Blogia

mamorro

ASKOTARIKO UNIBERTSOA - DIVERSE UNIVERSE- UNIVERSO DIVERSO

ASKOTARIKO UNIBERTSOA - DIVERSE UNIVERSE- UNIVERSO DIVERSO

Ekaina 7 & 8 Junio 2012 
http://www.musicaexmachina.com/pdf/diverse.pdf // 
PERFORMANCE Y CONCIENCIA CRITICA
ASKOTARIKO UNIBERTSOA - DIVERSE UNIVERSE- UNIVERSO DIVERSO
Jueves 7. 14.30 h en Spazio Grossi. Encuentros universos diversos
Jueves 7. 20.00 h. en L’Mono. 5 € Performances: Ken Siebert (California), Da Yeon Kim (Corea), Jung Hoon (Corea), Myk Henry (Irlanda/NY), Peppe Rosvik (Finlandia), 1 Ka (Francia), Janek Karakats (Estonia), Non Grata (Estonia), Anonymous Boh (Estonia), Devilgirl (Estonia)
Viernes 8 Plaza Corazón de María. desde las 11h demostración de cocina solar y presentación proyecto Agrococina. 14,15 h Performance Diverse Universe
Viernes 8. 20.30 h . L’Mono. gratis Conferencia “El arte de los invisibles” de Al Paldrok y proyección de videos

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

16 de Febrero 2012. Parallax

16 de Febrero 2012. Parallax

16 de Febrero 2012. Parallax (Noruega) en L'Mono

Febrero caliente en L’Mono

Febrero caliente en L’Mono

Febrero caliente en L’Mono (Andrés Isasi 8, 2ºd, Bilbao)

Jueves 16 de Febrero 2012. 20.30h. 4 €
Parallax (Noruega) + improvisación (sonido, danza, imagen) con Catapult y Parallax

Viernes 24 de Febrero 2012. 21.00h. 5€
Marylin Rambo (Francia) + How do you dance (Francia) + improvisación (sonido, danza, imagen) con Catapult y Marylin Rambo.

Sábado 25 de Febrero 2012. 20.30h. 4 €
Borelgrip (Francia/Suecia) + improvisación (sonido, danza, imagen) con Catapult y Borelgrip+ improvisación sonora con Borelgrip y músicos invitados

-------------------------------------------

Parallax son Stian Omenås (trompeta, percusión), Are Lothe Kolbeinsen (guitarra, guitarra preparada) y Ulrik Ibsen Thorsrud (batería, percusión). Desde su formación en 2008, el trío afincado en Oslo han tocado intensamente en Noruega, Reino Unido, Francia, España y China. Precisamente fue en Inglaterra donde grabaron y publicaron su primer disco "Live In The UK" (FMR, 2010). En enero de 2012 sale a la venta el segundo titulado "Krutthuset", esta vez con el sello noruego Pling Music.

Para la grabación de esta segunda entrega discográfica, el grupo intentó encontrar un lugar especial que los inspirase y de alguna forma pudiera dejar su  propia huella en la música. Finalmente dieron con el sitio adecuado: un antiguo almacén de harina en medio de un bosque en el norte de Oslo que actualmente es el taller de los artistas plásticos Sverre y Vera Wyller llamado "Krutthuset". Parallax han tomado ese mismo nombre como título de su disco ya que la presencia del lugar es constante en la música. El suelo de madera y las paredes de piedra proporcionaron una acústica y una reberveración muy especial. Incluso puede oírse de fondo el crepitar del fuego que calentaba el espacio.

La música de Parallax es una particular mezcla de improvisación con influencias del folklore asiático, el jazz tradicional y la abstracción paisajística.

http://youtu.be/kgEAMqFd6L8

 

Marylin Rambo es un duo francés que practica math rock instrumental (rock matemático) eléctrico de fuerte influencia noise rock. Riffs grasientos y maléficos, rítmos locos y tempos que aceleran cual ametralladora y deceleran creando bellos paisajes. No podrás dejar de mover la cabeza al ritmo de su música.

http://www.youtube.com/watch?v=Ht8X-C4A58Y

How Do You Dance es el proyecto en solitario del batería de los Grand Prédateur. Como one man band utiliza dos sintetizadores, caja de rítmos y guitarra. Una mezcla explosiva de música de baile, rock duro y ritmos ultrarápidos que ha sido descrita como una mezcla entre Etienne Daho, Jean Michel Jarre y Joe Satriani.

http://howdoyoudance.blogspot.com/

 

Borelgrip es el duo de improvisación experimental de Pierre Borel (saxo) y Joel Grip (doble bajo). El productor sueco Joel Grip es el fundador del sello Umlaut Records y desde 2003 uno de los organizadores del festival experimental Hagenfesten en Dala-Floda, Suecia. Además de tocar con numerosos músicos también colabora habitualmente con bailarines de butoh, poetas, artistas y cineastas.

Pierre Borel, filosofo de formación, es un saxofonista parisino, residente en Berlin. Junto a Florian Bergmann y Hannes Lingens es responsable del colectivo Umlaut Berlin, organizadores de festivales de música improvisada y sello discográfico.

http://www.youtube.com/watch?v=nMqaW82nRi8

 

PORNOTERRORISMO

 Pornoterrorismo


Pornoterrorismo  

Si le interesa el postporno, la práctica queer y el transfeminismo; si echa de menos el blog girlswholikeporno, si lee a Helen Torres, María Llopis y a Itziar Ziga, si le interesan las performances de Annie Sprinkle, si siente adicción por los pornolabs, no dude en acercarse a éste libro. Diana Junyent Torres (Diana Pornoterrorista), poeta y performer inconformista, actualmente afincada en Barcelona nació en Madrid en 1981 hija de unos padres ácratas y ateos. Ellos criaron una criatura libre, buena, generosa, inteligente y amante de la belleza que suelta en el mundo, como descubriremos leyendo su libro, se convirtió para muchos en un monstruo.

En 1999 se subió por primera vez a un escenario. Como Shock Value y junto a Pablo Raijenstein performeó durante tres años y fue en 2001 donde apareció el término pornoterrorismo aplicado a la última de las performances que hicieron juntos. Diana decidió marcharse a Barcelona, donde comenzó a recitar poesía. Ofrecía recitales de pornopoesía lésbica y recitales con anti-striptease -donde, en lugar de desnudarse, durante la actuación iba vistiéndose de hombre-. A partir de 2007 comenzaron sus performances pornoterroristas. En ellas se masturba, se introduce objetos, se clava agujas, se corre a chorros... y recita poesía mientras proyecta vídeos realmente fuertes.

Diana J. Torres es licenciada en Filología Hispánica. Últimamente se ha quitado el apellido Junyent y lo ha substituido por una «J.» porque casi nadie sabemos escribirlo ni pronunciarlo correctamente.

La editorial navarra Txalaparta, reconocida por su compromiso con la soberanía cultural e informativa de Euskal Herria, dentro de su colección Gebara dedicada a la literatura y al ensayo de escritores de todo el mundo ha apostado por sacar a la luz «Pornoterrorismo» siguiendo su premisa de ser altavoz de la creación literaria que pueda abrir caminos a la diversidad y ayudar a transformar la realidad. «Pornoterrorismo» no es sólo un ensayo, es un libro de carácter autobiográfico que nos habla de una persona, de su vida, de sus prácticas, de sus luchas y de sus opiniones. Historias de una exhibicionista, una persona que, de acudir a un especialista en Psicología o Psiquiatría, nuestra sociedad en su afán de cataloguizar definiría como «técnicamente enferma».

Una reflexión sobre las prácticas sexuales y la moral. A través de sus palabras vemos cómo una corrida femenina ya no es sólo un acto de placer, sino que puede ser también un acto terrorista. El pornoterrorismo es una forma de trabajar la sexualidad de una forma subversiva y guerrillera. A través de sus acciones trata de aterrorizar a un sistema heteropatriarcal que nos oprime. Sus armas son su cuerpo, su palabra y su rabia. En su libro anima al pornoterrorismo a aquellos a quienes toquen las narices las imposiciones morales, sociales y legales que el Estado, la Iglesia y en general la gente aplican sobre nuestro cuerpo y nuestra sexualidad. Se agradece que al final Torres haya incluido siete de su poemas, así como un completo listado con indicaciones de páginas web de personas a las que se siente cercanas en el pornoterrorismo.

Este es un libro, dice la autora, escrito para contarles a quienes jamás en la vida han abierto un libro de Michel Foucault, Judith Butler o Beatriz Preciado y no saben quién es Annie Sprinkle algunas cosas sobre la práctica queer y el postporno. Una llamada a romper tabúes.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Gara. 27 Marzo 2011

