Blogia

mamorro

SONIC YOUTH: A SENSATIONAL FIX

SONIC YOUTH: A SENSATIONAL FIX


 

 

Ejemplo sónico

 

Sonic Youth: A Sensational Fix

Varios artistas

CA2M. Móstoles

Hasta el 2 de Mayo de 2010


El CA2M presenta la exposición Sonic Youth: A Sensacional Fix. Obras de más de 150 artistas, representando el universo del grupo Sonic Youth a través del arte. Un recorrido entre interesantes obras de arte y documentos para fans que nos acercan al grupo nacido en Nueva York en 1981 formado por Thurston Moore, Kim Gordon, Lee Ranaldo y Steve Shelley.

En el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles la entrada se ha dedicado a una recopilación de material del grupo como carteles, fanzines, discos, CD’s, muñecos, pedales, guitarras, libretas de letras, amplis,… Una delicia para los fans del grupo que dejará frío a quien no lo sea. Es cuando accedemos a las otras dos plantas dedicadas a la exposición cuando en realidad nos sumergimos en el mundo de Sonic Youth y donde vemos las obras de muchos de sus amigos y colaboradores.

En la muestra se han reflejado también sus influencias y gustos y es por esto que encontramos piezas de los escritores Allen Ginsberg y William S. Burroughs, de los músicos Glenn Branca y John Cage, o de los miembros de fluxus George Maciunas y Dick Higgins. Pioneros, e inspiradores todos ellos, que abrieron camino a las expresiones más arriesgadas y alejadas de la ortodoxia, como algunas de las que podemos disfrutar en A Sensatonal Fix.

No faltan tampoco artistas de generaciones más jóvenes, con las que también se identifica el grupo, como la australiana Kathy Temin y su universo pop, las inquietantes niñas en actitud sexual de Rita Ackermann –quien realizó una portada para Moore- o Tacita Dean que presenta una obra destacable homenajeando a Cage y a Merce Cunningham.

El grueso de la exposición está compuesto por obras de artistas muy cercanos al grupo. Entre otros los como ellos también conocidos como músicos Alan Vega (Suicide), Marnie Weber –que graba para Ecstatic Peace! el sello de Thurston- o Mike Kelley (Destroy All Monsters). Como Sonic Youth también nacieron en el underground y prácticamente al unísono que ellos conocieron el éxito sus colaboradores el dibujante Raymond Pettibon o el fotógrafo y cineasta Richard Kern.

Christian Marclay es otro de los miembros del club sónico que presenta una pieza que no por conocida resulta menos llamativa. Una habitación repleta de vinilos dispuestos sobre el suelo con el fin de que el publico ande sobre ellos y los “modifique” de manera que la próxima vez que sean pinchados su sonido haya cambiado por la acción del espectador.

El debatido pintor y fotógrafo Richard Prince es otro de los grandes artistas cercanos al grupo del que podemos ver alguna obra.

Resultan muy interesantes las por aquí no muy conocidas videoinstalaciones y piezas colaborativas de la pareja formada por Lee Ranaldo y la artista canadiense Leah Singer, de quienes también vemos algunas de sus obras en solitario.

Aunque los cuadros y acuarelas de Kim Gordon puedan no ser del gusto de muchos, no cabe duda de la valía de la propuesta que presenta junto a Jutta Koether: “The Club In The Shadow”. Un espacio donde el público puede tocar (guitarra, bajo y batería) acompañando la voz de Gordon y grabar el resultado. El espacio en ésta ocasión fue creado por Kim siguiendo las líneas de la pieza original que fue diseñada para ellas por Vito Acconci en 2005.

Dan Graham que a finales de los 70 en Nueva York dirigía su propio espacio de arte abierto y realizaba grabaciones de los grupos de la época, les hizo protagonistas de algunas de sus obras videográficas. Para A Sensatonal Fix ha diseñado el espacio “Pabellón para el punk rock” donde poder escuchar y ver videos relacionados con el grupo.

De Tony Conrad podemos ver entre otras obras la película de 16 mm conservada en un frasco de pepinillos y la espectacular y divertida

“Cuarteto”. Un banco suspendido de unos cables a modo de cuerdas de guitarra que cambia de afinación según el peso de quienes se sienten en el banco y tañan estos cables.

Tony Oursler, que también formaba parte de éste grupo de creadores que él mismo retrataría años después en Synesthesia, además de éste muestra en la exposición varios videos que realizó con el grupo y la extraordinaria instalación audiovisual “Sound of disgressions in seven colors”. Siete músicos experimentales interpretan una pieza musical en perpetuo cambio. Cada uno de éstos músicos fue grabado en solitario, sabiendo que luego sería acompañado por los otros músicos, pero sin tener referencia de lo que harían. El resultado es más que sorprendente.

A finales de los años 70 en New York muchos artistas underground combinaban las artes visuales con las sonoras y estas últimas se reflejaban en forma de grupo musical post-punk. Era habitual que éstos grupos de la No Wave tocaran en galerías y museos. Sonic Youth nacieron en éste contexto. Kim Gordon, había estudiado arte en Los Angeles y comisariaba sus primeras exposiciones en New York. Lee Ranaldo tocaba en la orquesta de guitarras de Glenn Branca. Thurston Moore, que tocaba en diversas bandas organizó el Noise Festival (festival del ruido) en la galería alternativa White Columns que dirigía Gordon Matta-Clark. Luego comenzaría su carrera como grupo.

Esta exposición nos muestra un arte que con altas cotas de experimentación y nacido en lo marginal, a llegado al museo sin tener que pedir disculpas a nadie. Como estos artistas Sonic Youth ha alcanzado la fama. Aun así, y siendo además sus miembros felices padres de familia, ellos siguen formando parte de ese pequeño grupo de artistas que además de ocuparse de su propia carrera promueve y participa en experiencias artísticas experimentales y underground. No han perdido su conexión con las expresiones artísticas más vivas que suceden en el mundo. Un gran ejemplo a seguir.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 2 de Abril de 2010

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

Robert Rauschenberg: Gluts

Robert Rauschenberg: Gluts


 

Robert Rauschenberg

Titulo de la expo: Gluts

Artista: Robert Rauschenberg

Museo Guggenheim Bilbao

 

Retrato de una crisis

55 obras construidas a partir de chatarra metálica ensamblada constituyen la última serie de esculturas que el artista norteamericano Robert Rauschenberg realizó antes de caer definitivamente enfermo. Un recuerdo, con aire de road movie (película de carretera), para su Texas natal y una crítica a la sociedad del bienestar, del exceso y del excedente.

Robert (Bob) Rauschenberg nació en Texas en 1925 y falleció en Florida en 2008. Estudió en el Instituto de Arte de Kansas y en la Academia Julian en Paris. Allí descubrió que la época de los artistas de las primeras vanguardias había acabado –ya eran clásicos-. También encontró allí a la que fue su mujer y madre de su único hijo, la pintora Susan Weil. En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte, prestigiosa facultad de artes que impartía las clases con métodos revolucionarios por la que pasarán los principales artistas, músicos y coreógrafos más vanguardistas de aquella época. Su maestro de pintura allí será el artista de la Bauhaus Josef Albers quien le enseñó disciplina y a comprender el color.

Posteriormente Susan y Bob se irían a vivir a New York, donde continuaron estudios en la academia de arte Art Students League. Allí conocerán a Cy Twombly, por quien en 1953 Rauschenberg dejará a su esposa. Posteriormente Robert será pareja de Jasper Johns y en los últimos 25 años compartirá su vida con quien será primero su asistente, luego pareja y hoy uno de sus herederos y albacea testamentario Darryl Pottorf.

Rauschenberg es considerado un artista neo-dadaista, aunque siempre dijo que no entendía a los dadaístas ni a Duchamp. Utiliza el objeto encontrado y la fotografía y es uno de los primeros artistas en utilizar la serigrafía, hasta entonces reservada a trabajos de tipo comercial. Aunque a Rauschenberg, por orgullo, no le gustara citarlo -al contrario que a Warhol- durante sus primero años en NY combinó el trabajo como escaparatista con el artístico. Rauschenberg comprendió en éste trabajo, que los objetos sacados de su contexto adquieren nuevos significados. En los primeros años 50 Rauschenberg creará pinturas monocromáticas, fruto de sus clases con Albers. Su fama la debe a su siguiente etapa, los “Combine paintings” donde en sus cuadros junta objetos que encuentra en las calles de New York integrándolos en su pintura. Esta serie le llevará hasta 1962 aunque seguirá trabajando de esta manera –combinando objetos, fotografía, serigrafía y pintura- hasta el final de sus días. Rauschenberg no nos quiere emocionar ni producirnos ningún tipo de placer estético. Tampoco pretende que nos identifiquemos con él ni le preocupa si vemos en sus obras lo mismo que él ve. Su negativa a las explicaciones de tipo conceptual, unido a lo prolífico de su obra y lo cercana que ésta resulta ha hecho que no siempre fuera un artista comprendido como afirma la comisaria de la muestra.

A mediados de los 60 funda junto a dos ingenieros y el performer y fotógrafo Robert Whitman la asociación Experiments in Art and Technology (E.A.T). Serán así los precursores del uso y defensa de la utilización de la tecnología punta en el arte. También defendió y colaboró numerosas veces con el mundo de la danza contemporánea y la música experimental.

En 1985 viaja a Houston para su exposición con motivo del 150 aniversario de la independencia de Texas, en el Contemporary Arts Museum titulada Work from Four Series: A Sesquicentennial Exhibition. Rauschenberg, siempre se interesó en los mundos de la economía, la política o la ecología, y gustaba de incluir en sus obras las conclusiones que él sacaba de estos mundos. El paisaje rural tejano, antes floreciente y siempre salpicado de campos petrolíferos ahora se había visto transformado en un paisaje desolador de coches abandonados, gasolineras cerradas y barriles oxidados. El exceso en la producción de petróleo a nivel mundial y con él el exceso de oferta produjo consecuentemente una bajada de precios del crudo que hizo que la economía de aquel estado norteamericano se viera gravemente afectada. A Rauschenberg le sorprendió especialmente que el culpable de una grave crisis económica fuera un exceso. Esto le agitó y a la vez le dio energía. Éstos excesos (gluts) darán nombre e inspiración a la serie que ahora podemos ver en el museo bilbaino. A su regreso a Florida, su lugar de trabajo y residencia, comenzó a buscar en los desguaces piezas con las que reconstruir las imágenes que se había traído en su mente. Robert disfrutó mucho realizando ésta serie. “Bueno, me atraen los objetos abandonados, por eso trato de rescatarlos siempre que me es posible”.

Los primeros gluts tuvieron su continuación en Italia cuando el decorado de una producción de danza de su amiga la coreógrafa Trisha Brown no llegó a tiempo. Rauschenberg corrió a un desguace con el fin de crear uno nuevo. Estos decorados se convirtieron posteriormente en los Neapolitan Gluts que se muestran en esta exposición. Los gluts son obras brillantes y llenas de energía. Entre ellos hay muchos símbolos de movilidad como cuentaquilómetros, matriculas de coche, bicicletas, adornos de vehículos, carteles de gasolinera, bobinas de película, casi todos ellos “let as found” conservando sus colores y cualidades originales Los más pesimistas querrán ver en estas obras accidentes de automóvil o incluso la muerte –y Bob no se lo discutiría-, yo prefiero ver el residuo de una road movie que acabó en los ochentas.

“Es tiempo de excesos. La codicia es desenfrenada. Tan sólo la expongo, tratando de que la gente abra los ojos… Simplemente quiero que se enfrenten a sus ruinas. Les estoy ofreciendo souvenirs sin nostalgia.”

Txema Agiriano. Publicado originalmente en Mugalari el 5 de Marzo 2010

ULTRABRUTAL: MIKE IBAÑEZ

 

ultraBrutal: Mike Ibañez




 

Título: ultraBrutal

autor: Mike Ibáñez

editorial: Glénat, 2009

96 páginas - B/N Color

Precio: 9,95 €

ISBN: 978-84-8357-748-6

 

Nova Exhibition Express 

Los seguidores del sentido del humor y extraños sucesos de Chuck “El Club de la lucha” Palahniuk, y las delirantes novelas cargadas de pretermisión, paranoia y conspiración de Thomas Pynchon tienen en el catalán Ibáñez un nuevo escritor a seguir.

Mike Ibáñez sobrenombre de Miguel Ibáñez Rius (Barcelona, 1963) se dio a conocer en 1983 a través de Radio 3-RNE como conductor del programa radiofónicoLa Rosa de Vietnam. Como locutor y guionista radiofónico ha trabajado además de para Radio 3 para ICat FM, Radio Vitoria-EITB, Contrabanda FM, Ràdio Barcelona y Radio PICA con programas como “El Caos” (versión psicotrónica de “El Caso”) o “Moonlight&Muzak”. En el campo de la televisión realizó los documentales “Subliminalia” y “AcT.V.ty” para BTV (Barcelona Televisió). Ha publicado los ensayos ¡Zap!: Caos, capitalismo y televisión” (Ediciones Futura, 1995), donde analiza la nueva televisión; "pOp cOntrOl. Crónicas post-industriales" (Ediciones Glénat, 2000) donde estudia la propaganda nazi, las bombas atómicas, los psicópatas, la paranoia de la conspiración, e incluso la marca Nike; e "Imágenes para la sospecha" (Glénat, 2001) donde nos habla de los falsos documentales. Es responsable de ”Karma Chungo (CataLogos, 2007) libro que recoge 15 cuentos firmados por Ji Ha Chol que satirizan sobre el budismo. Desde 2003 es colaborador habitual del suplemento cultural "Cultura/s" del diario La Vanguardia de Barcelona. “Ultrabrutal” es su primera novela.

Mike es asesor de Spectra, Simposium Mundial sobre Teoría(s) de la Conspiración que se celebra en Valencia. Un foro que quiere mostrar el conspiracionismo como parte de la cultura (o contra-cultura) popular, a través de los vehículos culturales que ha generado libros, películas, programas TV, música y noticias. Además de presentar a pensadores serios de talla internacional Spectra por ejemplo dio eco al montaje que el fotógrafo Joan Fontcuberta realizó creando un falso cosmonauta hecho desaparecer de los archivos soviéticos –que confundió, creyendo real y así lo presentó en su programa, al televisivo Iker Jiménez (Quinto Milenio)-. En otra edición de Spectra se debatía la posible muerte del presentador Jordi Hurtado y su ocultación por parte de TVE. El presentador de “Saber y ganar” lleva 10 años con exactamente el mismo aspecto físico y jamás comparte planos con otras personas. El caso lo recogió –ésta vez en tono jocoso- toda la prensa y televisión.

En “Ultrabrutal” Mike Ibañez nos presenta a un veterano del Vietnam de origen judío, que tras pasar por diversas crisis religiosas y de drogadicción –en una de las cuales casi mata a su hijo- acaba adoptando una nueva personalidad. A Ji Ha Chol, su nueva identidad, le conocimos en el mundo real hace un par de años como autor de “Karma Chungo”. Vueltas de tuerca de una novela que combina realidad con lTamaño de fuenteas noticias del tabloide semanal norteamericano Weekly World News, que combina sucesos y noticias reales con otras inventadas y del que algunos recordarán que en los noventa existió la versión en castellano “Noticias del Mundo”.

La novela de Ibáñez nos acerca el Burroughs de Nova Express y su mundo de drogas, conspiración, antilenguaje, incomunicación, alienación, apocalipsis, psicosis y caos. Ballard (The Atrocity Exhibition) y su visión apocalíptica del mundo es su otro gran aliado.

 

Txema Agiriano. Publicado originalmente en Mugalari. 5 de Marzo 2010

 

Un mundo más amable: Eduardo Alonso

Un mundo más amable: Eduardo Alonso


 

 

Un mundo más amable: Eduardo Alonso

 

Eduardo Alonso

“Días futuros”

Galería Xanon. Bilbao

Hasta el 11 de Marzo 2010

 

"Días Futuros" es el título de la exposición que el santanderino, Eduardo Alonso, presenta en la galería Xanon. Premio a la investigación con nuevos materiales, por parte de la Junta de Castilla y León, muestra ahora sus resultados en la galería bilbaína. El artista, residente en Valladolid, ha realizado una larga serie de pequeñas esculturas a modo de maquetas hechas con metacrilato, vinilo y poliestireno, utilizando únicamente los colores rojo y blanco. Representan asépticos espacios arquitectónicos semiabiertos habitados por unas diminutas figuras solitarias que ha tallado con bisturí. En la exposición no se muestran sólo las maquetas, sino también las macrofotografías que el propio autor ha realizado de ellas. El resultado fotográfico se expone ampliado a diversos tamaños, grandes y pequeños, y también en formato de cajas de luz.

 

Su interés por la arquitectura ya nos lo adelantó en su anterior exposición en Xanon en 2007 titulada “Ramas severas, arquitectura miserable". Entonces criticaba el sistema de vivienda actual y nos recordaba las paredes enmohecidas y las ventanas cegadas de su taller, construido con tabiques de D.M., donde transcurre gran parte de su vida.

 

Para su actual muestra Alonso se ha inspirado en el ensayo Arquitectura de cristal (Glasarchitektur, 1914) del escritor alemán Paul Scheerbart. Éste fue un poeta, novelista, ensayista y dibujante visionario que en sus relatos describía ciudades de vidrio con casas rotatorias, edificios que pueden subir y bajar, ciudades sobre ruedas y estructuras que flotan. Atacó el funcionalismo por su falta de artisticidad y defendió la substitución del ladrillo por el vidrio en la construcción. Pretendía una nueva civilización donde las transparencias en la construcción modificarían las relaciones del hombre con el entorno y sus semejantes. Una sociedad purificada. Un futuro utópico con lugares luminosos y cristalinos. Siguiendo sus ideas el arquitecto, también alemán, Bruno Taut realizó en 1914 en Colonia el Pabellón de Cristal de la exposición de la Deutscher Werkbund -asociación de arquitectos, artistas e industriales, precursora de la Bauhaus, fundada en Munich en 1907-. Posteriormente y continuando también en la misma línea, diseño una utópica ciudad en los Alpes. Para Taut el vidrio era símbolo de la paz y la cooperación entre los pueblos.

 

Las construcciones de aire futurista y cierto toque oriental que conforman la delicada obra de Alonso muestran pilares blancos, suelos y techos enmoquetados en rojo y muchas líneas curvas. Pero para él como para aquellos visionarios alemanes, lo fundamental no es la búsqueda de una imagen estética sino la reflexión sobre la calidad de vida del ser humano.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 19 Febrero 2010 

“Scott Walker: 30 century man” de Stephen Kijak

“Scott Walker: 30 century man” de Stephen Kijak

Jueves 18 de Febrero de 2010. 19 h

Pulimentos del Norte. Cortes 29-31. 6º E 48003 Bilbao

Proyección del film:

“Scott Walker: 30 century man” (2006) de Stephen Kijak

 

 

Scott Walker: el hombre del siglo 30

 

¿Qué pueden tener en común David Bowie, Goldfrapp, Damon Albarn, Radiohead, Jarvis Cocker, Brian Eno y Marc Almond, entre otros? Su veneración a uno de los artistas más iconoclastas de los últimos 30 años: Scott Walker. Sobre todo el ex Soft Cell Marc Almond, que lleva siglos utilizando los discos de los 60 de Walker, bien para reproducir sus versiones de Jacques Brel o para inspirarse en sus composiciones y dramatismo vocal.

Stephen Kijak es el autor de 'Scott Walker: 30 century man' el documental que ahora llega a nuestro país en formato dvd. Un trabajo titánico que, por la complejidad del artista, estaba destinado a fracasar. El que Walker haya prohibido durante décadas que muchos de sus discos se reediten, que no grabe vídeos, haga conciertos, ni conceda entrevistas y que viva como un ermitaño en un estado de aislamiento total sólo comparable al de la última época de Greta Garbo, no eran buenos avales para presentar un proyecto como éste.

'30 century man' es un documental que aborda toda la carrera de Scott Walker. Desde sus inicios en Estados Unidos como fenómeno fan con los exitosos Walker Brothers con baladas atormentadas como 'The sun ain't gonna shine anymore', a su traslado a Inglaterra para convertirse en uno de los personajes más influyentes y enigmáticos de la historia del rock.

La producción del documental comenzó en el 2001 con todo tipo de problemas financieros, pero la magia del nombre de Scott Walker hizo que todo el mundo colaborara concediendo entrevistas para hablar de su relación con el 'universo Walker': Sting, Johnny Marr (que confiesa que quería que el disco de despedida de los Smiths tuviese ese ambiente de fatalismo de las canciones de Walker), Radiohead que se declaran fan absolutos y cuentan cómo una vez mientras grababan 'Ok computer' -que ha quedado en tecer puesto en la lista de los mejores álbumes de Inglaterra- se cruzaron con él por la calle y llegaron de excitados por la emoción a grabar. O David Bowie, que terminó financiando parte del proyecto como productor ejecutivo.

Y la magia llegó. Scott Walker volvía a meterse en un estudio para grabar un nuevo disco con el sello 4AD. Y no sólo eso. El enigmático artista rompía su ostracismo para conceder una entrevista al director del documental y les permitía rodar una sesión de grabación del nuevo disco.

Así podemos ver a un Walker con 63 años aclarando por primera vez muchas de las leyendas urbanas que corren desde hace décadas sobre su persona o contando que su pasión por Jacques Brel, que le llevó a grabar varias adapaciones en inglés en sus primeros discos en solitario de los 60 y que luego se reunieron en el recopilatorio del 81 'Sings Brel', surgió gracias a una conejita playboy, que conoció en una fiesta y que le puso un disco del cantautor belga y le explicó las letras sobre amores sadomasoquistas, enfermedades sexuales y muerte.

Pero el plato fuerte está en asistir a la sesión de grabación. En una época donde todo se factura en mini estudios con ordenadores caseros, el poder grabar un disco con orquesta de cuerda de 40 profesores o un carpintero que te construya una caja de resonancia de madera gigante para hacer percusiones con cubos de basura, es todo un lujo. Sobre todo cuando se trata de un artista maldito y poco vendedor. Por no hablar cuando el ritmo de un tema lo graban a base de dar puñetazos sincopados a un pedazo de carne de vaca, como en la escena del matadero de Rocky I de Stallone.

El principal problema a la hora del rodaje es el escaso archivo gráfico que hay. Walker no graba videoclips y no actúa desde 1978, tiene pánico escénico y llegó a provocarse un accidente de coche para suspender un concierto. Eso se resuelve con una realización ágil, cercana a la videocreación artística en muchos momentos. Para ello han contado con la maestría del fundador del estudio de grafismo Tomato, que como buen fan de Walker, crea unas animaciones para el documental que son auténticas obras de arte.

En definitiva, '30 century man' es un excelente trabajo básico para entender la obra de Scott Walker y, sobre todo, para entender la obra de muchos músicos multiventas hoy en día y que deben gran parte de su éxito a la vampirización de los primeros discos de Walker.

 

Artículo de ALEJANDRO ARTECHE

publicado originalmente en soitu.es el 20 de Febrero de 2008

Un mundo deshabitado lleno de vida. Anna Taratiel

 

“MICROCOSMOS” DE ANNA TARATIEL


“MICROCOSMOS” DE ANNA TARATIEL

Un mundo deshabitado lleno de vida

Anna Taratiel

SC Gallery C/ Cortes nº 4. Bilbao

Hasta el 19 Marzo 2010

 

Tras exponer en Berlín y en Brasil, Anna Taratiel presenta en la galería SC Gallery de Bilbao, hasta mediados de Marzo, la exposición “Microcosmos”. Una fresca muestra de su propio universo, donde lo estático y lo dinámico, lo vivo y lo construido se nos presenta con perspectivas imposibles conformando un mundo que aun sin humanos está cargado de color y vida.

La catalana de Terrassa Anna Taratiel, nacida en 1982 en Barcelona, realizó estudios de diseño gráfico en Vapor Universitari y de pintura mural en la Escola Llotja. Anna no se equivocó cuando con 22 años se presentó en las oficinas de Rojo en Barcelona. Rojo es un consorcio fundado en 2001 dedicado a la promoción del arte contemporáneo que actualmente cuenta con sedes en Barcelona, Sao Paulo (Brasil) y Milan (Italia). Nació como revista creada completamente a partir de colaboraciones de artistas de todo el mundo. Hoy también es una web, una TV online, una galería de arte, una tienda de arte online, una editorial que publica libros monográficos de artistas emergentes y también una colección de DVD’s. Además organizan y participan en eventos culturales en todo el globo.

A partir de ésa visita, Taratiel (también conocida con el sobrenombre de OVNI) ha sido seleccionada por los comisarios de Rojo para participar en múltiples eventos en relación al diseño y el muralismo en todo el mundo (Dinamarca, Lisboa, Milán, Sao Paulo, Madrid, New York, Monza,…) y trabajar con marcas tan famosas como Niké, Smart, J&B, Casadecor,… Además de todos estos comisariados de Rojo también a participado en otras innumerables colectivas y en algunos festivales como Decibelio en Madrid, el festival que organizaban los hermanos Javier y Pablo Iglesias Algora directores de la revista Belio –donde también ha visto publicadas algunas de sus obras-. En los últimos cuatro años, además de participar en un buen montón de exposiciones colectivas ha realizado nueve exposiciones individuales, cuatro de ellas en Barcelona y las demás en Brasil, Italia, Portugal y Alemania. Con éste carrerón, y viviendo en la actualidad en exclusiva de su trabajo artístico Taratiel presenta en Bilbao una nueva exposición. SC (Seycolors) Gallery ha sido el espacio artístico que ha decidido dar comienzo a su temporada de exposiciones de éste año presentando el trabajo de la catalana. Situada en la Calle Cortes, en el barrio de San Francisco de Bilbao, ésta galería es especialmente conocida por todos los amantes del street art. Se define como un espacio de creación y difusión, pensamiento y actividades multidisciplinares vinculadas a diferentes expresiones contemporáneas. Un espacio concebido como centro de exposición y producción. A la vez Seycolors es una empresa que realiza 
obras muralistas de gran formato, buscando decorar y rehabilitar espacios a través de la pintura.

Anna Taratiel es una enamorada de Berlín, la ciudad que hoy día mejor acoge cualquier propuesta artística joven, y aunque reside actualmente entre Ámsterdam y Barcelona está bastante decepcionada con la ciudad condal pues por un lado vende un tipo de arte y vida pero a la vez boicotea constantemente nuevas iniciativas y persigue a los artistas del arte callejero.

Durante bastantes años Anna fue pareja artística del grafittero Kenor y con él y con el sobrenombre de Ovni alcanzó las cimas del arte urbano llegando a ser una de las artistas más respetadas en éste campo. Hoy en día con una obra dirigida al diseño, la ilustración y a las galerías de arte esta experiencia le ha servido para crear su actual obra.

En ésta exposición presenta varios trabajos sobre papel de formato medio. Me atraen esos collages de vivos colores y figuras deformadas en los que veo una ficticia ciudad mediterránea donde se mezclan hongos, edificios, cactus y palmeras de aspecto fálico. Sus obras en blanco y negro siguen su línea de representación arquitectónica con perspectivas imposibles y distorsionantes creando un universo propio e irreal.

Pero lo que más destaca es el trabajo site-specific que ha realizado para SC Gallery. No en vano la artista se está especializando en los últimos años en realizar instalaciones, siempre muy logradas, donde crea paisajes en los que incluye elementos tridimensionales como cajas y tablas de madera. Se diría que crea esos paisajes industriales de los arrabales de las ciudades donde los artistas del graffiti suelen plasmar su obra. Esos edificios de hormigón como viejas fábricas y almacenes abandonados sobre los que ella también durante años ha pintado con vivos colores.

En su obra realizada ex profeso para la galería bilbaína combina varios materiales como cartón ondulado, cartulinas de colores, hilos o cuerdas y cinta de carrocero. Crea sobre las paredes de la galería un paisaje postindustrial deshabitado. Pero no se trata de imágenes apesadumbradas, sino llenas de vida.

Se declara admiradora de las instalaciones, siempre cargadas de ironía de Brad Downey  y de los proyectos de Felice Varini donde el artista juega con la perspectiva sobre espacios arquitectónicos. La obra de Anna Taratiel tiene influencia de la abstracción geométrica y especialmente del norteamericano Frank Stella y sus pinturas relieve. Podemos ver también paralelismos con algunos contemporáneos como el escocés Jim Lambie y más aun con las pinturas murales del alemán Franz Ackermann, donde el espectador no tiene más remedio que habitar su pintura.

Son creadores todos ellos que nos muestran el universo de otra forma. Nos dan su propia visión, crean su propio microcosmos o directamente lo transforman para nosotros aunque sólo sea para ese breve momento en que nuestra vista queda fijada en su creación. El mundo tal vez no sea como estamos acostumbrados a percibirlo.

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 5 de Febrero de 2010 

 

LES AUS

LES AUS

LES AUS

Les Aus es la banda formada por Arnau Sala (batería) y Dalmau “Mau” Boada (guitarra). Formaron este duo –que en origen se llamó The Cheese- en 2003 tras la disolución de Omega Cinco, la banda en la que ambos habían militado durante años.

Arnau Sala es responsable del sello barcelonés Ozonokids y del festival de música avanzada Cap Sembrat. Además es miembro de Bèstia Ferida, junto a Mark Cunningham (miembro seminal de la no wave de Nueva York con Mars) y Adrián de Alfonso (Veracruz). Con Adrián y junto a Rafa Romero (La Orquesta de la Muerte) tiene también el grupo Homenatges. Además Arnau es artista visual –el pasado año mostró parte de su obra en Espacio Abisal dentro del festival MEM-.

 

Dalmau también tiene unos cuantos proyectos al margen de Les Aus. Los más importantes en éste momento tal vez sean el suyo en solitario como Mau, el de su grupo neofolk Esperit! y su colaboración con la cantante María Rodés de Oníric.

Inquietos por naturaleza han girado tres veces por Europa y dos por Estados Unidos. En 2004 estuvieron una temporada viviendo en Filadelfia. Allí conocieron a un buen montón de artistas y grupos. También participaron y vivieron en el Philadelphia Athanaeum, un edificio enorme que antes fue un almacén, donde un grupo de unas treinta personas viven y crean. Hay artistas plásticos, músicos, performers,… Una de estas personas es el líder de Two Prong, banda de Filadelfia que actualmente gira con Les Aus como telonero.

Desde que Lydia Lunch a fijado su lugar de residencia en Barcelona, Les Aus es su banda de acompañamiento para pequeños eventos y performances.

Les Aus han participado en festivales como el Primavera Sound y el Sonar.

Su música es una mezcla de free punk jazz de ritmos frenéticos y canciones folklóricas de países inexistentes.

Les Aus estarán tocando junto a Two Prong (USA) en directo éste sábado día 30 de Enero a partir de las 21 h en L’Mono. Andrés Isasi, 8, 2º Dcha. Bilbao.

Entrada 5 €

http://www.myspace.com/lesaus

http://www.ozonokids.com

http://www.myspace.com/2prong

 

 

La pincelada protagonista. Usoa Fullaondo

La pincelada protagonista. Usoa Fullaondo


 

La pincelada protagonista. Usoa Fullaondo 

Los teatros de papel, motivo de juego y alegrías durante la infancia de nuestros abuelos, vuelven a la actualidad de la mano de la artista getxotarra Usoa Fullaondo. Ella ha sacado estos teatros del olvido y de las jugueterías, quitándoles el polvo y las telarañas, inscribiéndolos en el mundo del arte mediante un proceso conceptual.

Hasta el 29 de Enero la Galería Espacio Abisal sita en la calle Hernani de Bilbao, muestra la exposición Maneras Verticales de la artista Usoa Fullaondo. Fullaondo nace en Getxo en 1979 y estudia Bellas Artes en la UPV/EHU. En 2004 obtuvo una beca en BilbaoArte. Su proyecto de tesis “El azar en los procesos lúdicos de creación” fue en 2007 el germen de la exposición “Txiripa” y de un ciclo de conferencias y conciertos en aquella universidad que comisarió en colaboración con su director de tesis Fito Ramirez-Escudero. En aquella exposición, donde ella también participaba,  veíamos ya los primeros teatros de papel de Fullaondo. Estos mismos teatrillos fueron también motivo de la exposición que realizó en Montehermoso a través del programa NEXT de colaboración entre ésta institución y la Facultad de Bellas Artes, con el fin de que artistas emergentes accedan a éste espacio expositivo. En 2009 fue premiada con una ayuda a la creación por Injuve –lo que le ha supuesto exponer en el Círculo de Bellas Artes en Madrid- y fue seleccionada en la muestra itinerante Ertibil donde presentaba una colorista serie de sus mandarlas (unas figuras abstractas, decorativas y tal vez místicas).

Los teatrillos de cartón de Fullaondo a los que ella titulaPaintbrush Theatre o Teatro de la Brocha son recortables que ella diseña. Hace años, mientras trabajaba en la biblioteca de la Facultad de Bellas Artes descubrió por casualidad el libro Toy Theatres on the world de Peter Baldwin, un libro sobre teatros de papel de los siglos XIX y XX y a partir de entonces quedó prendada. Actualmente en países como Alemania, Francia e Inglaterra existe un movimiento de recuperación de este tipo de teatritos, creando incluso festivales donde se representan obras clásicas y otras de nueva creación. Años después de descubrir éste libro Usoa vió el catálogo de una exposición de la colección de teatros de la coleccionista Lucía Contreras. Usoa contactó con ella y conoció su interesante web,teatritos.com donde se puede ver parte de ésta colección. Más recientemente compró el teatro de cartón “Caperucita Azul” –editado durante la dictadura y de ahí que caperucita no fuera roja, sino azul y falangista- que le sirvió de guía para crear sus teatros.

En ésta exposición los encontramos en sus cajas de cartón, listos y numerados para su venta y también ya montados. La fachada del escenario representa un palacio y es una pieza fija. El resto de los elementos del teatro, tales como los diversos telones, fondos y muebles son móviles e intercambiables para permitir la participación del espectador.

El “juguete” se acompaña de unas descriptivas instrucciones de montaje y uso. Para su edición –limitada a 50 juegos- se ha utilizado la impresión digital. Los teatros ya montados los presenta sobre una tabla colocada sobre unos caballetes. A base de recubrir las paredes de la sala expositiva con un trasnochado papel pintado y unos cuadritos con mandarlas, enmarcados a modo de retratos de familia crea una nueva escenografía que nos remite a finales del siglo XIX o principios del XX, el momento mas esplendoroso del tipo de recortables que ella crea.

En otra pared proyecta la película, con aire de cine mudo, que ha realizado a partir de situar los elementos de su teatro de diferentes maneras.

La clave y diferencia entre su teatro y los comerciales está en los actores. Si en los otros teatrillos estos son representaciones humanas o personajes de cuento, en los de Fullaondo los actores son brochazos de pintura. De ésta manera la pincelada adquiere presencia como personaje real, es protagonista. Y es un protagonista máximo en todos los sentidos. Si la propia pintura es protagonista a partir de las primeras vanguardias y especialmente con el expresionismo y toma aun mayor protagonismo en el expresionismo abstracto y en el action painting, aquí se hace protagonista puro y duro como lo era en aquella serie de esculturas de Claes Oldenburgh titulada Brushstroke o en aquellas pinturas de Roy Lichtenstein del mismo título. Pero de nuevo encontramos una diferencia, ya que si en aquellas es representación, aquí se trata de presencia pura. Son los tics, los gestos y las maneras que Usoa utiliza al pintar y se repiten en sus obras pictóricas los propios protagonistas. No hay representación. Ella las ha clasificado y las ha hecho protagonistas de estos teatros de cartón.

En la obra de Usoa, esto no es nuevo. En algunas de las obras que realizó durante su estancia en BilbaoArte –que también presenta en Abisal- encontrábamos pinceladas colocadas en un escenario dentro de una cajita de madera. Otras de sus pinceladas trabajaron en un circo que la artista montó para ellas. En los collages que muestra en la exposición, las pinceladas se muestran sobre fondos estampados. Y en una serie de cuadros estos pequeños collages con pincelada fueron reproducidos, manualmente, a una escala mucho mayor.

Su obra más reciente, “Heaven Can Wait” que se puede ver en su flickr, son pequeños collages muy narrativos y con idea de exvoto, deudores del surrealismo y cercanos a Neo Rauch o a Jaime Baldridge. Su iconografía sigue dentro del mundo del espectáculo de principios del siglo XX, del circo y del freakshow.

La pincelada de Fullaondo, cargada de personalidad, es un nuevo John Merrick clamando: ¡Soy un hombre!

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 15 de enero 2010

SEA OF BEES (USA) en Bilbao

SEA OF BEES (USA) en Bilbao

SEA OF BEES

Sea of Bees es el proyecto en solitario de la californiana Julie Ann Bee, antigua componente del grupo Find Me Fighting Them, con el que tocaba bajo y teclados. Su disco debut Bee Eee Pee es un EP de 17 minutos de duración grabado en vivo en The Hangar en Sacramento para Luxury Wafers.

Su música se desenvuelve entre un folk introspectivo y un pop tranquilo y brillante. Su voz ha sido comparada con la de Beth Gibbons (Portishead) y con la de Björk. Verla en directo puede ser un auténtico lujo.

LINKS :
Myspace : http://www.myspace.com/seaofbees
YouTube : http://vimeo.com/3181748 

"Sea of Bees" en concierto (gratuíto)
Fecha y hora: martes, 26 de enero de 2010. 20:00 h
Lugar: Burton Bar en la calle Dos de Mayo nº 16 (Bilbao)

http://www.openmem.com

MEM

Aquí un video de su actuación en Bilbao:

http://www.youtube.com/user/mamorrotube?gl=ES&hl=es#p/a/u/0/1yBluaxJotA

LITTLE CLAW

LITTLE CLAW

LITTLE CLAW "Human Taste"

Little Claw nacieron en la ciudad del motor, Detroit (USA) en el 2003 cuando Heath Heemsbergen y Kilynn Lunsford se juntaron a tocar sus guitarras. Su primer álbum Moss Has Fangs (Ypsilanti, 2005) fue producido por Warn Defever lider de His Name Is Alive y prestigioso productor (Iggy and the Stooges, Low, Yoko Ono, Thurston Moore, the Gories, the Von Bondies, Destroy All Monsters,...)

En 2006 Thurston Moore de Sonic Youth los vió en directo y decidió ficharlos para su sello Ecstatic Peace. Ellos acababan de estar en el estudio para grabar  su segundo LP. A Thurston le encantó la grabación, así que en unos meses su segundo LP “Spit and Squalor Swallow the Snow” (2007) vió la luz. En el transcurso de los años ha habido ciertos cambios de formación (y últimamente de residencia, pues se han ido a vivir a Portland, Oregon) pero el núcleo duro, con la voz y la ruidosa guitarra de la enérgica Kilynn y la garagera guitarra solista de Heath han permanecido. Recientemente han publicado “Human Taste” (2009, Ecstatic Peace). El disco con una cuidadamente sucia atmosfera garagera post noise New York, se desenvuelve entre temas que nos traen al recuerdo a The Cramps o incluso a Desechables y otros muy cercanos a una primitiva Velvet Underground –en algunos momentos parecería que estamos escuchando a Moe Tucker-. A mi me ha encantado.

Txema Agiriano

 

http://www.myspace.com/littleclaw

Little Claw estarán tocando en directo el Domingo 21 de Marzo 2010 a las 20 h en L’Mono. (Andrés Isasi, 8. 2º dcha. Bilbao) Entrada: 6 €

“Hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock.” Javi Soto

“Hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock.” Javi Soto

Entrevista con Javier Soto

“Hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock.” Javi Soto, artista

Javi Soto (Suiza, 1975), desde los 5 años vivió con sus padres de origen gallego en Navia (Asturias). Probó a entrar en la Facultad de BBAA de Pontevedra, pero no le gustó y además quedaba muy lejos del mar, así que decidió cambiarla por la de la UPV/EHU en Leioa.

Sin formación artística previa ni antecedentes familiares Javier comenzó su carrera en Bilbao.

“Aquellos que venían con cierto curriculum y con la idea clara de ser artistas lo dejaron. Yo jugaba con ventaja, no sabia nada y no esperaba nada, así que todo estaba bien para mi.”

Pertenecistes al grupo artístico Inter-Medio. Cuéntanos tu experiencia.

“Era un grupo formado por Ismael Iglesias, Diego Movilla, Patricia López y yo. Nos juntamos con la idea de pintar el punk. Yo siempre digo que hago cuadros porque es lo mas cerca que voy a estar jamás de ser estrella del rock. Es mi medio, mi necesidad, así que nosotros nos juntábamos y vomitábamos toda nuestra mierda sobre los lienzos. Combinábamos imágenes de consumo con escenas porno y cosas por el estilo, todo muy cáustico. Queríamos provocar porque sentíamos que la sociedad no nos hacia todo el caso que ansiábamos.”

¿Cómo artista como ves los centros de arte tipo Arteleku o BilbaoArte?

“Arteleku siempre fue un contenedor pero había una clara conciencia de grupo, una caldera de ideas, un punto de encuentro.”

“La tendencia últimamente de los artistas es vivir de esos espacios, como metidos en peceras y eso no es bueno. Hay que vivir la vida para no perder la perspectiva.” 

¿Como ves el asociacionismo artístico? En lugares como Catalunya tienen un importante centro de creación de arte como Hangar. ¿Crees que algo así podría ser transladable al Pais Vasco o a Asturias?

“Los artistas que hemos estado trabajando en asociaciones realizamos una labor fundamental en el desarrollo cultural. Artistas que trabajan para otros artistas, eso esta bien, no?”

“El País Vasco es un habitat perfecto para ello... Gobierno autonómico potente, dinero público para becas, ayudas a la producción y sobre todo mucha gente muy válida generando obra. Bilbao es una ciudad con potencial real.”

¿Cómo fue la experiencia como montador en el Museo Guggenheim?

“Trabajé por necesidad económica y porque me parecía muy interesante el hecho de conocer por dentro una estructura como aquella. Éste trabajo me ha dado una visión mucho mas realista del arte y el mercado del arte, un monstruo que necesita mucho pienso para alimentarse.”

 

En 2005 presentas en Madrid la exposición “Tres makeleles colgados del árbol de Gernika” que sirvió a El Mundo para escribir el siguiente titular: Del terror, arte. El 'conflicto vasco' y la violencia terrorista protagonizan por primera vez una exposición en la capital.

Algunos opinaron que no quedaba claro cuál es tu postura.

“No se lo que se publicó sobre esa exposición, pero se que se abrieron varios foros de opinión en torno a ella. Al ser comisariada por el colectivo El Perro lleva a pensar que mi obra quizás sea política o social. Yo la hice de una manera irónica. Es verdad que el tipo de obra era un poco ambigua, que mi posición no era tajante. Saco a la luz las cosas y las encuadro en mi manera estética, en mi pintura. Lo que me interesa es que la gente reaccione y me da igual que se ofenda o se alegre. Mi postura es la de hablar de lo que sea y cuando sea.”

En 2007 viajas a Los Angeles, California.

“El viaje a Los Ángeles fue un escape de Bilbao. Llevaba 15 años allí y me estaba agotando, así que ahorré dinero y me fui 6 meses por América y México. Los Angeles es una ciudad muy dura para llegar de nuevo y no tener un contacto allí, así que pasó un mes hasta que encontré el punto de partida para empezar a trabajar. La soledad es algo realmente importante en mi vida y estaba totalmente solo. Fue una experiencia de madurez tremenda, trabajar sin referentes en un nuevo proceso de trabajo todo muy mental. Imágenes que venían de un mundo de pesadillas asociado al infierno tropical que representa aquella ciudad.”

Parte de su trabajo en Los Angeles se puede ver hasta fin de Enero en la Sala Rekalde en la exposición Euforias y Demonias. ¿Cómo ves las condiciones para exponer que has encontrado aquí y en otros sitios?

“No se realmente el dinero que haría falta de verdad para hacer un proyecto de este calado, pero yo soy pintor, es decir mis expos están mas o menos cerradas, en cuanto a producción se refiere, cuando recibo las ofertas. No soy de ese tipo de artista que espera que el dinero venga por delante.”

¿Crees que a los artistas se les facilitan condiciones adecuadas?

“En general deja bastante que desear sobre todo en el contexto comercial donde el artista es el último mono. Las galerías tienen la misión principal de vender y los artistas muchas veces nos olvidamos de ese detalle y exigimos cosas que no vienen a cuento. Lo que debo exigir es que haga todo lo posible por vender mi obra, porque ese es su trabajo. Se trata de un negocio al 50%, si un galerista me exige calidad en mi trabajo yo se la doy y el me tiene que vender. Llamar a los clientes y enseñar mi trabajo, que de cobrar la mitad de cada obra vendida ya se encargan bien.”

A tu vuelta de Los Angeles y después de 15 años en Bilbao te has ido a vivir a Navia, tu pueblo de infancia. La exposición incluye también cuadros pintados allí.

“Esas piezas hablan de mi, de la idea del triunfo, el éxito social y los miedos. Los iconos de aves disecadas son puntos frívolos, irónicos, de movimiento estático, con actitud altiva pero muertos y secados como chorizos. Los trofeos hablan de mi pasado de ciclista, años durante los cuales gane muchos premios. Algunos salen representados en lo cuadros de manera fiel y convivo con ellos en el salón de mi casa, así que se podría decir que son temáticas autorreferenciales. Lo de los fantasmas tiene que ver con el reconocimiento por mi parte de todos mis miedos.”

En la exposición un  mural ocupa la pared de la derecha por completo.

“Me puse a pintarlo allí en directo y todo salió. Cuestión de dejarse llevar y de confiar en uno mismo. Si uno tiene talento lo de pensar, a veces, es simplemente inútil.”

 

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari el 8 de Enero 2010

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

TERESA MARGOLLES. La memoria de las víctimas

TERESA MARGOLLES. La memoria de las víctimas

La memoria de las víctimas

 

Teresa Margolles

Del 18 de Septiembre 2009 al 3 de Enero 2010

Montehermoso. Vitoria-Gasteiz

 

La mexicana Teresa Margolles presenta en Montehermoso en Vitoria-Gasteiz la instalación sonora titulada “Los sonidos de la muerte”. Una llamada dolorosa a la memoria y un homenaje a tantas mujeres asesinadas y olvidadas por una sociedad violenta y cínica, que ha convertido las muertes de los débiles y de los indefensos en meros datos estadísticos.

 

Teresa Margolles se dio a conocer como parte del grupo de artistas SEMEFO. Este es el nombre real de los Servicios Médicos Forenses Mexicanos, donde se practican autopsias y donde los familiares de los finados acuden a identificar los cuerpos. Actualmente ésta identificación se realiza también a través de las fotografías de los cadáveres que los SEMEFO de las diferentes localidades mexicanas tiene colgadas en sus webs.

El grupo artístico SEMEFO (integrado por Margolles, Carlos López y Arturo Angulo) se decía influenciado por Bataille,  El Bosco, Bacon, Lautréamont, Bourroughs, Cioran, Artaud, y Tarkovsky. A finales de los ochenta ocuparon el Hospital de la Floresta en Tlalpan (barrio de Mexico D.F.). Se trataba de un centro para enfermos mentales de familias adineradas, por entonces ya en ruinas, que por cierto aparece en el film Los Olvidados de Luis Buñuel.

 

“Recorríamos las celdas vacías tropezando con cascajo, restos de camillas, aparatos para electroshocks, material quirúrgico… leyendo ávidamente los expedientes de los internos, imaginando sucesos: vivíamos los gritos que aún rebotaban en las paredes...” Los universitarios , México, noviembre 1990-1991.

 

Este espacio marco la trayectoria del grupo, siempre trabajando en torno al recuerdo y a la muerte (más exactamente el cadáver) haciéndola siempre presente, muchas veces de forma repugnante, en sus performances, videos e instalaciones. Para ello utilizaban vísceras, cadáveres de animales, sangre y excrementos. Teresa, licenciada en Ciencias de la Comunicación, se diplomó en Medicina Forense y así comenzaron a utilizar tanto fotografías como también fragmentos y fluidos de cadáveres humanos. El espectador se ve enfrentado ya no a una simulación o una representación sino a una sinécdoque del cadáver real. Pelo, grasa, sangre,… El objetivo es mostrar la poca importancia que se da a esas víctimas anónimas, en una sociedad donde el control policial no lucha por erradicar la violencia, sino únicamente por marginarla.

Aunque el grupo se disolvió a finales de los años 90 la obra de Margolles a continuado en ésta línea de trabajo. Así en la reciente 53 Bienal de Venecia la artista colgaba como bandera en la fachada del Palacio Rota-Ivancich, una tela impregnada en sangre de personas asesinadas. En las salas, a modo de tapices, telas con sangre ésta vez bordadas en hilo de oro. Los suelos del palacio fueron fregados diariamente con una mezcla de agua y sangre de personas asesinadas. La macabra fina capa de fluidos fue creciendo día a día oscureciendo el pavimento.

 

En Vitoria-Gasteiz la mexicana presenta la instalación sonora titulada “Los sonidos de la muerte”. Aunque los contenidos y la intención sean los mismos, en ésta ocasión Margolles presenta una obra limpia y que resulta menos macabra. La pieza consiste en veinticuatro altavoces perfecta y asépticamente colocados en las paredes a razón de 6 altavoces por tramo, en las rampas, poco iluminadas, que descienden desde el claustro hasta la entrada al antiguo depósito de aguas. En ellos escuchamos sonido ambiental: el tráfico, grillos, el viento,… en realidad nada especial. Se podría tratar de sonidos recogidos en cualquier lugar. No son tétricos o tenebrosos, no son estridentes, no son exagerados en ningún sentido. No se trata de sonidos idílicos pero tampoco de ninguna manera son especiales. No escuchamos tampoco ninguna voz humana. No ocurre nada, ni se produce ningún tipo de sensación. La escucha de éstos sonidos no nos informa de nada ni nos transmite ninguna información. La clave de la pieza no está por tanto en el sonido aunque se trate de una instalación sonora. La clave está en el cartel informativo que encontramos al final de las rampas. Ahí se nos informa que estas grabaciones fueron realizadas en veinticuatro lugares de Ciudad Juárez (México) donde se hallaron los cadáveres de veinticuatro mujeres asesinadas. Esta es una ciudad fronteriza al norte de México, frente a El Paso, en Texas, donde el narcotráfico campa a sus anchas y donde diariamente mueren personas de forma violenta. En Ciudad Juárez, de cada diez personas asesinadas cuatro son mujeres, una cifra muy por encima de la de cualquier otra ciudad en el mundo.  Muchas de éstas victimas han sido además violadas.

Esta instalación revindica la memoria de las víctimas mediante la voz de los lugares dónde fueron abandonadas. Habla del dolor de las personas que han perdido a sus seres queridos y del vacío que deja un asesinado en una familia. No se trata de números, sino de personas con nombre y apellido. Pero estas personas, salvo por sus allegados, han sido hoy olvidadas. La violencia continúa y cada día hay nuevas victimas que el Estado se limita a contabilizar. Teresa nos ayuda a reflexionar y nos trae el recuerdo de aquellas mujeres anónimas.

La instalación que presenta en Monthermoso es cercana en concepto a las pinturas aeropostales del chileno Eugenio Dittborn donde homenajeaba a personajes anónimos desparecidos durante la dictadura. También existe un paralelismo con la colombiana Doris Salcedo y su deseo de impedir que una amnesia colectiva olvide la violencia que impera en su país. Su modus operandi parte de la investigación teórica situándose en el lugar donde fallecieron las víctimas, para invitar luego a su evocación a través de la obra artística.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari. 18 de Diciembre 2009

NADIA BARKATE

NADIA BARKATE

Nadia Barkate

Después de la presentación en Noviembre pasado en Santander en Espacio Alexandra de su libro de ilustración, KO – Necesito Me Hipnoticen, el próximo viernes 8 de Enero de 2010,  Barkate lo presenta en Bilbao en Galería Garabat. Además de presentar el libro en Garabat se podrán ver los dibujos más personales que esta artista ha ido recogiendo en sus cuadernos entre el 2006 y el 2009. En ellos se muestra entre salvaje e inocente, recogiendo toda la fuerza que da el primer trazo, utilizando materiales bastardos, más propios de un todo a 100 que de una tienda de bellas artes (rotuladores, bolígrafos, hojas cuadriculadas, espirógrafos...) pero que le otorgan la libertad necesaria para crear escenas a veces inquietantes otras llenas de humor negro. La frontera entre el boceto y la obra finalizada se diluye. Seguramente si Nadia siguiera llevando sus cuadernos consigo algunos dibujos crecerían y otros acabarían desapareciendo por el paso del tiempo o por la inquietud de su mano que los llenaría de nuevos garabatos.

Nadia Barkate, ha participado en exposiciones colectivas en Carreras Múgica y Windsor Kulturgintza. Junto a Marión Cruza LeBihan, Kiko Pérez y Daniel Llaría presentó un video instalación en el festival MEM 2008. También ha mostrado su obra en GetxoArte y en importantes muestras como Ertibil y los premios Gure Artea. En Garabat se lanza a exponer su obra de manera individual, recogiendo series de dibujos nunca expuestas antes. De este modo tendremos oportunidad de ver una muestra más completa de su investigación artística. Además de la obra original contaremos también con algunas reproducciones seriadas en alta calidad de los dibujos de sus cuadernos que han conformado su nuevo libro. Una oportunidad para hacerse con ellas que de otro modo sería imposible. Hasta el 3 de Marzo en Galería Garabat.

Galería Garabat

C/ 2 de Mayo, nº 19

48003 Bilbao

 

 

Sábado 5 de Diciembre. 20 h. Bilborock

Sábado 5 de Diciembre. 20 h. Bilborock


Sábado 5 de Diciembre. 20 h. Bilborock
FindeMEM: Tsunami Killcore (Berlin), Baseline, Miguel A. García & Héctor Rey, Mursego

Sofia NM, aka Tsunami Killcore, es compositora, performer y artista multimedia con base en Berlín. Comienza su proyecto solitario de techno experimental en Manchester (2000). Su bagaje electroacústico, ruidista y proto-punk se sintetiza en un sonido oscuro y experimental, de atmósferas turbulentas, guitarras realimentadas y voces cargadas de energía subversiva.
http://blip.tv/file/2469313/

La investigadora sonora bilbaína Baseline vuelve al MEM tras haber mostrado su trabajo este pasado agosto en diversos espacios de New York. 
Antes ya lo había hecho en festivales tan prestigiosos como el LEM, SONAR, Experimentaclub, Sonic Circuits (Washington DC),…
http://www.baselinenoise.com/

Miguel A. García (Xedh) es una de las figuras mas inquietas dentro de los panoramas de músicas arriesgadas. Con un background enraizado en la música industrial, el noise y el ambient oscuro, en la actualidad su propuesta ha evolucionado hacia formas electrónicas mas vanguardistas y complejas de ambientes oscuros, oxidados, y opresivos.
El artista visual y sonoro Hector Rey acaba de sacar a la luz recientemente su primer EP bajo el titulo de "Línea Maginot".
Juntos provienen de la agrupación de improvisación Konbo Secreto. Muy pronto verán publicados un par de trabajos, uno de ellos dentro del sello Mantricum

http://www.mantricum.com
http://www.archive.org/details/doku30
http://www.xedh.org/

Mursego = Maite Arroitajauregi.
Mursego = cello, loop station, platillos chinos, chiflo, pandereta, organillo, palmas, rimas, coros y danzas.
Mursego = Mamífero quiróptero nocturno, insectívoro, parecido al ratón pero con los dedos de las manos muy largos y unidos por una membrana que le permite volar.

http://www.myspace.com/mursego

KTL en Bilbao. Este viernes en el Kafe Antzokia

KTL en Bilbao. Este viernes en el Kafe Antzokia

KTL is a musical duo consisting of Stephen O'Malley (Sunn O) and Peter Rehberg (Pita), originally formed to create the music for a theatre production entitled Kindertotenlieder by Gisèle Vienne and Dennis Cooper. The production premiered in Brest, France in March 2007. The duo have also played shows not associated with the Kindertotenlieder production. In late 2008 it was announced, via Stepehen O'Malleys website, that KTL's fourth album would be released January 2009 through Editions Mego and February 2009 through Daymare Records with a vinyl release on Inoxia. In addition to the announcement two song titles were mentioned for the upcoming album, "Paratrooper" and "Natural Trouble".

http://www.myspace.com/ktlrule

 

Viernes 4 de Diciembre. 21 h. Kafe Antzokia


Viernes 4 de Diciembre. 21 h. Kafe Antzokia
KTL (EEUU, Austria), Aa (EEUU), Ibon RG, Tempestad Bajo la tormenta
KTL se formó originalmente en 2007 por Stephen O Malley de los drone doom metal Sunn O))) y Peter Rehberg aka Pita (músico electrónico y responsable del excelente sello Editions Mego), para crear la música de la producción de danza Kindertotenlieder de Gisèle Vienne. Aparte de acompañar en directo esta producción, también pusieron banda sonora al film clásico sueco The Phantom Carriage, y hacen escogidas actuaciones con su propio repertorio como KTL –donde con volumen extremo combinan electrónica con un muro de guitarras-. ¡Impresionante!
http://www.myspace.com/ktlrule
Aa ("Big A little a") han sido una de las bandas más innovadoras de la escena de Brooklyn de los últimos 6 años. Auténticos defensores del “hazlo tu mismo” han pasado por frecuentes cambios de instrumentación y miembros. Entre unos Boredoms y Aphex Twin, esta banda polirrítmica utiliza elementos de global dance, psicodelia y hardcore, creando sonidos realmente nuevos.
http://www.myspace.com/alittlea
Ibon Rodriguez (Sestao, 1978), además de ser componente del grupo de música Eten tambien participa en Gol Portero (con Maite Arroitajauregi), Biko (con José, de Afeite al Perro ), Le Noise y con Xabier Montoia, tocando diferentes instrumentos.
Ibonrg es su proyecto en solitario. Hoy en día, basa este proyecto en el uso de la voz, jugando con las posibilidades que esta ofrece.
Tempestad Bajo La Tormenta es una nueva formación bilbaina donde participan entre otros miembros de La Lengua Obesa, Hermana Mery y Doctor Deseo junto a Javier Corcobado que lidera el grupo.

Ho-Ag en Bilbao

Ho-Ag (Boston, USA) Viernes 20 en Crazy Horse a las 24.00 h Gratis



Viernes 20 de Noviembre 24.30 h. Crazy Horse
Concierto Ho-Ag (EEUU)
Ho-Ag, es una banda experimental de noise rock nacida en 2001 en Boston, EEUU. Mezclan la música de las viejas películas de ciencia ficción con el mundo disonante de Tom Waits, los Melvins, Devo y el punk matemático.
www.ho-ag.com/

Azaroak 20, ostirala. 24:30etan. Crazy Horse
Kontzertua, Ho-Ag (EEBB)
Ho-Ag, 2001ean Bostonen, EEBB, sortu zen noise rock talde esperimentala da. Zientzia fikzioko pelikula zaharreko musika eta, Tom Waitesen mundu disonantea,Melvins taldea, Devo eta Punk Matematikoa nahasten dituzte.
www.ho-ag.com/

Crazy Horse: Avda. Universidades 5 Bilbao

MEM 09 tercera semana

MEM 09 tercera semana

Comienza en Bilbao la tercera semana del festival internacional MEM de música, arte, danza, cine y otras expresiones de vanguardia.

No te pierdas las propuestas de esta semana:

HOY jueves día 12 de noviembre:

A las 20:00 estreno es España de “Blue Remix”, performance del coreógrafo suizo Yann Marussich donde trabaja con la inmovilidad del cuerpo y con secreciones de fluido de color azul. Música en directo de Miguel A. García a partir de sonidos de Marussich. Podrás verlo en el Museo de Reproducciones Artísticas.

http://www.yannmarussich.ch/

y además en el segundo piso, trabajos en video de:

 Allora & Calzadilla

El viernes día 13 de noviembre

A las 21:30 en L’Mono concierto de Cocodriles, M Ax Noi Mach (EEUU), Fasenuova (Asturias) y Homenatges (Barcelona). Proyecciones de vídeo de Manolo Campoamor. Entrada 6€.

http://manolocampoamor.blogspot.com

http://www.myspace.com/cocodriles 

http://www.angelfire.com/scifi/mnstrattacks/men.html 

http://www.myspace.com/fasenuova 

http://www.myspace.com/homenatges 

El sábado día 14 de noviembre:

A las 14:00, podrás disfrutar de nuevo del directo de Cocodriles en Serie B. 

A las 20:00 en Espacio Abisal, inauguración de obra sobre papel de Arnau Sala y Rober Francisco (EEUU) e instalación de Herwig Weiser (Austria).

www.arnausala.info 

Para información más completa sobre el festival visita su web http://www.musicaexmachina.com

Descarga el programa en PDF aquí:

http://www.musicaexmachina.com/mem09/images/programa09p.pdf 

Entérate de todo lo que está pasando en el MEM 09 visitando su nuevo blog:

http://mem09bilbao.blogspot.com

El movimiento Black Panther de Emory Douglas

El movimiento Black Panther de Emory Douglas

 

El arte al servicio de la revolución

Tras agitar conciencias durante todo el verano neoyorkino, ésta misma semana se clausura en el modernísimo New Museum del Bowery la exposición Emory Douglas: Black Panther. Aproximadamente 165 obras, entre carteles, periódicos y grabados, realizadas entre 1967 y 1976, los años más activos del partido de los Panteras Negras. Arte al servicio de la política.

A pesar de tener 40 años, las obras de Emory Douglas siguen impresionando tanto como cuando se crearon. Al entrar en la galería del museo nos recibe un mural representando una joven mujer negra armada con un fusil voceando “The Black Panther”, el periódico semanal del partido Black Panther.

Cautivado por estas imágenes fue como Sam Durant, comisario de la muestra, contactó con Emory Douglas. Durant es artista y profesor del California Institute of the Arts (CalArts) una escuela de arte creada por Walt Disney con la idea wagneriana del Gesamtkunstwerk (obra de arte total) aglutinando música, teatro y artes visuales. Como artista la obra de Sam Durant investiga la utopía y su fracaso en relación con los movimientos contraculturales y de protesta en la historia política americana.

Emory Douglas nació en 1943 en Grand Rapids, Michigan y se transladó con su madre al área de la bahía de San Francisco con ocho años al serle diagnosticada una enfermedad pulmonar. Allí hizo carrera como delincuente juvenil lo que le llevó al reformatorio de Ontario (California) donde trabajó en la imprenta del centro. Al salir de allí, la asistencia social, en vista de que tenía cierta aptitud para el dibujo, le ofertó estudiar comunicación gráfica en el City College de San Francisco, por entonces uno de los mejores college en éste campo. En la universidad participó en la asociación de estudiantes negros para los que realizó carteles y flyers. Tras un mitin de los Black Panthers en su campus, Emory decidió unirse a ellos.

Por entonces los líderes Huey Newton y Bobby Seale manejaban la idea de crear un semanario del partido e intentaban reclutar buenos fotógrafos para la parte gráfica. En los años sesenta y setenta la comunidad negra no era una comunidad lectora, por tanto el periódico debía tener muchas imágenes. Un día, en el centro cultural de los Black Panther, Douglas encontró a  Bobby Seale intentando dibujar los titulares para el periódico. La incapacidad del líder para estas tareas era más que evidente, así que Emory se ofreció para hacerlo él. Al ver su trabajo le pusieron el título de “artista revolucionario” y decidieron que las ilustraciones de Douglas serían una parte importante del periódico. Al poco de comenzar a publicar el semanario, Emory fue nombrado ministro de cultura de los panteras negras, por tanto uno de los principales líderes y encargado, entre otras cosas, de toda la parte gráfica.

La publicación Black Panther con un tirada que llegó a los 400.000 ejemplares semanales, se distribuía por todo Estados Unidos y poco después también por buena parte del mundo a través de la OSPAAAL (Organización de Solidaridad de los Pueblos de África, Asia y América), organización internacional con base en La Habana. 

Los dibujos y collages de Douglas aparecían ilustrando las noticias del periódico y cada semana se publicaba también una obra suya a toda página como contraportada. El éxito de estas contraportadas, que los jóvenes reproducían muchas veces a modo de mural en las calles, hizo que también fueran impresas desde el propio partido como grabados, postres y postales. Son imágenes con fuerte carga política, con un lenguaje gráfico avanzado, creadas para cambiar el mundo y que aun hoy conmueven.

Aunque el trabajo de Emory Douglas nos sorprenda por lo directo él no fue el primero en practicar un arte crítico y dirigido a cambiar la sociedad del momento. El francés Honoré Daumier lo hizo en el periódico político satírico Le Charivari y fue encarcelado por una caricatura que realizó del entonces gobernante Luis Felipe I de Orleans.

El inglés William Hogarth, a principios del siglo XVIII, fue también un gran crítico de las costumbres y políticas de su época. La alemana Käthe Kollwitz fue una artista gráfica fuertemente comprometida con sus ideales antibelicistas.

Otro artista alemán, revolucionario y comprometido fue el dadaísta Georg Grosz. Tras luchar en la primera guerra mundial se hizo pacifista y dedicó su arte a la crítica de sociedad y gobierno, por lo que fue sancionado en repetidas ocasiones. Sus grotescas caricaturas con cerdos y ratas marcaron de forma notable a Emory Douglas.

El periodo de la republica de Waimar fue muy prolífico en lo que a artistas revolucionarios se refiere. El más influyentes para todos los que vinieron después fue el dadaísta John Heartfield. De nombre real Helmut Herzfeld cambió su nombre en protesta por ser alistado de forma obligatoria para combatir en la primer guerra mundial. Fundador junto con su hermano del partido comunista alemán, al acabar la segunda gran guerra vivió en la Republica Democrática Alemana. Es uno de los más importantes artistas del fotomontaje y dedicó la mayor parte de su obra a la revolución y a la crítica del nazismo.

Pero el paralelismo más impresionante no es el que une a Emory Douglas con estos artistas ni tampoco con afroamericanos como Elizabeth Catlett, Sargent Claude Johnson, Ruth Waddy o Charles White, sino el que le une al valenciano Joseph Renau. De familia humilde e ideas revolucionarios fue fotomontador, muralista y llegó a Director General de Bellas Artes en los años de la Guerra Civil. Un verdadero ideólogo, convencido del poder del arte para hacer política.

 Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari 16 octubre 2009

 

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

MALO MUY MALO

MALO MUY MALO

NEW YORK BILBAO TOKIO BEIJING 

 

Malo Muy Malo, exposición, obra sobre papel. Galería Garabat y Librería Anti. Del 2 de octubre al 4 de noviembre de 2009

 

Un universo moderno de sucesos y tendencias se ha colado en la bilbaína galería Garabat a través de las historias del día a día contadas a través de irónicas, hirientes y colorísticas ilustraciones post-pop presentadas por la marca y plataforma artística de Julián Vallejo y Elena Ascarza. Historias que nacen en los años ochenta y avanzan en el siglo XXI.

 

Malo Muy Malo es hijo de la modernidad de los años 80. Del estudias o diseñas. Del artista postmoderno. De las luces y el glamour de la movida madrileña. De Ceesepe, de Victor Coyote y de La Edad de Oro de Paloma Chamorro. Del Madriz y de La Luna. De los nuevos artistas renacentistas, que lo mismo te pintan un cuadro, escriben una novela o te diseñan una camiseta. Del Bilbao sucio y gris de antes de las inundaciones y por supuesto antes de los efectos guggenheim. En la prehistoria de Malo Muy Malo encontramos el mítico fanzine punk bilbaino Sorbemocos del cual Julián Vallejo era uno de sus responsables. En aquellos años conocimos también la faceta del Julián pintor, muy cercano a la iconografía de la movida madrileña y participante destacado de la movida bilbaína.

Por entonces Antonio Huerga desde Ediciones Libertarias comienza a publicar a los literatos de la Movida. En éste contexto, en 1986 Julián Vallejo ve publicada su primera novela “Mano blanca o mano negra según el detergente que use tu suegra”. Después, en 1989, publicará “No me mires de soslayo que no soy un malayo”. En 2000 y ya en Malo Muy Malo “Comunión”, una paródica novela negra bilbaína donde drogas y ex jugadores del Athletic son protagonistas.

Vallejo es también diseñador y junto a la experta en marketing Elena Ascarza en el año 2000 fundan Malo Muy Malo como plataforma artística a través de la cual dar salida a sus creaciones. El mundo de la moda está en pleno auge y Malo Muy Malo creará una línea de camisetas. Dicen las crónicas del momento que el objetivo era pagarse un viaje a su querido Tokio y que lo consiguieron. Lo que al final no pudieron conseguir fue la camiseta de Yoshitomo Nara. Se habían agotado. El éxito de sus creaciones en moda fue creciente. Como decía Julián, no todo el mundo puede permitirse un cuadro, pero si una camiseta. En 2004 comienzan sus colaboraciones en la revista Etecé, la revista de tendencias de Amasté. En 2006 a través de la plataforma Selección Lab, gestionada también por Amasté, exponen en la galería Espacio Marzana su por entonces última colección de moda. Antes de ésto también han dado imagen –en un par de ocasiones- al ya mítico bar Irrintxi de la calle Santa María del Casco Viejo bilbaino. Pintxos, diseño and friends. Recientemente han creado una sugerente línea de productos para el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Buscamos el artista total, el nuevo artista renacentista que se propugno en los 80 y que tenía en Andy Wahol el modelo a seguir. Cuando en enero de 1983 Warhol desembarcó en el Madrid de la movida de alguna manera le dio carta de reconocimiento. Los dibujos de Malo Muy Malo recuerdan los dibujos de zapatos que hacía Warhol a finales de los años cincuenta y primeros sesenta. Obsesión fetichista por los zapatos. El protegido de Warhol, Jean-Michel Basquiat y sus cuadros en los que se cuentan historias, será el otro gran referente.


“OJO X OJO Y DIENTE X DIENTE” es el título que Malo Muy Malo han elegido para su nueva exposición.  Treinta y un dibujos en Galería Garabat y dos en la Librería Anti. Para aquellos que no puedan ir a la exposición y especialmente para aquellos que disfruten del arte de Malo Muy Malo pero su condición económica no le permite llevarse los originales a casa, simultáneamente han editado un libro que recoge todos estas ilustraciones, y bastantes más, al módico precio de 15 €. Malo Muy Malo siempre pensando en todos.

Estas ilustraciones narrativas, con toques kitch y naif –atención a los estampados en las ropas de los personajes- nos inquietan con sus historias. A la vez  nos producen una pequeña sonrisa de complicidad. Cosas de la vida: no regales ropa jamás. Una narración dibujada de lo que acontece o pudiera acontecer en el universo moderno.

Un universo que miró en los ochenta a New York y miraba hasta hace nada al Tokio de Yoshitomo Nara. El, con sus ilustraciones bizarras, perversas y naif ha sido el artista de culto en el mundo pop.

Hasta hace pocos días disfrutábamos en Getxophoto de las historias fotografiadas de los jóvenes artistas chinos Liyu + Liubo. En ellas recrean la crónica de sucesos de los diarios de su país. Una crónica que por chocante muchas veces nos parece irreal. Ellos, como muchos otros artistas de su generación, nos muestran una nueva y moderna China. Desde que en el año 2000 el gobierno chino decidió apoyar y permitió salir del underground a los nuevos artistas, lo más cool, lo más nuevo y lo más interesante nos llega ahora de aquel lejano país. Jóvenes artistas cargados de humor e ironía abren un nuevo y fresco camino en el siglo XXI. Tokio fue el nuevo New York y hoy Beijing es el nuevo Tokio.

Txema Agiriano

Publicado originalmente en Mugalari. 9 Octubre 2009

 

 

 

carta de Morquillas tras la sentencia

carta de Morquillas tras la sentencia

Reproducimos aquí la carta que ha enviado Morquillas tras conocer la sentencia a proposito de su exposición en el Museo de Bellas Artes de Bilbao:

Hola. 

Sabes que hace tiempo, arbitraria y unilateralmente, el Museo suspendió mi exposición l´Air du Temps en el Bellas Artes de Bilbao. Tras ello presentó una demanda contra mí basada en pruebas falsas y diferentes manipulaciones y alteraciones. Finalmente se ha emitido una sentencia favorable al Museo. Esta resulta completamente inaceptable por su incierto, extraño e incomprensible análisis. Mi blog aclarará y probará puntual y absolutamente todas las manipulaciones y alteraciones que el Museo ha necesitado y se ha visto obligado a realizar y las enfrentará a las insólitas y desviadas consideraciones de la sentencia. Mis comentarios incluirán también las pruebas falsas presentadas (desgraciadamente, la prensa, obediente a extremos estúpidos y viles, sólo ha reflejado lo ofertado y obligado por el Museo). Pese a lo cual, como verás en ella y en mis comentarios, la sentencia acepta sin prueba alguna lo descrito por el Museo, llegando a ignorar las declaraciones de los testigos señalados por el Artista, sus pruebas, y también las propias pruebas vinculadas y presentadas por el Museo (incluso estas últimas mostraban fehaciente e inexcusablemente su culpabilidad en los supuestos hechos que me imputaban; te señalo y recuerdo que el Museo retiró en la vista absolutamente a todos sus testigos, supongo en el conocimiento que no le eran necesarios). 

Este asunto, como se apreciará y demostraré, no es sino un rodillo deslizado por el PNV sobre mi persona a efectos de ocultar la prueba de su ineficacia. Puro atropello consentido del que todavía no han sido previstas todas las consecuencias. Siempre he considerado juiciosa y analíticamente, que objetivamente debía ganar su imposición; juzgaba que sólo una posibilidad restaba en mi contra: la compra del magistrado. Todas las pruebas señalaban el éxito, como podrás apreciar. La demanda incorporaba, por debilidad y necesidad, tantas mentiras, falsedades y alteraciones evidentes que posibilidad alguna fuera del 99% resultaba incomprensible. Me equivoqué: he aprendido que en todo 100% al interior de un sistema corrupto, sólo se dan dos 1%. He recurrido la sentencia y continuaré haciéndolo. Los recursos continuarán, si es necesario y no pueden impedirlo, hasta tribunal selenita. 

En el blog que reinicio a partir de esta fecha (6 noviembre), podréis apreciar lo señalado. Sucesivamente, en oportunidad, se irán publicando los materiales necesarios. Si necesitáis expresamente alguno, solicitarlo a mi nueva dirección de correo (tomar nota del cambio).

Os agradecería la máxima divulgación que podáis dar a este escrito y al blog. Para el catálogo rescribí la cita inicial, quedaba así: sí podemos leer esto habremos ganado todos. Momentáneamente la posibilidad se retrasa, pero aun así aporta actualidad y marco a tiempos ruines, confusos de certidumbre y sobreautoritarios. Repito por tanto que agradecería su máxima divulgación. El blog, como anteriormente, permite escritura libre y no adosa censura alguna.

Suerte.

Morquillas

 Mi blog

Vastasextensionesdenada.blogspot.com

 

 

 

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres