas
alturas qué es arte y qué es política? ¡Qué nos olviden! Madrid no parece
necesitar arte, sino obras públicas, munipas y olimpiadas.

        Uno de nuestros objetivos fracasados en esta etapa ha sido conseguir un
marco legal de apoyo a la creación en Madrid. En el frustrado Manifiesto de
los Agentes Artísticos de Madrid (
www.ojoatomico.com/comunicados/documento4.html ) describimos con todo
detalle la situación que viven los creadores y los gestores independientes
de esta ciudad. El texto era tan acertado que una esbirra de Carlos Baztán
me llamó al móvil para pedirme que no publicaramos más manifiestos. si es
que queríamos mantener el "diálogo". Fue ese el día que decidí,
personalmente, tirar la toalla, y renunciar a un "diálogo" imposible. Y de
la CAM para qué hablar; yo, por eso del quid pro quo, les he puesto en mi
lista negra. Es significatico que sólo AVAM y la Unión escribiesen un texto
de apoyo a nuestra pretensión básica, un marco legal que regule el apoyo al
arte con dinero público, y que tanto ADACE como el Consejo de la Crítica ni
se dignasen a contestar. Quizás pensaron que esto es mezclar arte con
política, o, como me dijo una alta carga del Matadero, que los que estamos
fuera de las instituciones tenemos que "aprender a conformarnos".

        Es todavía más lamentable que hoy, como en 1991, cuando abrí mi primera sala
de exposiciones, el único lugar de Madrid adonde un artista puede dirigirse
para empezar una carrera coherente sea la terminal de salidas
internacionales de Barajas. Pero ahora el mundo es mucho más pequeño, y nada
puede ocultar el ridículo de sus políticas culturales, de las noches en
blanco, los mataderos, los madriles abiertos, los homenajes a la movida y de
tantos centros de arte desorientados, sin contenidos y ahítos de buen
rollito parroquial.

        Nosotros cerramos, contentos de lo mucho que hemos podido dar, y de lo mucho
que hemos recibido. Gracias a los que de una u otra manera habéis estado con
nosotros y a los artistas que desinteresadamente han venido de diferentes
partes del mundo a colaborar con este proyecto.

        El viernes 21 consumamos el cierre, a partir de las 20 horas. Os invitamos a
participar en una acción con Javier Pérez Aranda, que transformará en un
mueble la conocida instalación que ha ocupado el altillo durante los últimos
años, para después depositarla en los lugares indicados por el ayuntamiento
para tal fin, y aprovechando que el 21 es el día designado para esto en
Prosperidad. Regalaremos lo que nos sobre, pero no habrá bar, así que el que
quiera puede traerse su propia bebida (bueno, nos quedan unas cajas de
tequila). Se recomienda ropa de abrigo.

        www.ojoatomico.com
     

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        El Ojo Atómico
        ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
        C/. Mantuano 25, local
        28002 Madrid
        tel: 91 415 22 91
        www.ojoatomico.com

El artista Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) ha ganado hoy el , concedido por el Ministerio de Cultura y dotado con 30.000 euros.
El Premio Nacional de las Artes Plásticas, que se instauró en 1980, supone el reconocimiento de la sociedad a la meritoria labor de los galardonados, que con su creación artística contribuyen al enriquecimiento del patrimonio cultural de España.

http://www.fundaciotapies.org/site/rubrique.php3?id_rubrique=237

Ir y venir de Valcárcel Medina
La obra de Isidoro Valcárcel Medina, generada en el momento del declive del informalismo, se cuestionó desde un principio el estatus de la obra de arte así como su valor estetizante. En las obras del periodo 1968-1969, tras un breve periodo dedicado a la pintura, se hace patente la utilización del espacio como elemento condicionador de las variables de una obra.

De hecho, en estas piezas ya se adivina lo que será una constante de su trabajo posterior: por un lado, la concepción de la obra como estructura en la que se manifiestan dimensiones de la realidad -consideración del lugar y del momento concretos-; y por otro, la preocupación por su función social -entendida en un sentido amplio, no en el sentido excluyente de "denuncia" o "compromiso"-, es decir, la preocupación por la consecución de lo que él llama un "arte habitable" o un "arte para ser vivido".

A partir de los años setenta, Valcárcel Medina abandona progresivamente el lenguaje plástico para adentrarse en toda una serie de prácticas que van desde la poesía experimental, la música y el mail art hasta el cine, la performance, las instalaciones y la cinta magnetofónica, que irá desarrollando durante los años siguientes. Su obra nunca se había limitado al esteticismo formal, pero en este momento, coherente con su trayectoria, pretende desmantelar las contradicciones inherentes a la simbología de los espacios comisariales y la institucionalización del hecho artístico.

Durante los años ochenta y noventa, Isidoro Valcárcel Medina ha seguido trabajando en su proyecto artístico sin desmentir sus posiciones de los años setenta. Su obra ha ido evolucionando desde propuestas objetuales susceptibles de llegar a ser mercancías artísticas hasta una desmaterialización que favorece la aparición de una actitud que transforma la conciencia de la percepción no tanto en obra de arte sino en experiencia de arte. Esta actitud es la que le permite interrelacionar la vida con el arte, y el arte con una reflexión crítica y provocadora de la realidad.

Esta exposición permite la catalogación y puesta a punto de una producción artística en gran medida desconocida por el público y silenciada por la crítica a través de una publicación exhaustiva sobre su obra y un ciclo de conferencias. Con motivo de esta muestra, se editará el libro de artista Rendición de la hora.

Ir y venir de Valcárcel Medina pretende dar a conocer la obra de este artista (Murcia, 1937), uno de los artistas conceptuales españoles de mayor importancia, no tan sólo históricamente, sino también como referente artístico de una nueva generación de jóvenes creadores. El proyecto de la Fundació Antoni Tàpies se articula en torno a tres ficheros convencionales de grandes dimensiones que recogen diferentes tipos de documentos, a través de los cuales se desarrollarán varios "argumentos".

Ir y venir

Durante algún tiempo anduve intentando convencer a Valcárcel de que hiciéramos juntos una exposición antológica sobre su trabajo. Desde un principio manifestó su desacuerdo con la idea de reunir en una sola muestra obras ya realizadas. Cosas viejas, fueron sus palabras exactas. Para él, como ocurre de una manera tácita con todo el arte heredero de la vanguardia, sus obras no son tanto depositarias de un sentido como portadoras de una función, meros documentos de algo que ellas no son. El problema, en esta ocasión, radicaba en el hecho de que habiendo dedicado todo su empeño en hacer un arte del sentido común, no alcanzaba a comprender, sin contradecirse, el valor de repetir lo que ya había cumplido su función. Así las cosas, le propuse realizar una obra nueva que nos permitiera hacer una publicación en la que, aquí sí, se hiciera una memoria documentada de toda su trayectoria. Ahora el único requisito sería que asumiera como tema la idea de un arte de la gente y la idea de viaje, dos conceptos de siempre centrales en su obra. [...] La obra en cuestión, Ir y venir, cumple de manera precisa, aunque inesperada, con aquello que se le demandaba. De una parte, la propia muestra, concebida como una exposición en tránsito, se traslada de lugar y pasa por tres estaciones: Barcelona, Murcia y Granada. Lo hace, además, sin repetirse, constituyendo cada una de sus paradas un momento distinto, pero a su vez final, de un mismo trayecto. De otra, la instalación, constituida por tres ficheros en hilera de 5,5 metros suspendidos del techo, exige del usuario un traslado corporal para su manejo. Como ocurre en todos los sistemas de archivo tradicionales, aquí también el desplazamiento espacial apela a un movimiento de otro orden, el que nos transporta por el tiempo y dibuja las trazas de nuestra memoria. Un desplazarse, pues, que es a su vez un viajar a través de esos almacenes del olvido que son nuestros sistemas de registro. [...] Memoria común dispuesta para un uso privado y memoria privada, la del artista sobre su obra, ofrecida para el uso común. [...] Este Ir y venir sería un ejemplo más de ese fugarse en el tiempo, de ese dejarse llevar para no moverse que caracteriza su obra, sólo que en este caso ha sido su propio trasiego el que ha pasado a convertirse en tema.[...]

Extractos del texto de José Díaz Cuyás, "Ir y venir", Ir y venir de Valcárcel Medina (Barcelona: Fundació Antoni Tàpies; Murcia: Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, Dirección de Proyectos e Iniciativas Culturales; Granada: Centro José Guerrero de la Diputación de Granada): 8-9.

http://cultural.abc.es/historico/semana-146/fijas/arte/exposiciones_012.asp

 Muy recomendable esta entrevista y texto:

http://www.uclm.es/cdce/sin/sin1/s1valc.htm 

"Allende La Puente" exposición fotográfica, videográfica y arte sonoro. Comisariada por Txema Agiriano y coordinada por MEM, presenta la obra de los artistas Txema Franco, Jaime Gartzia, Ignacio Saez, Felipe Uribarri, Baseline y Rinus van Alebeek.
Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao (San Francisco, 14. Iglesia del Corazón de Maria) Desde el 2 hasta el 21 de octubre. Inauguración el martes 2 a las 20 horas. Estais todos invitados.

Esta exposición se enmarca dentro de los actos que bajo el nombre de Bilbao La Vieja, Puente a la Cultura, el Ayuntamiento a organizado con el fin de dar a conocer el barrio de Bilbao La Vieja, San Francisco desde un punto de vista cultural. del día 3 al 5 de octubre DK muralismo se encargará de realizar 3 murales (Muelle de la Merced, La Merced y Plaza del corazón de Mª). El 13 en Bilborock actuación de Smile. El día 8 conferencia "origenes de San Francisco". Día 10 conferencia "Los puentes"... El 18 actuación de Lethargy en el Museoa las 21 h.y mucho más...

El MEM se presenta éste año en Washington DC (E.E.U.U.)

El festival de arte, música y nuevas expresiones de vanguardia MEM de
Bilbao ha sido invitado a participar en el festival Sonic Circuits de
Washington DC, que tendrá lugar entre el día 7 y el día 23 de Septiembre
de 2007 en diversas salas y centros de arte de Washington DC

El MEM viajará a Washington con los artistas Xedh, Baseline, Oier
Etxeberria y Ramón Churruca. También habrá una proyección de videos y una
conferencia a cargo de Txema Agiriano analizando el arte sonoro en Euskal
Herria

http://dc-soniccircuits.org

El pasado día 5 de Julio 2007 nos sorprendió la noticia en los periódicos donde se anunciaba la suspensión de la exposición de Morquillas en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, programada para ser inaugurada en Octubre.

José Ramón Sainz Morquillas (Barakaldo, 1947) artista polifacético de obra experimental ha sido además crítico de arte en los diarios Egin, Deia y Punto y Hora. También ha impartido cursos sobre Arte y Política en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, diseñado catálogos, carteles y libros y ha publicado poemas. Uno de los agitadores culturales más importantes desde finales de la década de los años sesenta que alcanzó en los ochenta una significación muy acusada. Por entonces dirigió la sala de exposiciones de la CAMB de Elcano de muy grato recuerdo. Sus obras son montajes (escultóricos o en forma de collage) que tienen como tema principal el hombre y su entorno. Por otro lado, intenta plasmar con su labor artística las complejas relaciones existentes entre la política y el arte. En muchas de sus creaciones existen referencias a Beuys, Duchamp y Picabia. La exposición programada “L’air du temps”  en el Museo de Bellas Artes resume con obras especialmente creadas para la ocasión, su trabajo más logrado en el campo de la crítica social, política y cultural, así como la relación que el artista establece entre arte y política.

Hoy recibimos el siguiente comunicado por parte del artista:
Supongo que la pasada semana os habréis sorprendido por un comunicado del museo de BBAA de Bilbao aparecido el día 5 en diferentes periódicos (Correo, Deia, Mundo, País...), suspendiendo mi exposición unilateralmente por el señor Viar -director del
museo- por motivos inexistentes, absurdos y peregrinos. Se ha pretendido maliciosamente asociar este asunto por él, a una petición de dinero por mi parte, cuando la única realidad -como describo en la nota- es que ni cobro ni he cobrado un duro por realizarla.

Estas cuestiones y dichos que pretenden dañar mi imagen, persona y exposición son rotunda y completamente falsas. Te adjunto el comunicado con que he respondido ante la prensa. Te agradecería su divulgación.

Espero que podamos vernos en la inauguración.

Suerte.

Comunicado a la prensa:

Se ha solicitado al museo en numerosas ocasiones, a tenor de los acuerdos firmados el 15 de Noviembre de 2004, que proporcione los medios y recursos económicos que se comprometió a aportar para sufragar el coste de la muestra. Por razones desconocidas
los ha negado, impidiendo y dificultando la entrega de diversos materiales imprescindibles para la realización de la exposición. Todos ellos estaban incluidos en las cantidades que el museo se obligó a aportar y no añadían incremento alguno a su debida aportación. Dicha actitud, al margen de intenciones ocultas, no es otra cosa que un incumplimiento de sus obligaciones contractuales.

Pese a estas dificultades y reticencias continuas que han impedido la realización de los trabajos que componían la exposición, siempre ha sido nuestra intención superar los problemas e inconvenientes que la impericia del museo ha situado frente a ella.
Así, se ha continuado trabajando en la misma, en la esperanza de que cumpliese sus compromisos. Nuestras esperanzas se han visto defraudadas.

Las persistentes dificultades han ido en aumento hasta el extremo que al día de hoy, 7 de las 10 esculturas que se integran en la muestra no han podido realizarse debido única y estrictamente a la negativa, retención e inmovilización que el museo ha ejecutado. Requerido continuamente para que explicase los motivos, nunca se ha dignado responder (Es significativo al respecto -especialmente para una exposición de producción propia- que durante los cinco años de trabajos, la comunicación y el
contacto personal con el Sr. Viar se remitan única y literalmente a dos iniciales minutos protocolarios).

Con la manifiesta voluntad de realizar la exposición pese a todos los inconvenientes descritos, el comisario Iñigo Sarriugarte y yo mismo mantuvimos una reunión con José Julián Bakedano, subdirector del museo, pues la fecha de alquiler del estudio proporcionado por el museo vencía improrrogablemente, y los materiales no habían sido suministrados por el mismo impidiendo la realización de las obras. La única solución consistía en la entrega inmediata de los materiales necesarios para realizar las obras y que tras ello, dispusiese un nuevo local de trabajo para dar
continuidad y futuro a la exposición en la fecha prevista. Dado que la situación se había originado por la falta de provisión del museo, a este deberían corresponder los gastos. Tanto el Sr. Bakedano, como el comisario Sr. Sarriugarte, yo mismo y otras personas buscamos un nuevo espacio de trabajo y montaje que permitiese además fotografiar las obras para su reproducción en catálogo. El museo recogió y depositó transitoriamente las obras en un almacén, a la espera de su traslado al taller definitivo. Mientras, el Sr. Bakedano sometía la propuesta al Sr. Viar para su aprobación.

A partir de aquí, todo es conocido. La respuesta del Sr. Viar -de la que soy informado por prensa- suspendiendo unilateralmente la exposición, alegando que era una exigencia injustificable, un interés mío por el dinero y otros etcéteras aparecidos en los periódicos, de escasa y difícil justificación ética, moral y personal, es asunto que solo posee la virtud de situar con extrema precisión a la persona que la otorga.

Nada de lo vertido en los diarios es cierto, ni admitimos la suspensión. Mi interés y obligación es la de continuar con el proyecto de exposición. Ni se ha pedido más dinero, ni se ha pedido más financiación, salvo los gastos imputables u originados por la supresora gestión y su falta de provisión. Nunca. Tampoco se ha sobrepasado el presupuesto aprobado en ningún modo o manera. Nunca se ha cobrado nada por mi trabajo, ni han sido abonados los gastos personales y de materiales, aprobados, autorizados y contemplados en la dotación económica obligada y prevista. Todo lo publicado es completamente falso y no tiene otro propósito que dañar y destruir mi imagen, mi persona y los contenidos de la propia exposición y el catálogo.

Por el contrario, esta extraña e ilógica respuesta con disfraz intransigente, acompañada de numerosas interferencias y cuestionamientos vertidos sobre la tipología y la intencionalidad de las obras, cerriles e incultas, impropias de un museo de arte que contrariamente debiera educar sobre estas cuestiones y propósitos, solo encubre un ejercicio censor puro y duro, motivado por mi negativa a firmar un documento de autocensura que por una parte pretendía exigir el silencio de mis palabras e ideas tanto antes como después de la exposición, y por otra anular
expresamente mi control sobre la imagen de la misma. Rechazado tajantemente este, se me volvió a reenviar para su firma, incluyendo nuevamente la exigencia de ambas renuncias, a mi palabra -conseguir mi silencio perpetuo- y al control de mi exposición y los cientos de textos que la integran- permitir la exclusión de obras o literatura 'molestas'-. Mi negativa a tal despropósito ha sido la espoleta que ha puesto en marcha toda esta operación de acoso y derribo de mi persona y de la exposición. Recuérdese, que mi exposición es proyecto de Mikel Zugaza y no de Javier Viar y que este último no es la primera vez que se asocia a la censura; vuélvase a recordar que en anterior muestra, donde él ejercía de comisario, se censuró la obra
con que participé. Obviamente, el objetivo de todo este proceso no es otro que impedir y ocultar los contenidos de la exposición y esconder la visión de una gestión absurda y deficitaria.

Sr. Viar:

No admitimos la suspensión. Frente a su decisión unilateral de interrumpir la exposición justificada en causas inexistentes o peregrinas, instamos al museo que cumpla sus obligaciones contractuales y proporcione de una vez por todas los medios materiales a los que está obligado por contrato para poder dar continuidad a la misma.