LE DOSSIER 51

LE DOSSIER 51


LE DOSSIER 51
Título original: Le dossier 51; Año de producción: 1978; País: Alemania, Francia; Dirección: Michel Deville; Intérpretes: François Marthouret, Claude Marcault, Philippe Rouleau, Jean Dautremay, Gérard Dessalles; Argumento: Gilles Perrault (Novela); Guión: Michel Deville; Música: Jean Schwarz; Fotografía: Claude Lecomte; Duración: 108 min.
Película extraña, magnética, absorbente, desconcertante, inquietante y, finalmente, terrible. La adaptación que realiza Michel Deville de la novela de Gilles Perrault es toda una rareza propia del cine de los setenta. El protagonista, Dominique Auphal es un diplomático francés cuya vida, aparentemente feliz, ha discurrido en tranquilos destinos profesionales en los cuales ha ido haciendo mudos méritos que le han servido para ascender poco a poco en su oficio hasta ser elegido como miembro de un importante organismo internacional de supervisión del desarrollo del Tercer Mundo. Ello puede ser la puerta a una futura brillante carrera, pero de momento tiene una consecuencia imposible de prever. De repente, Auphal se convierte en el nombre para un archivo: 51. Auphal-51 es un hombre observado, vigilado las veinticuatro horas, y su vida se convierte en objeto de estudio para un grupo paragubernamental que pretende utilizarle como medio para influir en el organismo del cual va a formar parte y obtener así vía libre para sus proyectos y un beneficio para sus objetivos. Utilizando conexiones con los servicios secretos y modos y maneras del espionaje al más puro estilo de James Bond, la vida de Auphal es desmenuzada hasta sus últimos recovecos: la historia de su familia, su nacimiento, la muerte de sus padres, las vivencias durante la Segunda Guerra Mundial y el servicio militar durante la independencia de Argelia, sus estudios, sus amores, su matrimonio, su relación con su esposa, el nacimiento de sus hijos, su trayectoria profesional… Y lo más importante para quienes buscan información con el fin del chantaje: secretos, mentiras, datos ocultos con los que poder influir en la voluntad de su víctima. La película constituye un documento formal impresionante. No está narrada al modo clásico de planteamiento, nudo y desenlace, sino que se cuenta desde el punto de vista de los investigadores. Su sustrato no lo constituyen escenas y secuencias convencionales, sino un acopio de vídeos, fotografías, escuchas ilegales, seguimientos callejeros, infiltración de agentes, cámaras ocultas, reuniones del personal de investigación para compartir datos y establecer directrices de averiguación… Todo ello con Auphal de fondo, de oídas o a distancia, nunca como protagonista de una escena por sí mismo. La diversidad de formas, ritmos, estéticas y soportes a través de los cuales la película se acerca a la figura de un personaje ficticio, recuerda, por un lado, a la sistemática documental, mientras que por otro supone una apasionante crónica de investigación en torno a un individuo, que incluye todos los aspectos de su vida profesional y personal. La película se convierte así en un film atípico, en el que la acción resulta verdaderamente estática mientras que los personajes, simplemente, no existen, se limitan a una recopilación de datos en cuanto al protagonista se refiere y a la más radical opacidad respecto a los investigadores, de los que no se conoce ningún rasgo de su personalidad. Utilizando una amplia gama de ricos recursos narrativos que van desde la cámara en mano a un inteligente uso del sonido como vehículo de intriga y de información al espectador, la historia se nos cuenta a través de un puzzle de imágenes, grabaciones de audio, fotografías, testimonios de antiguos conocidos de Auphal mostrados con cámara subjetiva, sin una sola escena concebida en una narrativa directa o dramatizada. Si bien en este aspecto resulta una película fría y distante, burocrática y procedimental, constituye sin embargo un apasionante relato de investigación, una crónica despiadada sobre la sociedad de la información, y un alegato demoledor sobre las contradicciones y los límites del derecho a la vida privada supuestamente protegido por la ley. El año de su filmación, 1978, responde precisamente a un clima desestabilizador instalado en las sociedades occidentales tras fenómenos como el caso Watergate ya tratado en películas como Klute, de Alan J. Pakula, o La conversación, de Francis F. Coppola, un periodo enfermizo de miedo inoculado en la sociedad a través del tratamiento de asuntos relacionados con la Guerra Fría y siempre con la seguridad como excusa para un mayor control de las actividades de los ciudadanos a través de mecanismos ajenos a la supervisión legal y judicial. Una sociedad paranoica y angustiada, aprisionada por intereses que escapan a cualquier Constitución o código legal y ante la que el poder no vacila en utilizar todos los medios, legítimos o no, a su alcance a fin de conseguir sus fines. El final de 51 es el final de una sociedad en la cual las libertades y los derechos son sólo nominales. Deliberadamente, Deville omite en la película la naturaleza, los objetivos o los intereses del grupo investigador y de quienes los sustentan. Estamos bajo el ojo del poder, las nuevas tecnologías no son más que migas de pan a través de las que seguir nuestro rastro sin que lo notemos y evaluar así nuestro comportamiento, nuestros gustos o el sentido de nuestro voto. Alguien vigila, pero no es precisamente para nuestra protección: la información es poder; el auténtico poder no se somete a ninguna ley.

http://39escalones.wordpress.com

LE MOUTON ENRAGÉ

MIÉRCOLES 23 DE MARZO DE 2011. 19 h en Pulimentos del Norte. Bilbao. Gratis

LE MOUTON ENRAGÉ


LE MOUTON ENRAGÉ


Título original: Le Mouton enragé

Director: Michel Deville; Guión: Christopher Frank (Novela: Roger Blondel); Director de fotografía: Claude Lecomte;

Intérpretes: Jean-Louis Trintignan, Jean-Pierre Cassel, Romy Schneider, Jane Birkin, Henri Garcin, Georges Beller, Georges Wilson, Estella Blain, Dominique Constanza

País: Francia; Idioma: Francés; Duración: 95 minutos

 

Film de 1974 de Michel Deville, protagonizada por Jean-Louis Tritignant, Jean-Pierre Cassel y Romy Schneider, una de esas rarezas con las que uno solo se topa por azar. Un buen hallazgo.

La cinta cuenta la historia de Nicolas Mallet -Tritignant-, un empleado bancario que pasa sus ratos libres conversando con Claude Fabre -Cassel-, su amigo escritor. Mallet, a diferencia de Fabre, es tímido, inseguro, incapaz de exigir lo que quiere o de hacerse valer. Sin embargo, un día que pasea por un parque, ve a una mujer joven y hermosa y se atreve a decirle “¿Esperando a alguien inexistente?”, con lo que rompe el hielo y consigue llevarla a tomar una copa y luego concertar una cita para el día siguiente. De inmediato se lo cuenta a su amigo, quien duda de la veracidad de la situación y lo reta a conseguir acostarse con ella.

A pesar de que en efecto se trataba de un malentendido, Nicolas logra seducir a la chica, Marie-Paule, quien queda prendada definitivamente de él. Entonces Fabre lo incita a seguir ese camino, ofreciéndole un nuevo objetivo: Roberte -una Romy Shneider más bella que nunca-, la mujer de un filósofo amigo. A Mallet le cuesta mucho menos de lo que habría pensado, y a partir de ahí, Fabre va dirigiendo la vida de su amigo, poniéndole metas, exigiéndole cambios -el primero, dejar su trabajo en el banco-, y llevándolo a convertirse en un hombre de mundo, de negocios y de faldas. Una vida de lujos y de enredos que Mallet nunca soñó, y que le resulta sabrosa y excitante.

Lo interesante, además de la mera anécdota, que ya es formidable, es cómo está contada la historia. Mallet relata sus sucesos a Fabre, siempre en el mismo café, le muestra las fotos que va tomando de cada personaje que conoce, y con eso empiezan una ficha individual, que cruzan para generar nuevas estrategias, intrigas, que permiten ir hacia adelante y hacia atrás. A veces vemos los acontecimientos que narra Nicolas, y descubrimos entonces qué es lo que dice y qué lo que oculta, qué incluso tergiversa.

Al final de la cinta es posible descubrir el porqué de las cosas. Todo encaja, a pesar de la cadena de desastres, paralela a la de éxitos, que rodean a los dos personajes. Descubrimos, pues, que el protagonista no era tanto Nicolas como Claude, que logró sentir que vivía la vida que le pertenecía por derecho mucho más que a su amigo a través de él, y que una vez conseguida la meta final, ya nada importa.

Por Andrea Echeverri

andreacine.wordpress.com

MICHEL DEVILLE

NUEVO CICLO DE CINE EN PULIMENTOS DEL NORTE: MICHEL DEVILLE


NUEVO CICLO DE CINE EN PULIMENTOS DEL NORTE: MICHEL DEVILLE
Miércoles 16 de Marzo 2011. 19 h gratis en Pulimentos del Norte (Cortes 29-31. 6ºE Bilbao)
La femme en bleu (Michel Deville, 1973)
Comenzamos un nueva ciclo de cine, en ésta ocasión dedicado al director francés Michel Deville. Las proyecciones serán todos los miércoles a las 19 h enPulimentos del Norte (Calle Cortes 29-31. 6ºE Bilbao). Entrada gratuita.
Tras cada una de las proyecciones se abrirá un debate.

MARZO:

Día 16: La femme en bleu (Michel Deville, 1973) subtítulos en castellano

Día 23: Le Mouton Enragé (Michel Deville, 1974) subtítulos en castellano

Día 30: Le Dossier 51 (Michel Deville, 1978) subtítulos en castellano

ABRIL:

Día 6: Le Voyage en Douce (Michel Deville, 1980) subtítulos en castellano

Día 13: Péril en la demeure (Michel Deville, 1985) subtítulos en castellano

Día 20: La Lectrice (Michel Deville, 1988) subtítulos en castellano

Día 27: Nuit d'été en ville (Michel Deville, 1990) subtítulos en castellano Michel Deville (nacido el 13 de abril 1931) es un director de cine y guionista francés. 

más info en:

http://memoriatecnologica.blogspot.com/

DIANA PORNOTERRORISTA Y LUCIA EGAÑA

MI SEXUALIDAD ES UNA CREACION ARTÍSTICA


Martes 22 de Marzo de 2011 a las 19 h en BilbaoArte.

Presentación del libro "Pornoterrorismo" de Diana J. Torres (Diana Pornoterrorista)

Proyección del documental "Mi sexualidad es una creación artística" de Lucía Egaña.

Se contará con la presencia de ambas autoras y tras la proyección se abrirá un debate.

Diana J. Torres (Madrid, 1981) es una artista multidisciplinar cuyas herramientas clave son la

performance, la poesía, la escritura, el vídeo y la pornografía/postpornografía. Desarrolla liveshows enlos que el público se ve de alguna forma obligado a la implicación emocional, política y/o sexual yrecientemente acaba de publicar su primer libro “Pornoterrorismo” (Ed. Txalaparta).

Se trata de un libro sin concesiones; una crítica demoledora a la hipocresía, una negación radical de lacensura y la autocensura, un grito por el derecho a que cada uno disfrute como quiera de su cuerpo y susexualidad, una denuncia del conformismo y, por encima de todo, una apología extrema de la libertad.

Las experiencias narradas en primera persona y una intuición ideológica fuera de lo común, hacen de estas páginas un documento único. Probablemente el ensayo más radical publicado nunca en esta editorial.

A caballo entre la biografía y la filosofía, Diana nos plantea una profunda reflexión en torno al sexo y lasprácticas sexuales, la moral, la política… y nos da a conocer una forma singular de ser y de vivir. Porque el ‘pornoterrorismo’ es algo que late, que chorrea; un impulso compuesto por el deseo y la imaginación.

Un “atentado” contra las convenciones. Un acto “terrorista” contra las normas.

Diana también desarrolla su labor como activista siempre dentro del campo de la sexualidad, el

postporno, el movimiento queer, el transfeminismo y la prostitución.

Junto con Claudia Ossandón (Generatech.org), Patricia Heras y Lucía Egaña es la organizadora del festival “La Muestra Marrana” (muestramarrana.org), donde intentan dar a conocer otras formas de entender el porno, centrándose principalmente en las producciones nomainstream,

transfeministas, DIY, postpornográficas, bizarras, BDSM y queer. No se trata sólo de un evento de proyeccióncinematográfica sino que intenta profundizar un poco más en el tema realizando presentaciones, charlas, talleres, etc. La “Muestra Marrana” es un evento que se celebra desde su segunda edición en Hangar (centro de producción e investigación de artes visuales de Barcelona).

También creó el grupo de prostitución queer "Perrxs Horizontales". (perrxshorizontales.org)

+info en http://pornoterrorismo.com

Lucía Egaña Rojas (chilena, 1979) vive en Barcelona. Estudió Bellas Artes en la P. Unversidad

Católica de Chile, Estética en la Universidad Diego Portales, un Máster en Documental Creativo en la

Universitat Autònoma de Barcelona, donde actualmente cursa un Doctorado en Comunicación Audiovisual.

Artista visual, realiza instalaciones, performance, video y collage. Sus trabajos pueden catalogarse como arte colaborativo, residual, social. Es blogger (www.blog.lucysombra.org) y vj. Como vj (videojockey) trabaja con basura electrónica, imágenes desechadas, basura tecnológica y cultural.

Es miembro fundador del colectivo minipimer.tv, laboratorio de experimentación con video en tiempo real, streaming, inteligencias colectivas y otras tecnologías libres.

Otra vertiente importante de su trabajo gira en torno a la pornografía, la postpornografía y la sexualidad humana. Su último trabajo, "Mi sexualidad es una creación artística" es un documental acerca de la escena posporno en Barcelona.

 

"MI SEXUALIDAD ES UNA CREACION ARTÍSTICA"

Sinopsis:

El postporno, que surgió en los 90’s de la mano de Annie Sprinkle como respuesta a la pornografía dominante y su representación incompleta y utilitaria de la sexualidad de la mujer, se viene desarrollando con intensidad desde el año 2000 en Barcelona.

El documental Mi sexualidad es una creación artística da cuenta de las personas y colectivos que trabajan y crean el postporno actualmente en esta ciudad. A partir de 7 entrevistas se realiza un recorrido que pretende desvelar las causas, motivaciones y peculiaridades de esta escena, donde la búsqueda por construir otras formas de representación de la sexualidad se visibiliza en un resultado donde arte y activismo político son imposibles de separar. Mi sexualidad es una creación artística es un documental que funciona como cartografía ilustrada con videos postporno do it yourself, documentación de performances e intervenciones en el espacio público.

Ficha técnica:

documental

2011, barcelona

miniDV, color

46 minutos

realización: lucía egaña rojas

cámara (entrevistas): david batlle, lucía egaña

estructura y montaje: lucía egaña rojas

sonido: thomas renaud

 

Trailer: http://vimeo.com/18938067

Reseña: Blogs & Docs por Elena Orozhttp://www.blogsandocs.com/?p=670

Rita Braga

Rita Braga, una vaporosa y singular lisboeta, actúa en Bilbo gracias a MEM

 

p044_f03_88x56.jpg

 

P. C. | BILBO

Simpática y con un acorde siempre en su sonrisa, llega a Bilbo Rita Braga, una lisboeta que con su ukelele o guitarra acústica propone un encuentro intimista y dinámico sobre canciones envueltas por el folk internacional. No es sencillo encontrar música de ella en internet, pero sí un buen puñado de vídeos en Youtube, donde se podrá comprobar la simpatía, originalidad y curiosa cultura musical. Si alguien tiene reparos en encontrarse con una fadista, que se tranquilice, Rita explora otros terrenos musicales: folk de las montañas Apalaches, hawaiano, serbio o folk a secas, aunque también ha tenido algún roce con el fado.

Entre los 8 y los 14 años, Rita Braga tomó lecciones de piano, pero, finalmente, fue la guitarra su instrumento preferido. La portuguesa, traída, por el festival MEM, actúa el miércoles 2 en el Burton (calle 2 de Mayo de la capital vizcaina), a las 20.30.

Pablo Cabeza

Publicado originalmente en Gara

 

ARENAS MOVEDIZAS 2010

ARENAS MOVEDIZAS 2010

ARENAS MOVEDIZAS 2010

 

Arenas Movedizas es un circuito de propuestas artísticas en espacios no

convencionales, comisariado por Fiumfoto, que nació hace 9 años asociado a

los Encuentros Internacionales de Juventud de Cabueñes y con el que se

pretende generar un espacio de convivencia, reflexión y creación mediante la

práctica artística.

 

Alojada desde hace tres ediciones en Laboral Ciudad de la Cultura este

proyecto busca también un diálogo con el edificio y los Encuentros que lo

albergan.

 

Se trata de instalaciones de artistas jóvenes, en la mayoría de los casos creada

específicamente para este proyecto y con una temática adaptada al espacio de

intervención, en esta edición las antiguas cocinas de la Universidad Laboral.

 

Instalaciones interactivas, arte sonoro, vídeos, ilustración, collage,

performances…darán  de nuevo vida a las antiguas cocinas de la Laboral

recuperado un espacio único.

 

--Inauguración: 9/ 09/ 2010 a partir de las 19.00 horas hasta las 23.00 h.

 

--Fechas: Del 9 de Septiembre al 24 de Octubre

 

--Horarios:

De L a V 12:30 a 14:30 y 17:30 a 20:30.

Fines de semana y festivos 12:30 a 14:30 y de 16:00 a 19:00.

 

Participantes

Daniel Romero/ Laramascoto/ Carlos Gispert/ Basurama/ Jose Luis Macías/

Cristina Busto/ Bonus Extra / Daniel Acevedo / LaModern Modern / Frigoexpo

2010 / MEM presenta Ciclo de vídeo Found footage: Pilar Baizán, François Rabet, Yves-Marie Mahe, Derek Woolfenden, Alberto González Vázquez //

 

www.arenasmovedizas.org  

www.facebook.com/arenasmovedizas

www.cabuenes.org  

www.laboralciudaddelacultura.com

 

 

-

-

    BASURAMA (Madrid)
    Chainwork (Trabajo en Cadena). 2009
    Video-instalación.

Chainwork es una video instalación que prentende poner en relación el consumo con el desecho. Todo lo que compramos, consumimos, poseemos, usamos, gastamos o infrautilizamos acaba tarde o temprano en la basura. Chainwork es una obra de Basurama en colaboración con Johan Stevenson.

Basurama es un colectivo dedicado a la investigación, la gestión y la producción cultural desde 2001, que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican y las posibilidades creativas que suscita esta coyuntura contemporánea. Nacido en la Escuela de Arquitectura de Madrid ha ido evolucionando y adoptando nuevas formas desde sus orígenes. Pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Detecta resquicios dentro de estos procesos de generación y consumo que no sólo plantean interrogantes sobre nuestra forma de explotar los recursos, sino también sobre nuestra forma de pensar, de trabajar, de percibir la realidad.
www.basurama.org
http://basurama.org/b09_chainwork.htm

-

-

    DANIEL ROMERO (Avilés, Asturias))
    Qlux Puba. Música para 200 brincadores. 2010
    Instalación sonora.

Qlux Puba es una instalación/performance/pieza musical  compuesta y dirigida por Daniel Romero e interpretada en directo por 200 “frijoles saltarines” de Sonora (México). Es una partitura viva ejecutada y re-interpretada por organismos vivos , que reinventan la propia pieza a partir de sus movimientos.

Daniel Romero es un músico avilesino, nacido en 1978. Lleva más de 10 años experimentando con la música electrónica y con el arte digital - multimedia. Ha editado varios discos bajo el nombre de “.tape.” y ha realizado instalaciones sonoras y performances audiovisuales por todo el mundo.
www.ambulatore.com/daniel_romero

-

-

    LARAMASCOTO (Gijón, Asturias))
    El antropófago. 2010
    Instalación.

“El antropófago” muestra una manera de vivir en el interior del aparato digestivo. Digerimos y somos digeridos, tragados y regurgitados, somos en definitiva consumidores consumidos, es una forma de canibalismo contemporáneo.
Existe una pulsión primitiva que nos proporciona una visión subjetiva de diferentes estadíos en el ente gástrico. Se trata de una imagen expresiva y directa del caníbal en la cocina.

Laramascoto es un colectivo formado por los artistas Santiago Lara y Beatriz Coto. Han llevado a cabo proyectos en Emergent 08 (Mostra de Creació audiovisual de Lleida), Foconorte, Instituto Cervantes de París, Galería Guillermina Caicoya, Galería Espacio Líquido (AlNorte), El Hervidero (Gijón), Arte Lisboa, Arte Santander, Kunstlerhaus GlogauAIR, Bethanien Kunstraum Kreuzberg (Berlín), Lumen_ex (Cáceres) y proyecto Circo de La Habana…
www.lara-coto.com
http://www.facebook.com/laramascoto

-

-


    DANIEL ACEVEDO (Gijón, Asturias)
    Gerris Lacustris. 2010
    Instalación

El zapatero (Gerris lacustris) es una especie de hemíptero heteróptero de la familia Gerridae, común en la superficie de las aguas dulces de Europa, incluyendo la Península Ibérica. Mide entre dos y tres centímetros de longitud. La cabeza tiene largas antenas y grandes ojos. Es posible verle sobre la superficie de las aguas dulces entre abril y noviembre. También es abundante en árboles y arbustos, y en una amplia gama de plantas herbáceas. Aunque prefiere las aguas quietas, es capaz de nadar con firmeza en corrientes poco importantes.
Se desliza sobre el agua apoyándose en su larguísimo segundo par de patas, mientras que el par posterior lo utiliza a modo de timón para ir en cualquier dirección; ambos pares poseen una almohadilla apical formada por pelos hidrófobos, que consiguen formar una minúscula bolsa de aire sobre la superficie, lo que la mantiene en flotación constante.

Daniel Acevedo es Titulado en Grabado y técnicas de estampación por la escuela de arte de Oviedo y auxiliar en diseño gráfico. Además es conocido como Donkeyboy en su faceta como músico.
http://www.flickr.com/photos/danidonkeyboy/

-

-

    CARLOS GISPERT - Icouldbeyou (MALLORCA)
    Risk/Reason/Reality. 2010
    Instalación

Dicen los expertos que el Mercado se autorregula, sabe lo que se tiene que hacer en cada momento y hay que respetarlo! Además se ha demostrado fehacientemente que nuestro Sistema es el mejor de los posibles. No vayamos ahora a echar al traste tanto progreso!
Por tanto hay que confiar en el sistema de representación política de nuestras grandes democracias, tolerantes y abiertas a críticas, si se tramitan en la oficina de reclamación. 
Presentamos aquí un experimento, una irónica extrapolación (explotación),  de cómo se puede vivir como un rey, sustentando nuestras comodidades en la jerarquía del orden global.

Ha realizado estudios en Camberwell College y Royall College de Londres. Co-fundador de la organización cultural Lacasadelcactus, trabaja desde Icouldbeyou en proyectos de instalación como Santa (Es Baluard), Retroprogres (CCCB), y colaboraciones con otros artistas (Susana Muñiz, Gabriella Solini, Tiago Borges o Blanca Escuin) en performances y videoarte.
www.icouldbeyou.org / www.lacasadelcactus.org

-

-



    CRISTINA BUSTO (Avilés, Asturias)
    Platos Calientes. 2010
    Instalación

La intervención recrea pequeños escenarios en el interior del mueble calientaplatos de la antigua cocina de la Laboral, donde se instalarán una serie de cámaras que muestran una parte de estos interiores. Al ver la maqueta, con sus dimensiones falseadas gracias a las cámaras, pasamos a formar parte de esa ficción como observadores de una pieza que busca crear una atmósfera, más que una imagen o una historia.

Artista multidisciplinar de origen asturiano. Su trabajo se interesa por una evolución en el uso de las técnicas, experimentando con las posibles combinaciones entre dibujo, vídeo e instalación; temáticamente busca cambiar el mensaje por la sensación, partiendo desde la narrativa hacia la abstracción. 
http://cristinabusto.blogspot.com

-

-

   LAMODERN MODERN (Gijón, Asturias)
    Accidente LABORAL. 2010
    Instalación

Accidente LABORAL narra un suceso puntual histórico ocurrido dentro de las cocinas de la LABORAL.
Un pequeño episodio acaecido con una freidora voladora, que un buen día despegó, llegando a impactar sobre la estructura de la chimenea de las cocinas. Una anécdota histórica contada y reinterpretada en el mismo espacio, en distinto tiempo. Un lenguaje gráfico y sonoro para reproducir la historia.

Héctor del Campo y Alejandro Mazuelas Kamiruaga vienen desarrollando actividades dentro del ámbito de la creación multidisciplinar realizando unitaria y paralelamente sus actividades, tanto en producción musical como en diseño, dentro de un abanico desdibujado de amplio espectro. Su ámbito es capaz de abordar desde instalaciones a patrones de costura, pasando por el diseño de producto o la creación de paisajes sonoros.

-

-

   JOSE LUÍS MACÍAS (Ponferrada, León)
   Inventario. 2010
   Instalación interactiva

Inventario: registro documental de los bienes y demás cosas pertenecientes a una persona o comunidad, hecho con orden y precisión”. El espectador considerado como “activo corriente” que registrar. El espectador representado como bien material que pertenece a la obra. El espectador tratado como propiedad inherente al archivo. El espectador igualado a “objeto que se muestra”. 

Proyectos fotográficos que se formalizan como instalaciones. Instalaciones que se tornan interactivas. Incursiones en el ámbito de la literatura. Propuestas audiovisuales inconclusas. Actualmente trabaja como diseñador gráfico. Reside en Gijón desde 2006.
www.joseluismacias.com

-

-

    BONUS EXTRA (Asturias / Madrid / Berlín)
    Bonus Cuisine Vivant. 2010.
    Instalación

Cuisine Vivant ha sido una extensión de nuestro último proyecto Tableau Vivant. Ambos parten de la expresión francesa “tableau vivant” (pintura viviente), acuñado en el S.XIX, para definir la representación de un grupo de actores o modelos de una obra pictórica preexistente o inédita. En su momento, fue una forma de entretenimiento donde las personas usaban trajes y posaban como si se tratara de una pintura.
En Cuisine Vivant prepararemos un excelente guiso de verduras con ayuda de la cocinera.
Bonus-Extra (Alicia G. del Fresno, Blanca Nieto, Paco Vallejo, Alfonso Reverón, Viki Carranza), desde 2006.
Los proyectos de Bonus-Extra van desde cortos de ficción, animación y cómics, a carteles e instalación. Los miembros realizan trabajos artísticos independientemente; cuando crean como grupo buscan un proceso de creación  lúdica, de disfrute, y que el espectador se contagie de este espíritu creativo.
www.bonus-extra.com

      MEM PRESENTA:
      Ciclo “Video found footage” 
      Comisariado por Txema Agiriano

Ciclo de vídeos generados a partir de “archivos robados”. La selección ha sido elaborada por los organizadores del Festival MEM (Musica Ex Machina) de Bilbao, un festival que desde 2.002 se ha focalizado en las últimas tendencias de la música y el vídeo experimental.

Video found footage

Pilar Baizán “Tortilla Ferrán Adriá”

François Rabet “Desecrator”

Yves-Marie Mahe "Jeuness"

Derek Woolfenden “Que sera sera”

Alberto González Vázquez “2010”

 

"Cuando preparo está selección no pienso en un arte que surja de lo que cada artista encuentra sino que se encuentra en lo que cada artista le surja. Un arte rutilante e insolente que no aspira en encontrar en lo que halla una originalidad improbable sino que al encontrarse frente a lo que le precede la crea. ¡Un arte, en suma, que no se confunda con la pre-tecnología que nos enseñaban en la escuela!"

 

Pilar Baizán “Tortilla Ferrán Adriá”

La oferta de cine gastronómico nos permite viajar a través de las cocinas del mundo, disfrutar y casi sentir y degustar los platos.
Este video trata de dar una vuelta de tuerca a este tema, removiendo al espectador, activándolo para no dejarlo impasible ante la receta de imágenes presentada. Este trabajo también trata la relación entre arte y cocina que se ha impuesto en los últimos años entre los cocineros de la alta cocina. Esta pieza se cocina con ingredientes robados.

 

Pilar Baizán

Pilar Baizán es artista visual y sonora nacida en Gijón y residente en Bilbao. Ha realizado instalaciones sonoras específicas (Galleteras, Fabrica Galletas Artiach; Allende la Puente, Museo de Reproducciones) y ha mostrado su trabajo a nivel internacional (Kaleidoskop, Copenhague; K:ita, Berlin; Sonic Circuits, Washingtong DC; Issue Project Room, New York;…)  y estatal (Sonar, LEM, MEM, Experimentaclub, Museo Guggenheim Bilbao,..)

http://www.baselinenoise.com/

François Rabet “Desecrator”

Desecrator muestra una sesión de rehabilitación en un hospital a ritmo grindcore. Algo más que un videoclip para el grupo colombiano Desecrator.

http//www.autofuck.fr

 

François Rabet

“François Rabet es un fanático que utiliza el medio fotográfico como sistema para mostrar sus sentimientos que son íntimos, bastos y críticos. Todos sus films son de muy corta duración y poseen una increíble ternura impropia de nuestros tiempos de alta carga corrosiva y critica.”

Derek Woolfenden en Insert N°1-juin 2009

http//www.autofuck.fr

 

Yves-Marie Mahé "Jeuness"

"Jeuness" es la autobiografía de Nicolas Sarkozy

 

Yves-Marie Mahé

Nacido en Morlaix (Francia), Yves-Marie Mahé es fundador de la coopertiva de Super-8 "La Lueur Déchirée". De 2005 a 2006 fue presidente de la asociación cinematográfica "L’Etna". En 2007 fundó el colectivo de cineastas experimentales “Collectif Négatif".

http://negatif.mahe.free.fr/?cat=1

http://www.lightcone.org/en/filmmaker-202-yvesmarie-mahe.html

 

Derek Woolfenden “Que sera sera”

Un film cínico, casi misantropico que, a pesar de su aspecto infantil, se las arregla para enumerar y declinar algunas de las bestias histórico-mitológicas que han surgido del imaginario colectivo: los burros de Collodi, las ratas de Hamelin, cerdos de Circe, las ovejas de Panurgo, el perro de Pavlov. La televisión contemporánea se asemeja a una gigantesca granja; la tentación del éxito y la fama que ofrece es análoga a la experiencia de Pinocho cuando se le aseguró que él nunca habría de volver a trabajar (diversión de por vida) y se transformó en un burro! La individualidad no existe, Don Quijote no es el único en creer en los molinos de viento.

 

Derek Woolfenden

Derek Woolfenden es cineasta, investigador y teórico de cine, miembro de Collectif Négatif.

“Lo que nos une a Collectif Négatif es esta necesidad de desviar lo que se ve y reapropiarse de ello no en una lógica oportunista propia de agencia publicitaria, sino en una lógica afectiva desconsolada. Desembarazar el cine dominante de todo su discurso acostumbrado moral o político: transformar así el cine dominante en obra lúdica, nihilista, intimista y sexual.”

 

Alberto González Vázquez “2010”

Año 2010. Las corporaciones controlan el destino de una población en estado letárgico. Un hombre encuentra una moneda.

Alberto González Vázquez

Alberto González Vázquez, también conocido como “Querido Antonio” es un joven artista que trabaja dentro el mundo de la animación, el found footage y el cortometraje. Sus trabajos siempre cargados de una profunda ironía, se desenvuelven dentro del mundo del cine, la política y la vida cotidiana. Tras mostrar muchos de sus videos en youtube con gran éxito son sus  trabajos para “El intermedio” los que le han acercado al gran público.

http://www.queridoantonio.com/

 

Txema Agiriano

Txema Agiriano, Experto en Arte y Nuevas Tecnologías (UPV/EHU), es crítico, investigador y comisario de arte. Dirige el festival internacional de arte experimental MEM desde su creación en 2002.

En 2009 editó el libro “Found Footage, No clases de pretecnología” ISBN: 978-84-7821-738-0

 

http://mamorro.blogspot.com/

http://www.musicaexmachina.com/



http://mamorro.blogspot.com/
http://www.musicaexmachina.com/

-

-

      FRIGOEXPO 2010
      “When the Apes met….”
      Exposición colectiva internacional

Exposición organizada por el polifacético Juan Roller, artista asturiano afincado en Bilbao, que reúne el trabajo de 40 ilustradores de todo el mundo trabajando a partir de una temática común como es la película “El Planeta de los Simios” ubicada otro referente cultural. Simultáneamente a Arenas Movedizas se estará exhibiendo en Bilbao (Joker), y más adelante se trasladará a México (Galería Vértigo), Pamplona y León.
www.frigofingers.com
http://www.frigofingers.com/frigofingers.com/Frigo_Expo_2010.html#39

BLV, POLO ARTISTICO EN EUSKAL HERRIA

BLV, POLO ARTISTICO EN EUSKAL HERRIA


BLV, POLO ARTISTICO EN EUSKAL HERRIA

El primer sábado de cada mes, cada vez más personas acuden a la calle Dos de Mayo a ver los puestos y el gran ambiente que se genera. Allí descubren que en ésta zona de Bilbao el arte y la cultura ruge en cada esquina. Son pocos los que saben y no muchos los que recuerdan que éste polo artístico bilbotarra tiene su propia historia.

 

En 1988 los jóvenes artistas Alberto Urkiza y José Ramón Bañales “Bada” volvían de Berlin donde habían tenido un taller galería con el nombre de Safi Gallery y buscaban un espacio en Bilbo para continuar la experiencia. Encuentran un estudio en las Cortes y al grupo se juntan Jorge Gómez, José Luis Arrizabalaga "Arri", Arturo García "Biafra" y Alex de la Iglesia. Iban a revolucionar el arte en Bilbo. Instalaciones y performances eran bienvenidas, había convocatorias de arte abiertas y las fiestas iban más allá. Imborrable aquel aeroconcierto donde Berto y Arri actuaban colgados y Biafra, sobre un somier de metal comía cabezas de pescado crudo.

 

La colaboración entre la Asociación de Vecinos y antiguos miembros de Safi, da como fruto en 1990 en la Plaza del Corazón de María el Kultur Bar. Allí se programaran numerosas exposiciones, conciertos, teatro y performances hasta que en 1993 se les desahució. Después llegó X–Planet, en Dos de Mayo, pero sólo duró unos meses.

 

El antiguo comedor de las minas se cedió en 1992 a los vecinos de Zabala y gracias a la colaboración entre éstos y varios artistas se convirtió en Las Chamas. De nuevo un local autogestionado para exposiciones, conciertos, conferencias performances y fiestas.

 

La Iglesia de la Merced acogió en 1992, cinco años antes de que se convirtiera en Bilborock la Muestra Videográfica de alumnos de Bellas Artes. Josu Rekalde, hoy decano de Bellas Artes y organizador de la muestra, nos cuenta: “La idea de hacer algo en la iglesia de la Merced vino de la necesidad de buscar un lugar alternativo al de San Nicolás del BBVA para las performances e instalaciones con un contenido más experimental y político. En ese momento y aun siendo en un lugar en ruinas como era la Merced, el agrupar las performances en sesiones se nos aparecía como más consolidado. De alguna manera había entrado en una institución pública. Desde la perspectiva actual pienso que por muchas razones el arte que se apoya ha ido por otros derroteros y el esfuerzo de mucha gente por canalizar energías estéticas y vitales diferentes al arte tradicional, han caído en el olvido.”

La primera galería de tipo comercial será La Brocha. Gracias a Mikel Mardaras y Emilia Epelde abre sus puertas en la calle Conde Mirasol en 1993.

 

En 1998 se inaugura el centro de producción artística BilbaoArte en las escuelas de Urazurrutia. Prometía dinamizar la zona. Aunque al principio se movió en la carencia con el paso de los años el flujo de artistas, cursos, exposiciones y eventos ha sido constante. Aun así aun no ha llegado a ser lo que se esperaba.

 

El mismo año abre en la Plaza del Corazón de María, Sarea. Un proyecto impulsado por la Asociación de Vecinos, como club y red de colectivos. Hasta su cierre se realizaron múltiples actividades de interés cultural incluyendo conciertos y exposiciones.

 

Espacio Abisal después de 3 años en Mazarredo en 2000 se translada a la calle Urazurrutia. Abisal duró aquí 5 años y durante aquel tiempo fue uno de los espacios artísticos más dinámicos de Euskal Herria con exposiciones (Pepo Salazar, Javier Soto, Job Ramos, Saioa Olmo, Oier Etxeberria, Ismael Iglesias, Alberto Lomas, Jorge Rubio, Roberto Barrena, Ixone Sádaba, Marianela León, Marta Martín, Fermin Moreno, Ramón Churruca, Logela Multimedia, David Cívico, …), conferencias, proyecciones, fiestas, performances y conciertos. También se dieron interesantes colaboraciones con otros colectivos e individuos como Espacio Tangente, FTI, MEM, Mattin,…

 

A partir de 2001 Badulake, aporta también lo suyo cediendo espacio y medios para la organización de proyecciones, performances y conciertos. Lo mismo ocurrirá con el Bullitt.

 

En Noviembre de 2002 los artistas Jesús Uranga y Roberto Atance abren la galería Espacio Marzana Desde entonces han apoyado propuestas artísticas emergentes sin olvidar a artistas consolidados labrándose un fructífero camino en el mundo del arte.

 

El MEM nace en 2002. Un festival de arte experimental, con carácter internacional, que se desarrolla principalmente en San Francisco y Bilbao La Vieja y que de alguna manera recupera el espíritu de Safi . En 2004 abrieron Pulimentos, taller de creación y espacio multidisciplinar donde se han hecho conciertos, performances, exposiciones y ciclos de cine y video.

Un grupo de artistas organiza en Abisal “Beroketak” en 2003; unas jornadas que serán el germen de Amatau TV. En Italia habían visto experiencias de telestreet –un movimiento de canales de televisión pirata- y decidieron transladar la idea a San Francisco. Realizaron innumerables proyectos relacionadas con la experiencia vital cotidiana del barrio.

En 2005 Abisal se mudo a la calle Hernani y ese mismo año abre Anti Liburenda que además de librería ha sido un dinamizador cultural en el barrio. En otoño María PTQK lanza Netlach que durará 3 ediciones. “San Francisco es el lugar idóneo para ese tipo de iniciativas: es el barrio más cosmopolita de Bilbo, el de mayor diversidad cultural y además posee un tejido creativo dinámico. Aun así las políticas que esta llevando a cabo el Ayuntamiento allí no me parecen las adecuadas.”

 

A partir de 2006 los proyectos creativos en BLV son ya una explosión: Hiru Espazio (ya cerrado), 7 Buru Terdi (ya cerrado), Galería Garabat, D-Spacio, Seycollors Gallery, Sábados de 2 de Mayo, BLV Puente a la Cultura, Zabala Zabalik 16, Burton, Marzana 16, Galería de Arte Urbano San Francisco,… pero esto es ya pura actualidad.

 

Txema Agiriano 

Publicado originalmente en Mugalari el 13 de Agosto de 2010

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

Convocatoria de Fotografía: EXPERIMENTO BIO

 

Phake y MEM se han unido para alumbrar Experimento Bio. El objetivo es el de convertirse en un locus de encuentro e intercambio entre creadores que investiguen en el campo de la fotografía, un escaparate desde el que visibilizar las propuestas artísticas más arriesgadas y novedosas.

Los promotores proponen realizar una serie fotográfica de temática y técnica libre y en la que se valorará la creatividad y el riesgo de la propuesta. La serie que mejor refleje el espíritu de Experimento Bio será expuesta en uno de los espacios del festival MEM en Bilbao durante un período de 3 semanas.

La producción de la serie elegida será financiada por MEM. El coste de producción no superará los 800 €. La galería Phake realizará una entrevista al artista y un artículo sobre su obra que se publicarán en la web de la galería. Además, se le entregarán dos pases VIP para el festival internacional MEM.

Las obras se remitirán a la dirección de correo experimentobio@gmail.com. El plazo de aceptación de las obras comenzará el 01 de julio de 2010 y finalizará el 22 de octubre de 2010. Todas las obras enviadas podrán ser contempladas en el espacio reservado a tal fin en el blog de Phake. Las obras se enviaran en formato gif con una resolución máxima de 72 dpi y un peso no superior a los 200 Kb por cada fotografía.

Más información

http://experimentobio.blogspot.com/

 



Panoramia II

Panoramia II

El arte toma la calle


 

Panoramia II

Galería de Arte Urbano San Francisco

Bailen 35. Bilbao

Una nueva nota de color ilumina hoy la calle Bailén. El arte llegó hace ya tiempo a ésta gris arteria bilbaína del barrio de San Francisco y ahora lo hace de nuevo a través de un proyecto que quiere tener continuidad y expandirse por los muros ciegos del barrio en proceso de gentrificación. Con buena o mala fortuna se hace llamar Panoramia.

La pasada semana se inauguró en la pared que está enfrente del número 35 de la calle Bailén “Panoramia II” segunda exposición sobre estos muros que ahora han recibido el pomposo nombre de Galería de Arte Urbano San Francisco. En diciembre pasado en ese mismo espacio tuvo lugar “Panoramia I” y meses antes unas paredes de la calle Olano tuvieron el privilegio de ser elegidas como fase cero del mismo proyecto. Cuando las obras de la Plaza del Corazón de María estén concluidas –en un par de años- se espera contar con un muro exterior del Centro Cívico como segundo espacio.

Esta loable iniciativa partió de José Ramón Bañales Bada, artista responsable de la empresa DK Muralismo que lleva trabajando en el mundo del arte en éste barrio desde 1988 con la creación de Safi Gallery en la calle Cortes y en 1990 con Kultur Bar en la Plaza del Corazón de María y desde 1991 se ha dedicado profesionalmente a la rehabilitación de espacios urbanos a través del arte.

A ésta iniciativa, abierta a nuevas colaboraciones, se sumaron SC Gallery y Galería Garabat. Para llevar a cabo éste proyecto de galería al aire libre, han contando con el respaldo de la Oficina del Plan Especial de Bilbao La Vieja, San Francisco y Zabala.

La idea consiste en ocupar mediante intervenciones artísticas los feos muros de nuestras calles. De ésta manera, además de embellecer éste barrio creativo, donde encontramos numerosos estudios de diseño y arquitectura, galerías de arte, tiendas de ropa, librerías y todo tipo de interesantes comercios y servicios de cariz actual se intenta llevar el arte a la calle. El espectador no necesita acudir a la galería para poder contemplar la obra de los jóvenes pero prestigiosos artistas seleccionados, sino que directamente se encontrará en la calle de forma periódica con una nueva exposición, acercando de éste modo la cultura no sólo a su habitual seguidor sino a todo tipo de neófitos tanto locales como visitantes.

La Galería de Arte Urbano San Francisco se compone actualmente de 5 paneles de seis por dos metros. En “Panoramia I” los artistas seleccionados fueron Fermín Moreno, Ismael Iglesias, Ektor Rodríguez y Jorge Rubio, todos ellos de Bilbao y cercanos al barrio y Satone de Munich fue el artista invitado propuesto por SC Gallery. Resulta interesante ver como la mayor parte de ellos olvidaron sus prácticas artística habituales para adaptarse a la reproducción en blanco y negro (en aquella ocasión ninguna de las piezas que fueron encoladas en los paneles era en color) y al lugar de emplazamiento, con lo que se consiguió un resultado muy interesante.

En “Panoramia II” se ha trabajado de nuevo sobre aquellos 5 paneles buscando obras que vuelvan a hacer referencia al lugar donde se encuentra la Galería. La ilustradora Higinia Garay que trabaja en una línea que podríamos emparentar con Rita Ackermann acierta al presentarnos un lobo feroz en la belleza del bosque que rápidamente podemos emparentar con la situación del barrio. Kepa Peñil Jokeremonutiliza una fotografía de New York que refleja el movimiento de la gente en la calle. La barcelonesa Anna Taratiel muestra una de sus estampas urbanas desoladas pero amables. Desde Paris 36Recyclab diseña estructuras con nuevas perspectivas siempre a partir de elementos encontrados en las calles. Nadia Barkate nos sorprende con una colorística fotografía.

Lo importante para los promotores es que esta galería tenga continuidad y el arte tome la calle por lo que para la tercera exposición probablemente no se utilicen ya los mismos paneles, sino que se intentará ir más allá.

No es ésta la única iniciativa de traspasar los límites de la galería en San Francisco. Así cuando visitemos ésta exposición deberemos fijar nuestra vista también en las persianas de los comercios pues a través del proyecto “Bajamos la persiana” algunos artistas han transladado su arte a éste soporte. Se pretende en éste caso “dar una imagen moderna y llamativa que incida en ese proceso de rehabilitación (…) y también elaborar una actividad en la que los comerciantes puedan colaborar y los vecinos de barrio disfrutar en directo de un trabajo artístico que de otro modo sería difícil que contemplasen.” Arte instrumentalizado y a la vez una oportunidad para los creadores más jóvenes.

Las iniciativas en ésta zona no son pocas y así en estos días se propone la creación de un espacio de dinamización cultural autogestionado y organizado de forma horizontal donde tenga cabida desde las manifestaciones artísticas populares de todas las culturas que conviven en el barrio hasta las más innovadoras formas de arte.

Los habitantes de Bilbao La Vieja, los artistas que viven y trabajan ahí y los que mediante ayudas por parte de Lan Ekintza y Surbisa fueron llamados a crear ésta zona creativa mediante la implantación de sus empresas, quieren seguir creyendo que los planes de regeneración surgidos a principio de los años 90 algún día se materializarán.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 11 de Junio 2010

ROLAND TOPOR

ROLAND TOPOR



 

El maestro de Pánico

Galeria Garabat (Calle Dos de mayo, 19 - Bilbao)

ROLAND TOPOR

obra gráfica

Hasta el 30 de Julio 2010

 

Hasta final de Julio en la Galería Garabat del barrio de San Francisco (Bilbao) tenemos la oportunidad de visitar una selección de obra gráfica del genial artista polifacético Roland Topor. Además se proyectarán algunas de sus películas. Desde 1997 Topor ya no está entre los vivos, pero su trabajo sigue resultando tan fresco y punzante como siempre.

 

Tuve el primer encuentro con la obra de Topor a través de su libro Mundo Inmundo (Colección La Nariz, -dirigida por Álvaro de la Iglesia- Editorial Planeta 1972). Cuando descubrí el libro en la biblioteca familiar no tendría yo aun doce años. Recuerdo con claridad aquella portada en la que aparecía una persona sin rostro sobre el que había una mosca. Dentro, 250 páginas con dibujos en tinta china que mezclaban la fantasía, el terror, el erotismo, la crueldad y el humor. Un auténtico descubrimiento como lo será para muchos ésta exposición.

 

Nacido en Paris en 1938 hijo de inmigrantes judíos polacos Roland Topor estudió Bellas Artes. Con veinte años ya publicaba en las revistas satíricas Bizarre y Hara Kiri y en 1961 publica su primer libro de ilustraciones con el título de Les Masochistes (Los Masoquistas) que fue premiado como mejor libro de humor negro de aquel año. Dibujos a plumilla de un universo onírico con la muerte y el sexo como dos obsesiones principales. Por entonces conoce al dramaturgo Fernando Arrabal y pronto al director de cine chileno Alejandro Jodorowski que eran habituales de las tertulias surrealistas de André Breton en el caféLa Promenade de Venus. En 1962 en una reunión con Topor en el Café de la Paix deciden crear su propio grupo: Panique (Pánico) un homenaje al dios Pan, generador de miedo, dionisiaco y de sexualidad desenfrenada. Pánico se definirá como un movimiento neo-Dadá y post-Surrealista que utilizó el humor negro como su principal arma. En los siguientes años Roland Topor trabajó en diferentes medios, sin dejar nunca el dibujo. En 1964 junto a René Laloux realizó el corto Les Temps morts (Los Tiempos Muertos) donde se combinan los dibujos de Topor con imágenes de archivo creando su particular “Los desastres de la guerra” goyescos. Al año siguiente con Les Escargots (Los caracoles)una fábula dibujada por Topor donde unos caracoles gigantes causan el pánico, son premiados en festivales cinematográficos en Mamala, Trieste, Prades y Cracovia. En 1973 ganan de nuevo un importante premio en el festival de ciencia ficción de Trieste y el premio especial del jurado en el Festival de Cannes con el largo de animación de marcado ambiente surrealista La Planète sauvage (El Planeta Salvaje). En 1988 junto a Henri Xhonneux realizará la película Marquis, basado en la vida del Marqués de Sade. En éste film de culto que combina diversas técnicas de animación con actores reales y donde uno de los protagonistas es el propio pene del marqués, todos los personajes aparecen representados con cabezas de animales. Auténticas maravillas de la animación para adultos.

Topor fue también escritor, dramaturgo, realizó óperas e incluso fue actor. Su primera novela, Le Locataire chimérique de 1964, fue llevada al cine en 1976 por Roman Polanski como Le Locataire (El quimérico inquilino) y como actor trabajó entre otras producciones a las órdenes de Werner Herzog en Nosferatu.

Publicó más de 10 novelas y otras tantas antologías de dibujos reunidos por temáticas, ilustró obras de Arrabal, Lawrence Durrell, Tolstoi, Anatole France, el Pinocho de Collodi y también hizo carteles para el cine, como el famoso de El tambor de hojalata para Volker Schlöndorff. Con el editor Yves Rivière, realizó numerosos grabados y algunos de ellos son los que ahora podemos disfrutar en Garabat. Dos linograbados y 18 litografias –en color y blanco y negro-, todos ellos firmados, nos introducen en el universo de Topor.

El artista parisino gran conocedor de la mitología la utiliza como recurso para crear sus estampas, como en su representación de un Hércules despojándose de unas cadenas o su versión del mito de Lena donde el cisne ha sido substituido por un dodo. Crea un mundo surrealista donde aparecen magos masoquistas, mujeres poderosas y hombres dominados por sus deseos sexuales. En ocasiones Topor hace referencia a pintores de siglos pasados. El universo de Brueghel está siempre presente en esos personajes y situaciones que el crea con su dibujo. Delacroix es otra importante referencia y así lo vemos en una de las más cuidadas litografías de la exposición donde representa una lucha en la que los personajes utilizan el bello púbico como arma. Está presente también en la exposición su particular homenaje a la “La gallina ciega” de Goya. Topor no nos oculta su debilidad  por el aragonés, especialmente sus grabados, uno de sus influencias más claras. Fuera ya de la pintura, su otro gran maestro será Alfred Jarry.

 

Acercarse a ésta exposición supone una gran oportunidad para entrar a conocer un muy interesante artista del siglo XX. Además de admirar su obra gráfica, en Garabat se podrá disfrutar de algunas de sus películas. El día de la inauguración se pudo ver La Planète sauvage. El viernes 18 de junio, a las 20:30 h., podremos ver Le Locataire chimérique y el viernes 30 de julio, a las 20:30 h, para despedir la exposición, se proyectará Marquis.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 4 de Junio 2010

BECAS MONTEHERMOSO 2009

BECAS MONTEHERMOSO


 

 

OCHO PROYECTOS

Centro Cultural Montehermoso Kulturunea

Vitoria-Gasteiz

8 individuales

Arte e Investigación 2009

Del 21 de Mayo hasta el 29 de Agosto 2010

 

Hasta el 29 de Agosto el Centro Cultural Montehermoso Kulturunea de Vitoria-Gasteiz presenta en sus salas las exposiciones producto de la convocatoria “Arte e Investigación 2009”. Los artistas becados  fueron Leonor Antunes, Erika Arzt & Juan Linares, Nadia Barkate & Marion Cruza, Niamh O’Malley, Paloma Polo, Carissa Rodríguez, Jorge Satorre y Azucena Vieites.

Un jurado compuesto por Jon Mikel Euba (artista), Eva González-Sancho (Directora del FRAC de Bourgogne), Nuria Enguita (comisaria e investigadora del arte) y Xabier Arakistain (Montehermoso) fue el encargado de seleccionar los ocho proyectos becados.

El resultado es una exposición variada, como corresponde a ocho individuales que es lo que se presenta, donde destaca la presencia femenina y donde el video es uno de los medios más utilizados. Estas becas constituyen una gran oportunidad, ya que la selección se realiza a partir de un proyecto o un proyecto en proceso y para su consecución los artistas disponen de 3.000 € en concepto de honorarios y 7000 € para su producción.

La donostiarra Azucena Vieites sigue su línea conocida de dibujos a blanco y negro basados en fotografías predominando en ésta ocasión un collage de textos que ella a dibujado. Se trata de entrevistas a mujeres artistas de diferentes disciplinas aparecidos en revistas del ámbito queer, punk feminsta y post riot como GLU. Una reivindicación del “hazlo tu mismo” y el empoderamiento de la mujer.

Leonor Antunes, Beca Botín 2009, es una artista muy presente últimamente en diversas muestras colectivas. La escultora lisboeta afincada en Berlin, presenta una exposición con diversas piezas tridimensionales. Antunes gusta de revisar pequeños momentos o acontecimientos históricos, a los que hace protagonistas de su obra. Partiendo de un exámen de un elemento de la memoria colectiva que llama su atención, ella nos da su propia nueva visión.

La madrileña, residente en Amsterdam, Paloma Polo es una artista emergente con gran proyección. Recientemente ha sido Premio Injuve, ha obtenido la Beca de creación artística del MUSAC  y prepara una exposición en el MNCARS. “Enough Redundancy in the System”, la obra que nos muestra, toma como referente un programa del gobierno holandes para impedir las inundaciones mediante una complicada obra de ingeniería materializada en una barrera de alta tecnología. El sistema incluye un simulacro de actuación que se realiza de forma periódica para comprobar la eficacia del proyecto. Polo utiliza este plan como guión para su film de 30 minutos que presenta a modo de instalación audiovisual junto a otro video y una caja de luz.

La neoyorkina Carissa Rodríguez es además de artista, galerista y escritora. Para Gasteiz ha preparado una serie de esculturas/escritorios/muebles construidos a base de madera con melaninas impresas con nombres y trozos de imágenes de diversos artistas convirtiéndolas en piezas autobiográficas.

Para el proyecto de Montehermoso la irlandesa Niamh O’Malley ha filmado un video en el lago de Lough Derg (Irlanda). La artista, interesada en investigar las formas de ver y presentar, ha trabajado algunos años proyectando sus trabajos sobre lienzos pintados. En ésta ocasión proyecta sobre una tela negra consiguiendo un efecto de una calidad estética inusual. En sus últimas muestras utiliza cristales y espejos de doble cara sobre los que pinta con oleo y aquí podemos ver también una pequeña muestra. Extrañación a partir de la manera de ver.

Los afincados en Berlin, Erika Arzt & Juan Linares tratan la memoria colectiva resucitado por un día un viejo parque de atracciones del Berlín Oriental. Para sorpresa de viandantes y gracias a la beca de Montehermoso, los artistas pusieron a funcionar la noria, que llevaba ocho años parada, y que fue construida en 1989 para celebrar el cuarenta aniversario de la República Democrática Alemana. Aquel día en Berlin celebraban los veinte años de la caida del Muro. Fueron necesarios meses de trabajo, nuevos motores y la labor de ingenieros y mecánicos para conseguir su objetivo. En la exposición tienen además otros dos proyectos que siguen su línea de exploración e inclusión de las comunidades en el desarrollo de su obra.

El proyecto de las bilbaínas Nadia Barkate & Marion Cruza lleva por título “Red River / Rio Tinto” en referencia al mítico western de Howard Hawks donde se retrataba una odisea. Ellas también se embarcaron en una odisea realizando el film que presentan. Si en “Sing Sad Songs” comenzaron sus investigaciones fílmicas a la manera de un nuevo Dogma o una nueva Nouvelle Vogue en  “Red River / Rio Tinto” vuelven a crear un video saltándose las estructuras. El resultado es una atractiva película que sucede antes de la filmación de una película. La instalación se completa con unos fantásticos dibujos que forman parte de la escenografía del film.

El mexicano residente entre Paris y Barcelona Jorge Satorre ha focalizado el trabajo de sus últimos años en una revisión histórica in situ que el transalada a su experiencia personal muchas veces plasmándola en dibujo utilizado como documento narrativo y herramienta de recuperación de la memoria. Sus manera de aproximación con éstos lugares históricos está ligada al land art y aldocumental científico, pero no por ello dejando de ver el lado cómico o absurdo de la vida. Las diapositivas de lugares donde existieron formaciones megalíticas, hoy desparecidas, que presenta en Montehermoso vienen de un proyecto anterior llevado a cabo en Córcega donde comenzó a interesarse por estas formaciones y la escasa información que poseemos de ellas. El dolmen como un lugar cargado de significado pero del que sabemos realmente muy poco. Un espacio para todos y abierto a las más amplias interpretaciones.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 28 de Mayo de 2010

EXPOSICIONES DE GUERRILLA

EXPOSICIONES DE GUERRILLA en ESPACIO ABISAL


 

 

BREVE

Espacio Abisal. Bilbao

Varios artistas

Durante todo el año

 

EXPOSICIONES DE GUERRILLA

La galería Espacio Abisal de Bilbao, en combinación con su programación habitual de exposiciones de tres semanas de duración, ha optado en el último año por un nuevo formato de exposición al que ha llamado “Breve”. El último sábado de cada mes los artistas seleccionados se comprometen a montar, inaugurar y desmontar una exposición que sólo dura ese día.

El tiempo dedicado a una exposición viene definido por sus posibilidades de rentabilización. ¿Cuánto cuesta? ¿Cuánto puedo vender? ¿Cuántos visitantes podemos atender? ¿A cuántos visitantes podemos atraer? Unos cálculos que todo organizador debe plantearse a la hora de definir estas duraciones. En los museos el periodo de exposición suele ser de varios meses, en las galerías privadas de un mes, las ferias de arte comerciales abarcan unos pocos días y otras manifestaciones artísticas como la Bienal de Venecia 6 meses y la Documenta de Kassel 100 días. Ha veces los tiempos de exposición resultan totalmente excesivos, como por ejemplo los cuatro meses que duran buena parte de las exposiciones de la Sala Rekalde de Bilbao. Haría falta un mayor flujo de visitantes para su rentabilización, pero no es tarea fácil. En ocasiones es la propia exposición la que no resulta atrayente para un público amplio. Muchos museos ven en las visitas guiadas y talleres para niños y jóvenes la solución a una baja afluencia de espectadores. En el caso de los escolares se consiguen cientos de visitantes cautivos. Una idea más interesante es la de realizar actividades complementarias como proyecciones, charlas o conciertos. La combinación de otros eventos en el propio espacio expositivo puede ser un buen sistema para acercar el público a la galería. Los galeristas barceloneses han tomado la iniciativa de organizar un ciclo de pequeños conciertos en sus espacios. Así, se asiste a ver la exposición y, a la vez, a escuchar unas piezas musicales que amenizan la visita, todo ello acompañado de una copa de cava por cortesía de la galería. Y si pusieramos jamón seguro que el número de visitantes aumenta.

El público asiste más al evento social que a la llamada del arte. Una adecuada forma de comunicar y presencia en medios junto con el boca-oreja pueden hacer que el flujo de visitantes continúe pero en la mayor parte de las ocasiones lo que ocurre es que la exposición languidece en su apacible espacio sin recibir más vistas que unas pocas puntuales.

¿Tiene sentido tener una exposición abierta durante un mes si nadie acuda a verla después del primer día? ¿Por qué hacer entonces exposiciones que duran semanas si nadie va a acudir después del día de la inauguración? ¿No resultará más eficaz poner todos los esfuerzos en un único día?

Un planteamiento de éste tipo es el que llevó a Eduardo Hurtado, uno de los comisarios y actuales directores de Abisal a plantear el proyecto que nos ocupa.

Breve, según su comisario, “pretende indagar en los ritmos de producción y exhibición de los procesos artísticos
contemporáneos”. Se propone a los artistas seleccionados una intervención en la galería que tendrá una duración de un día, donde se incluye el tiempo de montaje, inauguración, exhibición y desmontaje. Esto sucede el último sábado de cada mes y desde Enero han pasado por los breves de la galería de la calle Hernani Juan Aizpitarte y Oier Villar, Estitxu Losa, Usoa Areitio, e Ibai León y Sara Campillo. Para cada una de las exposiciones se publica una postal impresa en fotocopia que al final del proyecto se agruparan en forma de publicación. Los artistas reciben un pequeño presupuesto a modo de dieta del día. Una dinámica que sirve para dar la posibilidad de exponer a un mayor número de artistas, aunque solo sea un día, y a la vez un experimento donde los rítmos y el tiempo son protagonistas. Los resultados, como es de esperar, son muy variados y hay desde el artista que consigue una exposición al uso en un tiempo récord, hasta el que por la premura de tiempo sólo consigue abocetar sus ideas, pasando por el que intenta saltarse las normas del propio proyecto desvirtuándolo.

Breve es un proyecto que se podría agrupar con otros que tienen el trabajo en la galería y no en el estudio uno de sus parámetros principales. Así ocurre con el proyectoPraxis en el Artium donde en su primera edición los hermanos Roscubas restauraban una de sus piezas frente a los visitantes.  En Primer Proforma 2010 (MUSAC) Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego se encerraron junto a quince voluntarios en el museo para crear lo que luego se mostraría como exposición final.

En el caso de Abisal los artistas toman la decisión de si crearán en el propio espacio o se limitaran a colgar sus obras, todo depende de ellos, pero solo disponen de una mañana. Todo un reto con diversos resultados.

Esta inmediatez emparenta a Breve con el arte de guerrilla formando parte de su versión más light, la galerística exposición de guerrilla. Un genero expositivo cada día más en auge en un Bilbao donde supuestos galeristas hacen del alquiler de su espacio su modus vivendi, donde el público rara vez acude al espacio expositivo después del día de su inauguración y donde a los artistas, lejos de alcanzar derechos largamente reivindicados, se les sigue pidiendo todo a cambio de muy poco.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 7 de Mayo de 2010

ANDREA NACACH

ANDREA NACACH


 

 

“Revolver”

Andrea Nacach

Fotografía

Galería Vanguardia, Bilbao

Hasta el 20 de Mayo 2010

 

La memoria de Andrea

La Galería Vanguardia de Bilbao se suma por tercer año consecutivo al festival cántabro de fotografía y video Foconorte. Para ésta ocasión, la galerista, ha elegido el magnífico trabajo de la artista argentina residente en Barcelona Andrea Nacach (Buenos Aires, 1975). Una exposición que con el título de “Revolver” que nos acerca a los procesos de la memoria.

No nos asustemos, aunque Nacach comenzara su carrera artística en México, donde estudió fotografía y video, en ésta exposición no nos habla de las pistolas o revólveres que tanto aman en aquel país, sino de la acción de mezclar, mover, menear o enredar. En su interesante exposición Behavior en la Capella de Barcelona en enero 2008 dentro de la colectiva “Don’t Believe them” con mucho humor pero como si se tratara de un documental o un estudio etológico nos mostraba el comportamiento de diversos “animales”, incluyendo un hombre disfrazado de Scooby-Doo asediado por los niños o un elefante en el zoo de Barcelona comiendo los excrementos que un compañero acababa de expulsar. ¿Cómo se comportan los animales o como nos comportamos las personas? En ésta su nueva exposición individual Nacach sigue presentando sus estudios antropológicos. Ha decidido revolver en las personas y más concretamente en nuestros lóbulos occipitales. Ahí está nuestra llamada a la memoria y en esta exposición la artista ha decidido jugar con ella. No sabemos muy bien si con la suya o con la nuestra. Tal vez con la de todos.

A la pieza Revolver (Barcelona 2008), que en la Galería Vanguardia abre la exposición, Andrea Nacach lo llama objeto fotográfico. Se trata de una mesa llena de fotos de 10x15 cm, el tamaño de fotos al que más habitualmente se revelan las fotos de nuestras vacaciones, que luego van a parar a los álbumes familiares. Sobre la mesa hay también una pequeña urna de metacrilato llena de fotografías. Los negativos que se han utilizado para ser positivadas no se han realizado con una cámara fotográfica sino que proceden de películas de Super 8. Son series de imágenes de viajes alrededor del mundo realizadas en el pasado, a partir de los años setenta, cuando nació la artista. En estas fotos vemos una visita a un museo o estación espacial, un grupo de flamencos, el cambio de guardia del Palacio de Buckingham, un día de pesca en alta mar, una boda, un día de playa, o cualquier otra cosa… Se trata de una revisión de la memoria de alguien, tal vez de los padres de la propia artista o simplemente de un desconocido. Fragmentos de realidad y memoria puestos por la artista a nuestra disposición para que los observemos, los ordenemos, los desordenemos, los escondamos o los saquemos a la luz, los revolvamos o los archivemos en la urna de metacrilato allí dispuesta como si se tratara de nuestro disco duro cerebral. Una maqueta de una memoria lista para que realicemos nuestras propias sinapsis o incluso un posible proceso de reintegración a partir de la memoria de otro.

¡Ha llegado el paquete de New York!

$42.75 NYC-BCN es un libro-objeto fotográfico de 98 páginas impreso en papel vegetal translucido, realizado en Barcelona en 2008.

Curioso que Andrea se fije en el precio del envío para el título. Tal vez sea la imagen eidética que permaneció en el cerebro de la artista el día que recibió su paquete. Las fotos del libro son un acercamiento al paquete. Vemos el remitente y el destinatario, las características del envío, la bolsa, el cierre y la caja. Están todas las huellas y todas las marcas del paquete recibido que también es paquete enviado. Según vamos pasando hojas, con las manos sabiamente protegidas en guantes blancos de algodón para no dejar nuestro rastro, muchas preguntas nos asaltan la cabeza. Las que nos cuestionan sobre el contenido de la caja serán la principales y pronto obtendremos respuesta. Son pequeñas cosas de la artista, sus libros, sus exposiciones, Argentina, New York. Un travelling emocional. Un recorrido de su memoria pasando hojas. Pasando páginas como yendo hacia el olvido.  Entrevemos lo que hay debajo y a veces las páginas se pegan y algún recuerdo queda oculto. No siempre están ahí cuando los buscamos y aparecen cuando no queremos. Así son los recuerdos y así es esta otra memoria de Andrea.

La siguiente obra a la que nos acercamos en ésta muestra es un video. Lo vemos dentro de una caja blanca. En la filmación se nos presenta una mujer mayor en una playa. Pasea al lado de las olas. Tal vez se trate de la propia Andrea dentro de unos, bastantes, años. Como en un sueño nos avanza sus recuerdos no vividos.

Séptimo Piso, la serie fotográfica con la que se cierra la exposición fue realizada en Buenos Aires en 2006. Son fotografías donde predomina el color blanco, la luz. Algunas de ellas están sobreexpuestas y otras están tomadas a contraluz. Tienen un algo onírico o incluso fantasmal. Las imágenes muestran una vivienda que está siendo vaciada. Formalmente es la parte de la exposición que menos me ha llegado. Conceptualmente sigue la línea general de reflexión sobre el tiempo y el espacio. En éstas fotografías vemos como la casa de la abuela de la artista es desmantelada poco a poco. Se vacían armarios y se retiran baldas, apliques y lámparas. Las huellas permanecen en la casa, dejan la marca de quien vivió en ella aunque ya no esté allí.

En la exposición y a modo de complemento, también podemos ver un ejemplar de su libro Familia (2005). Fotos antiguas y nuevas atravesadas por un troquel en forma de cruz. Un álbum de familia en el que vuelve a hablar de la pérdida, la memoria, el olvido y el duelo.

¿Cómo funciona la memoria? Andrea Nacach nos da diversas maneras de entender éste proceso a través del arte.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 30 de Abril de 2010

Presentación del libro: Found footage

Librería Anti Liburudenda (Calle 2 de Mayo, 2. Bilbao)
Sábado 8 de Mayo de 2010. 20.30 h
Presentación del libro:
Found footage: EZ preteknologia klaseak
No clases de pretecnología

Proyección de los films:

"Un día en el circo" de Bego Vicario

"La cosa nuestra" de María Cañas

"Black's Back" de Derek Woolfenden

Charla debate con Bego Vicario y Kontxa Elorza

 

found footage: No clases de pretecnología


found footage: EZ preteknologia klaseak
No clases de pretecnología
Título: Found footage: EZ preteknologia klaseak
No clases de pretecnología
Autores: Txema Agiriano, Noé Cornago, Antonio Weinrichter, Maite Alberdi, Derek Woolfenden, Marion Odon, Kontxa Elorza, Enrique Piñuel, Arnau Sala.
Un libro coordinado por Txema Agiriano
Editorial: Arabako Foru Aldundia. Diputación Foral de Alava
68 páginas - Color
Precio: 3 €
ISBN: 978-84-7821-738-O
TEXTO INTRODUCTORIO DEL LIBRO:

Señoras y Señores,

Esta introducción comienza con una proposición controvertida. En la era del pillaje generalizado, frente al nuevo socialismo utópico -siempre en inglés por cierto- del open source, el copyleft, y el creative commons, es preciso oponerse al apropiacionismo.

La (re)ingeniería financiera de los fondos de inversión  y el siempre bien pagado corta-pega de los informes de las firmas de auditoria. Los trasplantes de órganos y los alardes de las nuevas estrellas de la cirugía reconstructiva.  Los fichajes expansionistas  del  Athletic y las rotaciones de plantilla en la copa y en la liga… ¿En qué sºe diferencian todos estos reciclajes de las (re)creaciones generalmente mucho más modestas que nos proponen los artistas? 

Para conocer su respuesta a este importante desafío el MEM ha llamado una vez más a quién se lo merecía.  Dada la ocasión propicia hemos invitado al Collectif Négatif,  un refrescante e ingenioso grupo de artistas, que nos muestran en su entrevista el camino de ida a una forma de entender el cine, del que ellos por cierto, con su propuesta de la película irrecuperable como destino último de la creación fílmica, ya parecen estar de vuelta. 

Antonio Weinrichter, con su caudaloso conocimiento, y no sin ironía, nos pone al día sobre el metraje encontrado  y sus diversas transfiguraciones en la música, el cine y en la vida, en una revisión histórica que también tiene algo de desconcertante prospectiva.  Enrique Piñuel, en una contribución de urgencia hace un rápido repaso del cine reciclado a la española, en el que a decir verdad, olvida mencionar el NODO, esa gran experiencia (de)formativa. Más poética, la reflexión de Maite Alberdi nos sitúa ante una nueva antropología del archivo como dispositivo que articula la sucesión entre generaciones. El cine sería el transmisor enigmático de unas imágenes y unos sonidos portadores de un mundo que invariablemente queda olvidado sólo para ser descubierto, tiempo después, descolorido, aunque rebosante de sentido. Por su parte, Concepción Elorza, nos señala a propósito de una obra deBego Vicario,  la razón  última del atractivo fatal de esta forma de entender la creación artística:  la recuperación del aura. Esa sería, añadimos nosotros, la verdadera apropiación que opera.

Para terminar, y no sin antes agradecer su importante apoyo a nuestros hermanos y hermanas de Amarika, el MEM propone como suele otra consideración intempestiva. Hay que pensar un arte nuevo que no surja de lo que cada artista se encuentra sino que se encuentra en lo que a cada artista le surja. Un arte rutilante e insolente, que no aspire a encontrar en lo que halla una originalidad improbable sino que al situarse frente a lo que le precede la crea. ¡Un arte, en suma, que no se confunda con la pre-tecnología que nos enseñaban en la escuela !

Noé Cornago

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

JORNADAS GESTION Y PRODUCCIÓN CULTURAL ArtBITE

JORNADAS GESTION Y PRODUCCIÓN CULTURAL ArtBITE

Innovación y Cultura

JORNADAS GESTION Y PRODUCCIÓN CULTURAL

Innovación y Cultura

ArtBITE

Un intercambio de experiencias destinado a estudiantes, gestores, agentes, productores, promotores, artistas, investigadores y curiosos del mundo de la gestión cultural. 

Desde el festival MEM, a través de la experiencia con profesionales, profesores, conferenciantes, artistas, becarios y alumnos en talleres y conferencias, hemos detectado que cada día hay más alumnos de éstas facultades, interesados en iniciarse en éste campo, pero que desconocen las experiencias de quienes ya trabajan en ellos.

Otro importante grupo –el de los creadores- ve como su futuro  va a depender en buena medida de cómo se realice la Gestión y Producción Cultural.

Este pequeño ciclo pretende acercar al alumnado de la UPV/EHU, a sus exalumnos y a cualquier persona interesada, algunas claves de la Gestión y Producción Cultural a través de conferencias y mesas redondas con especialistas reconocidos en éste campo.

De una manera amena, empresarios emprendedores mostrarán cual es su trabajo, sus campos de actuación, su visión y perspectivas de futuro en la Gestión y Producción Cultural. Una aproximación crítica.

Para ésta primera fase contaremos con la presencia de:

Angel Mestres (Coordinador del Master en Gestion de Instituciones y Empresas Culturales, Universidad de Barcelona; y director de Transit Projectes).

Rubén Martínez (YProductions)

Ricardo Antón (Amasté Comunicación)

Coordinador del proyecto:

Txema Agiriano

 

más información en ArtBITE

JUAN HIDALGO EN ARTIUM

JUAN HIDALGO en ARTIUM

 

Juan Hidalgo.

Desde Ayacata 1997-2009

ARTIUM

Desde el 27 de marzo hasta el 29 de agosto 2010

 

LAS VIEJAS FOTOS DE LA GÜELA

 

El Artium de Vitoría-Gasteiz acoge hasta final de agosto la exposición “Desde Ayacata. 1997-2009” del gran artista multidisciplinar canario Juan Hidalgo. En ésta muestra encontramos obras del activo octogenario Hidalgo producidas en los últimos años. Después de recorrer el mundo ha vuelto a su isla, a la población grancanaria de Ayacata.

Hidalgo, pianista y compositor, ya en los años cincuenta se relaciona con los más importantes experimentalistas y músicos de vanguardia a nivel mundial como fueron David Tudor y John Cage –sus grandes influencias- y también otros como Iannis Xenakis o Pierre Schaeffer. En 1956 conoce a Walter Marchetti con quien a partir de entonces formará equipo de trabajo e investigación. En 1961 Hidalgo y Marchetti abandonan la investigación musical de tipo tradicional para dedicarse al hecho musical como búsqueda de un lenguaje no exclusivamente sonoro. Se había abierto el camino para ZAJ. Él y Marchetti serán sus felices padres en 1964. El también músico Ramón Barce estará en el alumbramiento pero les abandonará más tarde. El escritor Juan Luis Castillejo fue también ZAJ durante algunos años. La performer donostiarra Esther Ferrer formarán asimismo parte de ésta versión española de Fluxus, una versión con personalidad propia y altísima calidad que sacudió las conciencias de la España franquista. Ésta España de Franco que intentó reírse de ellos a través del NO-DO y acabó prohibiendo sus comparecencias públicas aduciendo que incitaban al anarquismo.

Con ZAJ Hidalgo además de sus producciones sonoras comienza a realizar pequeñas acciones que quedarán plasmadas en forma de fotografías. Es también el momento de sus etcéteras, proposiciones de acciones en forma de texto, muchas veces enviadas por correo a modo de mail-art. Su obra tendrá a partir de entonces un marcado carácter poético. Poesía escrita en forma de etcéteras y poesía visual en forma de objetos o fotografías. La música por otro lado, jamás la ha abandonado.

La exposición que se nos muestra en Artium esta compuesta de objetos –a modo de poemas visuales- y fotografías –la mayor parte de ellas de objetos poemas-. También encontramos un video y algunas instalaciones. A la entrada, junto a un documental, podemos degustar un video donde se interpreta una de sus composiciones musicales, que vendrá bien para hacerse una idea de su obra a quien desconociera ésta muy importante faceta del artista. Aquellos familiarizados con la obra anterior de Hidalgo, al visitar ésta exposición, no verán un avance significativo respecto a etapas anteriores. La obra de Hidalgo sigue las pautas de su obra anterior y continúa series comenzadas años atrás. No nos encontramos con un nuevo artista o un nuevo tipo de obra. Es una continuación.

El título de la exposición, “Desde Ayacata, 1997-2009” nos informa que desde 1997 el artista reside en ésta población canaria. Un dato sólo biográfico pues no se presentan en la exposición únicamente obras realizadas en dicha población. Aunque el subtítulo de la exposición diga 1997-2009 no es ésta una referencia temporal exacta sobre los años de producción de la exposición, pues se han incluido algunas (pocas) obras anteriores. Tampoco tiene mayor importancia pues la clave tal vez la encontramos en que toda la exposición esta cargada de sentimientos y vivencias referidas a este periodo temporal y éste ámbito geográfico. No es que se hayan hecho allí y entonces. La labor de comisario la ha realizado quien mejor conoce a Hidalgo, su marido Carlos Astiárraga.

Las obras de Juan Hidalgo están cargadas de humor, de ironía, de sexo, de referencias homoeróticas masculinas y de recuerdos. El abuelo queer del arte español nos abre su mundo para que disfrutemos, sonriamos y pensemos con él. Podemos viajar a islas imaginarias llenas de palmeras, y si cerramos los ojos sentiremos la brisa marina en nuestra piel y la oiremos con nuestros oidos. La instalación ambientalScriabin dixit –homenaje al genial músico ruso- hace el milagro y nos cambia de humor. Unas sombrillas con flecos de rafia y unos ventiladores subidos sobre unas escaleras son los culpables.

Metafóricamente accedemos a su álbum de fotos en las series MemoriaBiografías. Viajes y recuerdos revisados en su compañía a modo de álbum familiar. Un viaje evocador de recuerdos propios y ajenos, reales y ficticios. Egipto, Chile, Cuba, Canarias, México y Egipto. Aeropuertos, gintonics, hospitales y sexo. Rosa Luxemburgo, Miguel Angel, Plutón,… El espectador analiza e imagina sus propias historias. ¿Qué sucedió? ¿Eran felices? ¿Fue bien el viaje? Alguna vez coincidiremos con la realidad de Hidalgo y otras probablemente no. Tampoco importa, es más valiosa esa incitación al pensamiento y a nuestra propia memoria. Su obra es íntima y privada, pero abierta totalmente al voyeur que hay en todo espectador, al que además le ofrece mucho sexo y humor. ¿Qué más puede pedir? Reflexión, contenido y estética; y aquí los hay en cantidad.

La serie Un algo más se compone de poemas visuales autobiográficos, acciones fotográficas en definitivaUna suma y sigue de objetos, de personas y de experiencias. Un culo más, un peninsular más, una botella más, un sombrero más, un pan más, un macho más, un accidente más, un beso más. Su beso con Carlos.

La gran preocupación de hoy en día para Juan Hidalgo no es otra que la búsqueda de la calma y el bienestar. Por suerte goza de buena salud y disfruta de la vida, con lo que lo consigue. A pesar de ello, esto no impide a éste joven de 82 años hijo de John Cage y nieto de Marcel Duchamp seguir produciendo y militando.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari  el 16 de Abril de 2010

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres